André Ramseyer (1914-2007) - Zonder titel

Dieser abstrakte Skulptur des renommierten Schweizer Künstlers André Ramseyer (1914-2007) wurde um 1970 direkt vom Künstler erworben und kennzeichnet seinen Stil, der stark von der geometrischen Abstraktion Henry Moores beeinflusst war. Sein Werk aus dieser Periode konzentriert sich auf das Verhältnis von „Volumen und Leere“, wobei das kreisrunde Loch im Skulptur ein klassisches Element seiner Formensprache darstellt. Obwohl viele seiner bekanntesten Werke in Bronze gegossen sind, arbeitete er auch mit Gesteinsarten wie Marmor und Alabaster. Dieses spezielle Stück scheint aus poliertem Marmormaterial gefertigt zu sein. Die Skulptur ist nummeriert 1/1 und mit seinem markanten Monogramm versehen. Die Abmessungen sind 28 cm Länge, 18 cm Höhe und 12 cm Tiefe. Die letzten 3 Fotos zeigen vergleichbare Werke aus derselben Periode.

Herkunft
Atelier des Künstlers
Familie van Vliet, Eindhoven (1971)

Wichtig !!
Die schwarze massige Basis wird aufgrund des Gewichts (>25 kg) NICHT mitgeliefert, es sei denn, die Figur wird abgeholt.

André Ramseyer
Für André Ramseyer war Bildhauerei eine wahre Berufung: „Ich konnte nichts anderes. Ich gehorchte einer inneren Berufung.“ Eine Berufung, die er zu beantworten suchte, nicht ohne Schmerz: „Du strebst nach einem Ziel, das immer weiter entfernt zu sein scheint, je näher du kommst. Der Künstler kommt immer zu kurz in dem, was er zu erreichen wünschte. Es ist eine Quelle des Leidens und zugleich eine Quelle der Inspiration“, sagte er im Alter von 90 Jahren Dominique Bosshard (in der Neuchâtel Express, 31. Januar 2004).

Nach dem Studium bei Léon Perrin (1886-1978) in La Chaux-de-Fonds und Studien an den Freien Akademien von Montmartre und Montparnasse in Paris behandelte André Ramseyer den menschlichen Körper in einem Stil, der seine Bewunderung für Meister wie Rodin (1840-1917) und Maillol (1861-1944) widerspiegelte. Das letzte figurative Werk des Bildhauers ist Die Badende, die über das Becken in der Mitte des formalen Gartens vor dem Hôtel DuPeyrou in Neuchâtel blickt. Dies war ein Meilenstein in seiner Karriere: Erstens, weil es sein erster großer offizieller Auftrag war, und zweitens, weil das Werk Kontroversen auslöste. André Ramseyer musste es gegen eine Gruppe Gegner verteidigen, die an traditioneller Kunst festhielten. Es dauerte fünf Jahre, bis das Werk enthüllt wurde, obwohl das ursprüngliche Projekt des Bildhauers bereits auf 1948 datiert war.

Nach seiner Zeit im Atelier von Ossip Zadkine (1890-1967) bewegte sich André Ramseyer allmählich Richtung Abstraktion. Die Figuren der Paare, die er bildhauerisch gestaltete, erhielten vereinfachte, verfeinerte Formen, mit Leerräumen zwischen ihren Körpern. Seine Entwicklung beschrieb er folgendermaßen:

„Es war 1948, nach Die Badende im Hôtel DuPeyrou, dass ich mich von der figürlichen Kunst entfernte. Nachdem ich ein Jahr in Paris verbracht hatte, arbeitete ich eng mit dem Bildhauer Ossip Zadkine zusammen. Unter seinem Einfluss entwickelte ich mich langsam zu einer Form von Freiheit, nach der ich so sehr verlangt hatte.“ Zadkine bleibt ein figürlicher Bildhauer, doch er gewährt Freiheiten mit dem menschlichen Körper, Freiheiten, die ich übernommen habe, wie in Trost, einer Skulptur, die jetzt auf dem zentralen Platz in Biel/Bienne steht; Es ist immer noch derselbe männliche und weibliche Körper, aber mit großer Freiheit behandelt.“¹

Als Ramseyer sich der Abstraktion zuwandte, wurde diese Kunstform von der großen Masse der Öffentlichkeit und sogar von vielen Künstlern, wie Charles L’Eplattenier (1874–1946), Léon Perrin (1886–1978) und Paulo Röthlisberger (1892–1990), sehr streng bewertet. Ramseyer erinnert sich, dass der letztere während eines Paris-Aufenthalts versucht hatte, nicht-figurativ zu malen, es aber aufgegeben habe. „Vor einer Skulptur von Marino Marini stand, sagte er mir sogar: ‚Das ist nichts für uns.‘“ Was Léon Perrin betrifft, so wertete er die Arbeiten seines ehemaligen Schülers inzwischen als ‚kindisch, fast verderblich!‘²

Ramseyers befreundete Maler, wie Georges Froidevaux und Claude Loewer, die sich ebenfalls der abstrakten Kunst zugewandt hatten, stießen auf dasselbe Unverständnis: Die Öffentlichkeit in Neuchâtel schaute einfach nicht hin; der Rhythmus konnte nicht mithalten. Dennoch machte die Region Neuchâtel und Jura ab den Fünfzigerjahren einen spektakulären Auftritt in der Moderne Kunstära; der Bildhauer André Ramseyer war einer der ersten, die die figurative Kunst wagten zu verlassen und gab seinen Erkundungen der Kreisform eine persönliche Dimension, auch wenn seine Werke Echoes von Jean Arp oder Henry Moore zeigten (den er 1950 im Kunstmuseum Bern entdeckte).

