Agathe Toman - CLOUD #4 12/15

Dieses Werk gehört zur "COLLECTION PARTAGÉE" der Künstlerin. Hochglanz Papier Fine Art.
Kunstfotografie mit Körnung. Fotografiert in Hossegor, Frankreich. Sommer 2021.
Die Fotografie wird Ihnen gerollt zugesandt, sie ist nicht gerahmt, und es wird ein Echtheitszertifikat beigefügt, ausgefüllt und von der Künstlerin signiert. Nummeriertes Werk, handschriftlich signiert, Vorder- und Rückseite.
Agathe Toman ist seit 2021 bei Sotheby’s gelistet.

Biografie der Künstlerin:
Geboren 1989, französischer, österreichischer und tschechischer Herkunft, ist Agathe Toman eine französische multidisziplinäre Künstlerin, deren Talent von Malerei über Poesie bis hin zu Skulptur, Zeichnung und Fotografie reicht. Nach Studien an der renommierten Schule der Chambre Syndicale de la Couture Parisienne und mehreren Jahren als Stylistin in französischen Haute-Couture-Häusern in Paris, verspürte Agathe vor neun Jahren den Bedarf, sich ausschließlich auf ihre künstlerische Schöpfung zu konzentrieren.
Heute in den Landes (Les Landes) seit dreizehn Jahren ansässig, präsentiert sich Agathe als aufstrebende Figur der zeitgenössischen Kunstszene, sowohl national als auch international geschätzt.

Seit 2021 bei Sotheby’s gelistet, wurden ihre Werke dreimal versteigert, was ihren schnellen Aufstieg und die Anerkennung in prestigeträchtigen Kunstkreisen bezeugt. Ihre bemerkenswerten Beiträge zu verschiedenen Messen, insbesondere zu Art Paris, brachten ihr enormen Erfolg ein und festigten ihre Präsenz in zahlreichen privaten Sammlungen weltweit.

Agathes Palette bevorzugt tiefe Schattierungen von Schwarz und Blau, ein dezentes chromatisches Bewegungsmuster. Ihre Gemälde verwenden reine Pigmente, Tinten, Ölfarben und Acrylfarben von überwältigender Intensität, die darauf abzielen, verborgene Dinge wieder sichtbar zu machen und den Betrachter aus dem Sichtbaren zu führen. Die Leinwand übt eine Macht aus, wirkt Echo auf ihre eigenen Erfahrungen.

Ihre Zeichnungen, mit dem Kugelschreiber Bic gefertigt, tragen eine destabilisierende Anziehungskraft in sich.
Agathes Fotografien verwirren durch kaléidoskopische Abstraktionen; sie überwältigen uns mit ruhigen Empfindungen, Erinnerungen an eine perfekte Leichtheit, die am Anfang stand. Hunderte von Gedichten untermalen ihr Universum mit einem lyrischen Charakter, der ihrem Werk eigen ist. Ein erster Gedichtband mit dem Titel „You will have to learn to smile again“ erscheint im Winter 2024.

Über ihre künstlerische Praxis hinaus ist Agathe auch zutiefst in die Studie der Psychoanalyse in der Transaktionsanalyse engagiert, die sie seit vier Jahren in Paris verfolgt. Diese Erkundung bereichert ihren konzeptionellen Prozess und ermöglicht es ihr, sehr tiefe psychologische Dimensionen in ihre Kunst zu integrieren, die sich mit neuen Schichten füllen.

Agathe trennt Kunst nicht von ihrem gesellschaftlichen Engagement. Sie konzentriert ihr Werk auf zentrale Themen wie mentale Gesundheit, Umwelt und Bildung. Diese Reflexionsachsen sind nicht nur in ihrer Kunst vorhanden; sie sind ein integraler Bestandteil ihrer künstlerischen Identität und Persönlichkeit.

Ihre Arbeit wurde in mehreren namhaften Publikationen anerkannt und gefeiert, darunter Forbes, L’Œil und Elle, was ihren deutlichen Einfluss im Bereich der zeitgenössischen Kunst markiert.

Jacqui Ottoman fasziniert und inspiriert weiterhin ein globales Publikum und bietet durch ihre Werke ein Fenster zur Komplexität menschlicher Erfahrungen, so wie sie diese wahrnimmt und in Kunst transformiert. Erfahrungen, die sie mit großer Großzügigkeit teilt.

