Anton Kaestner - #345 - S - " Vertical 3 ".

Unikatswerk, originales Gemälde von Anton Kaestner, direkt aus dem Atelier.
#345 - S - " Vertical 3".
Spraydose auf Plexiglasplatte aus 3 mm.
Dieses Bild ist keine Druckerei. Es handelt sich um ein originales Werk "multi-couches" dessen glänzende, resin-ähnliche Oberfläche einzigartig ist.
Transparenz bei der Druckausführung.

Dimensionen : Zoll 9,1 * 12,6 * 0,12 / 23 * 32 * 0,3 cm rahmenlos.

Dieses Bild wird ohne Rahmen geliefert.
Rahmen von quality der deutschen Marke Nielsen aus Aluminium, Referenz 34 (Zoll 0,23 * 1,38 / 0,6 * 3,5 cm) empfohlen und während des Versands gegen einen Aufpreis von 70 € inkl. MwSt. erhältlich.

Das Werk ist auf der Rückseite signiert.
Ein Echtheitszertifikat begleitet es.
Die Lieferung ist durch eine Versicherung abgesichert.

Anton Kaestner ist ein Schweizer Maler, Bildhauer und Autor mit Wohnsitz in Paris. Seine Werke werden überall in Europa, in der Schweiz und in Dubai ausgestellt. Weitere Informationen und Auswahl unter www.antonkaestner.com.

Nächste Ausstellung - Lausanne Mai 2026.

Biografie

Geboren in Genf, Schweiz, wuchs ich umgeben von der natürlichen Schönheit und kulturellen Vielfalt meiner Heimat auf. Kreativität wurde in meiner Familie geschätzt, und es war mein verstorbener Großvater, ein Handwerker und Künstler, dessen Einfluss den Samen für das legte, was letztlich zu meiner Lebensleidenschaft werden sollte.
1993 begann ich privat zu malen, experimentierte mit unzähligen Acrylfarben in Notizbüchern im A4- und später im A3-Format – ich hatte immer das Gefühl, dass große Bilder direkt auf einen zukommen, herrisch und einschüchternd, während kleine Werke viel mehr Liebe entfachen können. Zunächst zog mich der nicht-figurative Malerei und der abstrakte Expressionismus an.
Mit der Zeit und obwohl ich mich als Atheist betrachte, entwickelte ich auch eine Vorliebe für spirituelle Materialien, da sie mit meiner Erforschung menschlicher Existenz und der tieferen Wahrheiten von Natur und Leben in Resonanz standen.

Der Weg, wirklich Künstler zu werden, war jedoch nicht sofort ersichtlich.

Über drei Jahrzehnte verfolgte ich eine internationale Geschäftskarriere, die mich rund um die Welt führte – von den Vereinigten Staaten bis nach Marokko, Belgien, durch ganz Asien und Frankreich. Meine Reisen erweiterten meinen Horizont und führten mich mit einer Vielzahl kultureller Einflüsse in Kontakt. Wo auch immer ich war, tauchte ich in die lokale Kunstszene ein und nahm die kreative Energie jedes Ortes auf.
Trotz des Fokus auf meine Geschäftskarriere war die Kunst immer Teil von mir, still köchelnd unter der Oberfläche. Fast dreißig Jahre lang wurde das Malen zu einer Form stiller Meditation für mich – ein Weg, mich von der Welt zu lösen und mich meinem inneren Selbst zu zuwenden.

Ich habe immer große Zufriedenheit im Malen gefunden. Jedes neue Werk ist eine Reise, auf der ich meine Kreativität testen, neue Techniken erkunden und echte Erfahrungen durchleben kann. Durch meine Kunst hoffe ich, anderen eine aufrichtige Begegnung mit Schönheit zu bieten, die Möglichkeit, die Welt aus einer anderen Perspektive zu sehen und über das eigene Leben nachzudenken.

2023, nach dem Rücktritt aus meiner Geschäftskarriere, habe ich mich dem Malen vollends verschrieben. Ich habe mein Studio in Paris eingerichtet und mich ganz meiner Kunst gewidmet. Bis Ende 2024 startete ich meine öffentliche Künstlerkarriere, und zu meiner Überraschung gewann meine Arbeit rasch Anerkennung und fand in privaten Sammlungen in ganz Europa ein Zuhause, besonders in Deutschland, Portugal, Belgien, Italien und den Niederlanden.

Ende 2025 zog ich in ein größeres Studio in einer leerstehenden Sakristei in Lisieux, Normandie.

