Agathe Toman - CLOUD #2 13/15

Dieses Werk gehört zur „GETEILTEN SAMMLUNG“ des Künstlers.
Fine Art Laminated Glossy Papier photographiert mit körniger Textur. Aufgenommen in Hossegor, Frankreich. Sommer 2021.
Die Fotografie wird Ihnen gerollt zugesandt, nicht gerahmt, und es wird eine Echtheitszertifikat beiliegen, vom Künstler ausgefüllt und signiert. Das Werk ist nummeriert, handsigniert, Vorder- und Rückseite. Hochwertiger Pigment-Druck im Fine-Art-Digigraphie-Verfahren.
Agathe Toman ist seit 2021 bei Sotheby’s gelistet.

Biografie der Künstlerin:
Geboren 1989, französische, austro- und tschechische Herkunft, ist Agathe Toman eine französische multidisziplinäre Künstlerin, deren Talent von Malerei über Poesie, Skulptur, Zeichnung bis zur Fotografie reicht. Nach Studien an der renommierten Schule der Chambre Syndicale de la Couture Parisienne und Jahren als Stylistin in französischen Haute-Couture-Hausen in Paris, vor neun Jahren, fühlte Agathe das Bedürfnis, sich ausschließlich auf ihr künstlerisches Schaffen zu konzentrieren.
Seit dreizehn Jahren in den Landes (Südwestfrankreich) ansässig, etabliert sich Agathe als aufstrebende Figur der zeitgenössischen Kunstszene, sowohl national als auch international geschätzt.

Seit 2021 bei Sotheby’s geführt, wurden ihre Werke dreimal versteigert, was ihren schnellen Aufstieg und die Akzeptanz in prestigeträchtigen Kunstkreisen bezeugt. Ihre herausragenden Beiträge zu verschiedenen Saloons, insbesondere auf der Art Paris, brachten ihr enormen Erfolg und festigten ihre Präsenz in zahlreichen privaten Sammlungen weltweit.

Agathes Palette bevorzugt tiefe Schwarz- und Blautöne, eine dezente, in Bewegung befindliche Chromatik. Ihre Gemälde verwenden reine Pigmente, Tinten, Ölfarben und Acryle von überwältigender Intensität, die darauf abzielen, Verbindungen zu verborgenen Dingen herzustellen und den Betrachter außerhalb des Sichtbaren zu versetzen. Die Leinwand entfaltet eine Kraft, die ihren eigenen Erfahrungen Reibung verleiht.
Ihre Zeichnungen, mit dem Kugelschreiber Bic ausgeführt, tragen eine destabilisierende Anziehungskraft in sich.
Agathes Fotografien irritieren durch kaleidoskopische Abstraktionen, sie übermannen uns mit ruhigen Empfindungen, Erinnerungen an eine perfekte Schwerelosigkeit, die unserem Anfang entspricht.
Hunderte von Gedichten rhythmisieren ihr Universum mit einem lyrischen Ton, der ihr Werk kennzeichnet. Ein erster Gedichtband mit dem Titel „You will have to learn to smile again“ erscheint im Winter 2024.

Über ihr künstlerisches Schaffen hinaus ist Agathe auch tief in die Studie der Psychoanalyse in der Transaktionsanalyse involviert, die sie seit vier Jahren in Paris verfolgt. Diese Erkundung bereichert ihren konzeptionellen Prozess und ermöglicht es, sehr tiefgehende psychologische Dimensionen in ihre Kunst einfließen zu lassen, die von dicken Schichten geprägt ist.
Agathe trennt Kunst nicht von ihrem gesellschaftlichen Engagement. Sie fokussiert ihr Werk auf zentrale Themen wie mentale Gesundheit, Umwelt und Bildung. Diese Denkanstöße sind nicht nur in ihrer Kunst präsent; sie bilden einen integralen Bestandteil ihrer künstlerischen Identität und Persönlichkeit.

Ihre Arbeit wurde in mehreren renommierten Publikationen anerkannt und gefeiert, darunter Forbes, L’Oeil und Elle, was ihren bemerkenswerten Einfluss im Bereich der zeitgenössischen Kunst markiert.

Agathe Toman fasziniert und inspiriert weiterhin ein weltweites Publikum und bietet durch ihre Werke ein Fenster in die Komplexität der menschlichen Erfahrung, so wie sie sie wahrnimmt und in Kunst transformiert. Erfahrungen, die sie großzügig teilt.