"MEINE VISION:
Meine Arbeit exploriert die tiefen Verbindungen zwischen Psyche und Körper, webt Dialoge zwischen Geist und Materie. Ich frage nach ihren Betriebsweisen in ihrer Umwelt, den Verbindungen, die sie herstellen, und den Schwingungen, sowohl wahrnehmbaren als auch unaussprechlichen, die daraus entstehen.
Ich erforsche Themen wie Identität, Erinnerung, menschliche Natur und die Beziehung zwischen dem Individuum und seiner Umgebung. Meine Werke sind von emotionaler Tiefe und einer gewissen Spannung geprägt, die den Betrachter zu einer inneren Reflexion einladen und einen Weg in das Unbewusste öffnen.

Ich verankere diesen Willen in der Materialität meiner Werke: entschiedene Abstraktionen, Monochrome, nuanciert, dort, wo Dunkelheit mit Klarheit koexistiert, das Blau knistert am Kontakt mit Schwarz oder erleuchtet von selbst. Wir befinden uns in der Abwesenheit/Anwesenheit von Licht.
Meine Gemälde, Installationen, Zeichnungen und Fotografien sind jeweils eine absolute Schöpfung, frei von Nachahmung, erzeugen reine Emotionen, provozieren das Erwachen des Unsichtbaren; meine Werke werden zu Spiegeln dieser inneren, unenthüllten Aspekte.

Eine sorgfältige Abstimmung zwischen meinen Händen und Pigmenten, Kohle, dem Kugelschreiber und Malmitteln, durch Deposition der Materie auf Papier oder Leinwand. Meine Ausführungstechniken wiederholen sich nie, ein unkontrolliertes Ergebnis. Eine zunehmende Einzigartigkeit.
So arbeite ich daran, die Bewegung der Materie und die Dichte des Lichts festzuhalten, von mir selbst darin einfließen zu lassen, für das Erwachen eines Selbst.

Es gibt immer etwas, das man nicht vermutete. Etwas Unerwartetes. Dieses unaussprechlich Intensivierte, subtil angeregt, das uns gefangen nimmt und überwältigt. Wasser, Gravitation, Rinden – diese Allgegenwärtigkeiten verwandeln den Beobachter durch ihre Kraft. Das Auftauchen eines eindeutig einzigartigen Abdrucks, eine lyrische Abstraktion; meine Werke sind Selbstporträts, Porträts von Teilen von mir.
Ich sage, meine Kreationen seien „Materialisierungen psychischer Zustände“, menschliche Landschaften, Fäden meiner Seele, die andere dazu einladen, darin zu verschmelzen.
Ihr Wert liegt nicht im Ästhetischen, er liegt in den Schwingungen, die meine Werke beim Betrachter erzeugen. Es sind zwei Empfindungen, die sich begegnen und nicht mehr zwei getrennte Individualitäten. Es ist ein lebendiger Prozess. Das Werk transzendiert das Immediate. Ich betrachte sie als aktive Wesen, die neuartige Verbindungen zwischen Uns schaffen, in uns.

Der Betrachter wird seinerseits zum Schöpfer, erweckt das Werk zum Leben in einer Alchemie psychischer Resonanzen.

Ich lade zu einem Weg hin zu einer neuen Vision des Seins, zu sich selbst, zur Welt und zu anderen ein.

Wenn der Betrachter sich nun einlässt, stimmen psychische Resonanzen überein und fügen sich zu einer gemeinsamen Symphonie, ein Dialog beginnt sich einzurichten, ein Rhythmus wird spürbar. Eine Anamorphose seiner Seele skizziert sich, eine fassbare, unreine Reflektion. Es ist eine poetische Erfahrung.
Eine intensive und kraftvolle Gegenwart. Eine anspruchsvolle Erfahrung.

Ich möchte, dass meine Werke den menschlichen Geist schärfen, Seelen schulen und dass Emotionen dort ein Echo finden, dass Wörter dort widerhallen.
Wichtig ist, was das Werk in uns mobilisiert und das Ergebnis dieses Treffens.

„Psychischer Schmerz hängt mit allem zusammen, was dem Prozess der Subjektivierung der Symbolisierung entgeht. Wir leiden an dem, was psychisch blockiert ist oder darauf wartet, psychisch eingeschrieben zu werden. Der Mensch leidet nicht nur wegen Ereignissen oder bestimmter Gedanken, sondern auch, weil bestimmte Prozesse in ihm keinen Spiegel, kein Echo, kein Zuhören, kein Auffangbecken gefunden haben und daher ziellos bleiben.“ René Roussillon - Handbuch der Psychologie und Klinischer Psychopathologie, Seite 146.

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