Según Albrecht Dürer (1471–1528) - Saint Jerome in His Study

Europäische Schule, Ende des 18. Jahrhunderts
Nach Albrecht Dürer (1471–1528)
Jeronimus im Studierzimmer

Autorität: Europäische Schule, vermutlich spanisch/katalanischer Bereich
Modell: nach Albrecht Dürer
Titel: Jeronimus im Studierzimmer
Technik: Ölgemälde auf Leinwand
Chronologie: finales des 18. Jahrhunderts
Leinwandmaße: 82 × 65 cm
Gesamtmaße mit Rahmen: 100 × 82 cm
Ungefährer Gesamtgewicht: 15 kg
Signatur: nicht sichtbar
Rückseite: alte Inventarnummerierung „Nº 199“ und Initialen „C.O.“
Provenienz: Privatsammlung aus Katalonien

Beschreibung

Wichtiges und interessantes Ölgemälde auf Leinwand aus dem späten 18. Jahrhundert, aus einer katalanischen Privatsammlung stammend, das Jeronimus im Studierzimmer zeigt und eine der berühmtesten Kompositionen von Albrecht Dürer (1471–1528) zum Vorbild hat: den außergewöhnlichen Kupferstich Saint Jerome in His Study, von 1514.

Die ikonographische Identifikation erweist sich als besonders reich.

Jerónimo erscheint als Gelehrter und Doctor der Kirche, vertieft in Lesen und Schreiben an seinem Arbeitstisch. Um ihn herum entfaltet sich ein sorgfältig gegliederter Innenraum durch zahlreiche symbolische Elemente: Bücher und Papiere, das Kruzifix, die Schädel, der große rote Kardinalshut und im Vordergrund der untrennbare Löwe, einer der traditionellen Attribute des Heiligen.

Das Gemälde überträgt die Farbwelt in den komplexen intellektuellen und geistigen Kosmos, den Dürer entworfen hat, und verwandelt die lineare Präzision der Renaissance-Gravur in ein Bild warmer, stiller und tief contemplativer Atmosphäre.

Eine Komposition, geboren aus Durero

Der letztendliche Bezug der Arbeit ist die berühmte Gravur von 1514, eines der zentralen Bilder der Nordrenaissance.

Der generelle Aufbau der Komposition bleibt deutlich erkennbar: das große seitliche Fenster, der Schädel auf der Bank, die Bücher und Kissen, der zentrale Schreibtisch, das Kruzifix, der vor seinem Werk geneigte Heilige, der rote Hut im Hintergrund, das häusliche Mobiliar und die monumentale Präsenz des Löwen im Vordergrund.

Der Maler beschränkt sich jedoch nicht darauf, das Modell mechanisch zu übertragen.

Die Einführung von Farbe verändert deren Lesart grundlegend. Die intensiven Rottöne des Bodens, der Gewänder und des Kardinalshuts stehen im Kontrast zu den dunklen Grüntönen des Raums, den erdigen Tönen der Möblierung und den tiefschwarzen Schattenzonen.

Das Ergebnis ist eine Version mit ausgeprägter Persönlichkeit, in der die strenge durerische Konstruktion eine intimere, malerische Dimension erlangt.

Licht, Stille und Erkenntnis

Eine der auffälligsten Eigenschaften des Werks ist der Umgang mit dem Licht.

Die Beleuchtung dringt seitlich durch die Fenster hinein und baut das Innere durch große Bereiche von Helligkeit und Halbschatten auf. Die Architektur definiert sich allmählich durch Kontrast, während Jerónimo sich auf seine Arbeit konzentriert und von der Außenwelt isoliert bleibt.

Die Szene besitzt damit eine bemerkenswerte Stille.

Die Schädelpräsenz führt das traditionelle memento mori ein: Selbst Wissen und intellektuelle Aktivität unterliegen dem Fluss der Zeit und der Sterblichkeit.

Gegenüber ihr führt das Kreuz die spirituelle und rettende Dimension ein.

Das Werk kann daher nicht nur als Darstellung eines Heiligen gelesen werden, sondern als Reflexion über Wissen, Zeit, Tod und Glauben.

Jerónimo und seine Attribute

Die Ikonographie des Jerónimo ist durch mehrere in der Komposition vorhandene Elemente besonders erkennbar.