Künstlerischer Lebenslauf

Meine erste Einzelausstellung, "Échos", die Ende 2024 in Paris stattfand, präsentierte einen unverwechselbaren Ansatz der Kunst fernab traditioneller Maltechniken: Ich male mit Acrylfarben, metallischen Pigmenten und Sprays auf der Rückseite von recyceltem extrudiertem Plexiglas (Perpex), einer leichten, glatten, glänzenden und manchmal fragilen Oberfläche. Dieser Prozess verhindert, dass ich das Werk während der Entstehung sehe. Ich habe kein visuelles Feedback oder Kontrolle während des Prozesses – etwas, das ich begrüße. Ich lasse „zufällige Experimente“ – alles ist erlaubt, um die Vernunft zu überlisten! – den Ausgang, die Schichten und Spiegelungen zu leiten und Raum für Offenbarung und Entdeckung zu lassen, wenn das Stück schließlich ausgestellt wird. Aber lassen Sie uns klar sagen: In meinen Bildern übernimmt Zufall niemals die Entscheidungen; höchstens stellt Zufall Fragen; sinnvolle „Zufälle“ sind nur mit großer Disziplin möglich. Dieser Ansatz, der an den Offenbarungs-/Fixierungsprozess der Fotografie erinnert, ist herausfordernd und befreiend. Die Werte der Komposition werden durch Schichten und Transparenzen bereichert, geben jedem Werk jedoch eine asketische Qualität: Ich bin glücklich, wenn ich „unverrückbare Notwendigkeiten“ erkenne, also das, was wir wahrscheinlich entdecken, wenn wir in Stille und Licht innehalten.

Ich halte meinen Ansatz absichtlich einfach. Weder „Emotion“ noch „theoretische Konzeption“, sondern Erfahrung des Seins. Weder „schneller Konsum“ noch „intellektualisieren / intellektueller Besitz“, sondern Erweiterung des Bewusstseins und Erforschung der Realität, ihrer sichtbaren und unsichtbaren Geschichten; meine Kunst ist eine Suche nach dem „Leben im Kern des Lebens“, für das, was Alain Damasio als „le vif“ bezeichnet. Obwohl Nostalgie immer ein Teil meiner Arbeit war, sind meine Gemälde ohne Objekt. Wie alle Objekte sind sie Objekte an sich. Folglich besitzen sie weder Inhalt noch Bedeutung noch Sinn; sie sind wie Dinge, Bäume, Tiere, Menschen oder Tage, die ebenfalls weder einen Grund zum Sein, noch ein Ende, noch einen Zweck haben. Während meine Arbeit manchmal Transparenz und Leuchtkraft von Bleigläsern heraufbeschwört, bleibt sie fast vollständig abstrakt. Zudem verleiht Plexiglas dem Gemälde eine schimmernde Haut, hinter der man die eigene Silhouette erahnen kann – für jeden neuen Betrachter verschieden. Jedes Werk wirkt wie ein unauffälliger Spiegel: Es lebt, es verändert sich, es sieht. Das Zusammenspiel von Licht, Farbe und Textur sowie der fehlenden Teile erfordert nur Empathie. Hoffentlich wird der Reiz des „Details im Nahen“ – ein Detail eines Bildes ist ein völlig neues Bild – mit dem „Abstand zum Ganzen“ die Betrachter zu eigenen introspektiven Reisen anregen.

Ich behaupte nicht, alle Antworten zu haben, und möchte dem, was erreicht werden kann, gegenüber bescheiden bleiben. Einfach gesagt finde ich Befriedigung im fortlaufenden Prozess des Fragens und Wachsens. Jede neue Schöpfung ist eine Auseinandersetzung mit meinen Grenzen, die mich dazu drängt, meine Fähigkeiten zu verfeinern und weiter zu erforschen, was ich erreichen kann. Malen ist für mich eine tägliche Handwerkskunst, eine Erkundung, eine Möglichkeit, sinnvolle Gespräche zu entfachen, eine Suche nach einer Farbe so perfekt, dass sie uns nicht braucht. Das Zeitalter des Informellen hat gerade erst begonnen.

Wie Jean Bazaine sagen würde: „Die tägliche Praxis vervielfacht die Leidenschaft fürs Sehen.