„MEINE VISION:
Meine Arbeit erforscht die tiefen Verbindungen zwischen Psyche und Körper und webt Dialoge zwischen Geist und Materie. Ich hinterfrage deren Funktionsweisen in ihrer Umwelt, die Verbindungen, die sie eingehen, und die Schwingungen, sichtbar wie auch unsichtbar, die daraus entstehen.
Ich erkunde Themen wie Identität, Erinnerung, menschliche Natur und die Beziehung des Individuums zu seiner Umwelt. Meine Arbeiten sind von emotionaler Tiefe und einer gewissen Spannung geprägt und laden den Betrachter zu einer introspektiven Reflexion ein, die einen Weg ins Unbewusste öffnet.

Ich verankere diesen Willen in der materialen Beschaffenheit meiner Werke: entschieden abstrakt, monochrom, nuanciert, dort, wo Dunkelheit mit Klarheit koexistiert, das Blau am Kontakt mit dem Schwarz knistert oder allein aufleuchtet. Wir befinden uns in der Abwesenheit/Anwesenheit von Licht.
Meine Gemälde, Installationen, Zeichnungen und Fotografien sind jeweils eine absolute Schöpfung, frei von Nachahmung, die reine Emotionen hervorruft, das Erwachen des Unsichtbaren provoziert; so werden meine Werke zu Spiegeln dieser inneren, nicht offenbarten Aspekte.

Eine akribische Hand-Hin-zu-Pigment-, Graphit-, Kugelschreiber- und Maltechnik, bei der Materie auf Papier oder Leinwand abgelegt wird. Meine Ausführungstechniken wiederholen sich niemals, ein unkontrolliertes Ergebnis. Eine erhöhte Singularität.
So arbeite ich daran, die Bewegung der Materie und die Dichte des Lichts zu fixieren, von mir selbst darin zu investieren, für das Erwachen eines Ichs.

Es gibt immer etwas, von dem man nichts ahnte. Etwas Unerwartetes. Dieses unaussprechliche, intensiv zusammengedrängte, subtil entfachte Etwas, das uns gefangen nimmt und überwältigt. Wasser, Gravitation, Rinde, diese Allgegenwärtigkeiten metamorphosieren den Beobachter durch ihre Kraft. Das Auftreten einer eindeutig einzigartigen Spur, eine lyrische Abstraktion, meine Werke sind Selbstporträts, Porträts von Teilen von mir.
Ich sage, meine Schöpfungen seien „Materialisierungen psychischer Zustände“, menschliche Landschaften, Fäden meiner Seele, die andere darin Einschmelzen lassen.
Ihr Wert liegt nicht im Ästhetischen, sondern in den Vibrations, die meine Werke beim Betrachter erzeugen. Es sind zwei Empfindungen, die sich treffen, nicht mehr zwei getrennte Identitäten. Es ist ein lebendiger Prozess. Das Werk transzendiert das Sichtbare. Ich betrachte sie als lebendige Wesen, die neuartige Verbindungen zwischen uns schaffen.

Der Betrachter wird seinerseits zum Schöpfer, der dem Werk durch eine Alchemie psychischer Resonanzen Leben einhaucht.

Ich beginne einen Weg zu einer neuen Sicht auf Sein, auf sich selbst, auf die Welt und auf andere.

Wenn der Betrachter sich nun einlädt, entstehen psychische Resonanzen, die in einer gemeinsamen Symphonie übereinstimmen und sich miteinander vereinbaren; ein Dialog beginnt sich einzustellen, ein Rhythmus spürbar wird. Eine Anamorphose der eigenen Seele zeichnet sich ab, ein unaussprechlicher Spiegel. Es ist eine poetische Erfahrung.
Eine intensive und kraftvolle Gegenwart. Eine anspruchsvolle Erfahrung.

Ich möchte, dass meine Werke den menschlichen Geist schärfen, die Seelen schärfen und dass Emotionen dort ein Echo finden, dass Worte dort widerhallen.
Wichtig ist, was das Werk in uns mobilisiert und das Ergebnis dieses Treffens.

„Psychischer Schmerz hängt mit allem zusammen, was dem Prozess der Subjektivierung der Symbolisierung entgeht. Wir leiden an dem, was psychisch blockiert ist oder darauf wartet, psychisch eingeschrieben zu werden. Der Mensch leidet nicht nur wegen Ereignissen oder bestimmter Gedanken, sondern weil manche Prozesse in ihm keinen Spiegel, kein Echo, kein Gehör, kein Aufnahmeort gefunden haben und daher im Umherirren bleiben.“ René Roussillon - Manuel de psychologie et de psychopathologie de clinique générale, Seite 146.