Der rote Hut verweist auf seine traditionelle Betrachtung als Kardinal; die Bücher, Papiere und Schreibutensilien deuten auf seine außerordentliche intellektuelle Aktivität und seine Übersetzung der Heiligen Schriften hin; die Schädel symbolisiert die Vergänglichkeit des Lebens; und der Löwe, der im Vordergrund eine große Präsenz hat, bezieht sich auf das bekannte legendäre Ereignis, bei dem der Heilige eine Wunde an der Pfote des Tieres heilt, die fortan an seiner Seite bleibt.

Die Wahl des Heiligen als Gelehrter, statt ihn als Bußfertigen in der Wüste darzustellen, verbindet sich direkt mit der humanistischen Renaissance-Tradition und dem Bild, das Dürer zu einem der großen Archetypen der Geschichte der europäischen Gravur machte.

Historischer Kontext

Die enorme Verbreitung von Dürers Kupferstichen ermöglichte es, dass seine Kompositionen jahrhundertelang als Vorlagen von Malern verschiedener europäischer Schulen genutzt wurden.

Auch in Spanien und im mediterranen Raum ist die häufige Verwendung alter Drucke als kompositorische Modelle im 17. und 18. Jahrhundert gut dokumentiert.

Dieses Werk ist in dieser Tradition zu verstehen: eine spätere picturale Neuinterpretation eines Reneszanz-Modells von hohem Ansehen, angepasst an das Empfinden und die Sprache der europäischen Malerei des späten 18. Jahrhunderts.

Seine katalanische Provenienz und bestimmte Charakteristika der Arbeit ermöglichen es, einen spanischen oder katalanischen Kontext in Erwägung zu ziehen, obwohl derzeit keine ausreichende Dokumentation vorliegt, um ihn einer konkreten Werkstatt zuzuordnen.

Rückseite und Provenienz

Die Rückseite bewahrt zwei besonders interessante Elemente für künftige Forschungen.

Am oberen Querbalken erscheint eine alte Nummerierung:
„Nº 199“
und auf dem Leinwandvordergrund sind die Initialen zu erkennen:
„C.O.“
Derzeit konnte die zugehörige Sammlung oder Inventar, auf die sich diese Markierungen beziehen, nicht identifiziert werden.

Ihr Erhaltungszustand bietet jedoch eine interessante Forschungsbahn zur historischen Provenienz des Werks, insbesondere vor dem Hintergrund seiner Herkunft aus einer katalanischen Sammlung.

Zustand der Erhaltung

Das Werk weist einen Gesamteindruck auf, der mit seinem Alter kohärent ist.
Die Oberfläche zeigt Risse, kleine Unregelmäßigkeiten, Abnutzung und natürliche Alterung von Firnissen und der Farbschicht, ohne dass diese Elemente die Lesart der Komposition beeinträchtigen.
Es sind einige Bereiche mit oberflächlicher Verdunkelung zu beobachten, typisch für ein Gemälde dieses Chronologischen Rahmens. Eine eventuelle fachgerechte Konservierungsmaßnahme könnte dazu beitragen, Nuancen wiederherzustellen, die derzeit durch Alterung teilweise verdunkelt sind.

Es wird empfohlen, alle Detailaufnahmen sorgfältig zu betrachten, da sie integraler Bestandteil der Beschreibung sind.

Leinwandmaße: 82 × 65 cm
Gesamtmaße mit Rahmen: 100 × 82 cm
Ungefähres Gewicht: 15 kg

Das Gemälde wird in einem großen, prunkvollen Goldrahmen präsentiert, der eine starke dekorative Präsenz besitzt.
Der Rahmen wird als Geschenk beigefügt; aufgrund seines Alters und Gewichts kann er jedoch nicht Gegenstand einer Reklamation sein.

Barcelona Art Gallery versendet über ein professionelles, spezialisiertes Unternehmen, mit maßangefertigten Kartons und Foam-Schutz.
Weltweite Versendungen sind möglich.

Aufgrund des beträchtlichen Volumens und Gewichts des Ensembles gehen etwaige zusätzliche Logistikkosten, verbunden mit dem Großformat oder bestimmten kontinentale oder außerhalb der Europäischen Union gelegenen Zielen, zu Lasten des Käufers.