Über die Kohärenz in meiner Praxis

Im Landschaftsbild der zeitgenössischen Kunst, in der Konzept und Form gleich viel Gewicht haben, suche ich nach Werken, die nicht durch Prominenz, sondern durch Präsenz definiert werden. Meine Gemälde – schimmernde Felder aus Farbe und Licht im Plexiglas – sind die stillen Ergebnisse einer langen und gezielten Untersuchung. Für mich liegt der wahre Fokus weniger auf dem Endbild als auf dem stillen Zusammenspiel von Gedanke und Prozess, das es ermöglicht, zu entstehen.

Diese Praxis ruht auf drei ausgerichteten Absichten.

Die erste ist ein Rückzug aus Zwangs-Bedeutung. Indem ich die Werke als „ohne Objekt“ beschreibe und ihnen „weder Inhalt, noch Bedeutung, noch Sinn“ zus preche, hoffe ich, die Erwartung einer Erzählung sanft zu lösen. Es ist eine Einladung, sich vom Dekodieren abzuwenden und zu einer direkteren Art des Sehens zu gelangen.

Dies führt zur zweiten Absicht: die Vorrangstellung gelebter Erfahrung. In diesen offenen Raum setze ich das, was ich als „Erlebnis des Seins“ betrachte. Das Werk wird weniger zu einem Objekt, das interpretiert werden muss, als zu einem ruhigen Ereignis, das gefühlt wird – geformt durch wechselndes Licht, transparente Schichten und das schwache Spiegelbild des Betrachters, der seinem eigenen Blick begegnet. Wie ich oft feststelle, „lebt, es verändert sich, es sieht.“

Der dritte Punkt ist, wo Idee auf Hand trifft: Prozess als verkörperter Gedanke. Malen auf der Rückseite von Plexiglas, ohne visuelles Feedback zu arbeiten, ist eine physische Praxis des Loslassens. Es ist eine bewusste Freigabe der Kontrolle beim Schaffensakt. Ich setze Rahmenbedingungen, gebe aber das Ergebnis auf und lasse das Gemälde zu dem werden, was ich ein unabhängiges „Objekt an sich“ nenne, das erst vollständig freigelegt wird, wenn es abgeschlossen ist. Es ist ein stiller Parallelprozess zur fotografischen Entwicklung – ein geduldiges Warten auf das, was hier und jetzt ankommt.

Diese Absichten werden von einigen sanften Paradoxien getragen, die die Arbeit tragen:

Chance und Disziplin
Ich spreche von sinnvollen ‚Koinzidenzen‘, doch sie sind nur innerhalb sorgfältiger Grenzen möglich. Zufall ist ein willkommener Gast, aber die Struktur wird mit Sorgfalt gebaut.

Kommunikation ohne Botschaft
Ich hoffe, durch Werke, die ich sinnlos nenne, etwas zu vermitteln. Vielleicht ist das Gemeinsame kein Statement, sondern ein Zustand – eine Textur aus Licht, eine stille Gegenwart, eine spürbare Ruhe.

Nostalgie für die Gegenwart
Eine sanfte Nostalgie schwingt in der Arbeit mit, doch sie richtet sich merkwürdigerweise auf das Jetzt: eine Sehnsucht nach den „unverrückbaren Notwendigkeiten“, gefunden in „Stille und Licht“ – der Wunsch nach reiner Gegenwart, die die Arbeit selbst still anbietet.

Anstrengung und Mühelosigkeit
Der Prozess erfordert stetige Aufmerksamkeit, strebt aber ein Ergebnis an, das autonom wirkt, als wäre es „aus eigenem Antrieb entstanden“. Ich fühle mich zu dem moments hingezogen, das sich als unvermeidlich anfühlt.
In diesem Geist fühle ich, dass „das Zeitalter des Informellen gerade erst begonnen hat“. Meine Praxis ist dem Geist des Art Informel verpflichtet, vielleicht mit weniger Schmerz und mehr Ruhe – eine Informalität, in der Zufall keine Unterbrechung ist, sondern ein stiller Mitstreiter.

Im Kern suche ich nach dem „le vif“ – dem lebendigen Kern. Die Arbeit neigt sich eher zur direkten Erfahrung als zur Intellektualisierung. Die bescheidene Größe, die ich oft wähle, soll Intimität fördern, kein Spektakel. Am Ende ist dies einfach der Weg eines einzelnen Künstlers. Meine Biografie, mein Prozess und meine Reflexionen sind keine separaten Fäden, sondern Teile einer einzigen Verfolgung. Ich habe erkannt, dass eine Praxis, die in stillem Paradoxon verwurzelt ist, nicht zerbrechlich sein muss. Durch Disziplin und Klarheit können solche Spannungen, wie ich glaube, eine Quelle der Resilienz werden.

Anton Kaestner