Diese formalen Erkundungen wurden zunehmend innovativ, mit dem Risiko, die Empfindlichkeiten des Neuenburger Publikums, das der Abstrakten Kunst noch weitgehend gegenüberstand, zu verletzen. So schrieb die Courrier de Genève im Jahr 1960, nach der Enthüllung einer Skulptur an der Fassade des Winterthur-Versicherungsgebäudes in Neuchâtel:

„Für diejenigen, die interessiert sind – und wir glauben, dass es viele sind – möchten wir darauf hinweisen, dass das bronzene Motiv an der Fassade des Gebäudes, geschaffen von dem Bildhauer Ramseyer, den Titel Envol trägt.“ (Flucht), was gut zu wissen ist.”³ Der Bildhauer wollte das Werk erneut in die Architektur integrieren. André Ramseyer erklärte dies in der Feuille d’Avis de Neuchâtel:

„Für dieses ausgesprochene moderne Gebäude war es das Ziel, ein einfaches Motiv zu wählen, das für die Außenlage geeignet, aus der Ferne sichtbar und auch für Autofahrer, selbst für diejenigen, die schnell vorbeifuhren, erkennbar ist.“ Ich wählte ein Spiel aus Rundungen, das im Kontrast die Vertikalen und Horizontalen des Gebäudes betont. Es war notwendig, einen steigenden Rhythmus zu schaffen, der der großen Aufwärtsbewegung der Fassade und der langen rechteckigen Wand gerecht wird, die dekoriert werden musste. Ich möchte betonen, dass dieses Werk – das ich Flucht genannt habe – nichts Besonderes darstellt. Es ist ein skulpturales Element, in dem man lediglich ein Spiel von Formen und Rhythmen sehen soll. Die zeitgenössische Architektur verlangt zeitgenössische Bildhauerei.“⁴

Ramseyer schuf zahllose monumentale Werke und führte eine dynamische Dialoge mit der Architektur. Er war stets darauf bedacht, sich in den Geist der jeweiligen Orts harmonisch einzufügen, mit dem Raum, dem Licht und den Materialien der Orte spielend. Laut Olivier Bauermeister erzeugen Ramseyers Skulpturen „schrittweise den Raum, den sie benötigen, in einer ununterbrochenen Bewegung von Anfang und Ende.“5

André Ramseyer fand einen originellen Weg, indem er Variationen der Kreisform vervielfachte. Für ihn war „die Kugel die schönste aller Linien...“ Er legte auch einen zentralen Wert auf die „Magie der Leere“, die die Form bewohnt und durchdringt. Die gegensätzlichen Extreme des Materiellen und Immateriellen kommen so zusammen. Der Künstler sagte gern, dass seine Arbeiten sich im Raum entfalten, genauso wie der Raum sie durchdringt. Er wollte, dass sie „von innen heraus strahlen“. In seiner Monografie über den Künstler von 1979 schreibt Marcel Joray: „Formen, geboren aus dem Kreis, dem Symbol des Himmels, und aus Schnitten geboren aus dem Quadrat, dem Symbol der Erde, vervielfachen sich. Der Kreis wird zur zentralen Form all jener Skulpturen Ramseyers, die darauf abzielen, das Zeichen zu erreichen, die vergeistigte Materie.“ Der Bildhauer wiederholt diesen Punkt (in L'Express, 31. Januar 2004): „In einem Kunstwerk gibt es Materie, Raum, Licht, alle Fähigkeiten, die man hineinlegen kann. Aber es muss eine zusätzliche, wesentliche Dimension geben, die ich spirituell nennen würde. Das Kunstwerk sendet seine eigenen Schwingungen aus.“

Die Serie Cantata or Gates of Day (1988-1990) nimmt eine einzigartige Stellung in seinem Œuvre ein. André Ramseyer ging mehrfach an die Granitplatten, die sein Nachbar, ein Steinmetz, in seiner Werkstatt gelagert hatte. Eines Tages verspürte er den Drang, architektonische Formen aus diesen Platten zu hauen und subtile Gravuren darauf zu setzen, als Ehrung des Materials selbst. Dieser Ansatz beunruhigte viele, und auch der Künstler selbst hatte Mühe damit.

André Ramseyer hat mehrfach über sein Werk gesprochen, in Interviews und Vorträgen. Er schrieb auch die Texte für den zweiten Teil der Monografie, die 1994 von Éditions du Griffon veröffentlicht wurde.