Nicolas Poussin (1594-1665), Nachfolger von - La morte di Lucrezia

Follower von NICOLAS POUSSIN
(Les Andelys, 1594 – Rom, 1665)
La morte di Lucrezia
Öl auf Leinwand, cm. 81 x 84

NOTE: Veröffentlichung des Katalogs der Werke der Sammlung Intermidiart (PDF). Unsigniertes Werk. Garanties- und rechtmäßige Provenienzbescheinigung. Rahmenloses Werk:

Die Leinwand illustriert die Höhepunkte der Übergangsphase Roms von der Monarchie zur Republik: den Selbstmord der römischen Heldin Lucrezia, als Folge der Beleidigung, die von Sesto Tarquinio zugefügt wurde.
Die Hauptfiguren sind im Vordergrund horizontal angeordnet, gemäß einer kompositorischen Anordnung, die an antike Reliefs erinnert und besonders gut zur klassizistischen Poetik von Nicolas Poussin passt. Im Hintergrund erhebt sich eine strenge monumentale Architektur, gerahmt von Lattenfeldern und geschwungenen Säulen, aus dem Halbdunkel, was der Szene einen feierlichen und teatralischen Charakter verleiht.
Der leblos auf dem Boden liegende Leichnam von Lucrezia ist in einer dunkelgrünen Tunika gehüllt, die die tödliche Blässe der Haut betont. Auf der Brust ist klar die Verletzung sichtbar, die durch das Werkzeug verursacht wurde, mit dem die Frau sich das Leben nahm. Eine helfende oder wahrscheinlich eine Verwandte stützt sie und verfällt dem Wein des Weinens, wodurch der dramatische Charakter des Ereignisses unterstrichen wird.
Die Gruppe der Römer reagiert auf das Ereignis mit Aufruhr. Herausragend ist die Figur von Lucius Junius Brutus – oder, einer alternativen Interpretation folgend, von Lucius Tarquinius Collatinus – dargestellt in eine majestätische antike goldene Rüstung gekleidet, mit einem elfenbein crestenden Helm und einem langen roten Mantel. Die Figur vollführt eine teatrale und selbstbewusste Geste, hebt den linken Arm in Richtung der Genossen und der umliegenden Soldaten, als Aufforderung, Vergeltung zu schwören und sich gegen die Tyrannei der Tarquiner zu erheben. Neben ihm sind bewaffnete Figuren zu sehen, einige tragen eine rote Standarte und Schwerter.
Das Gemälde zeigt eine klare stilistische und formale Abhängigkeit von den Modellen des sechzehnts- bzw. klassizistischen Rom-Classicismus, initiiert von Nicolas Poussin und später von seinen direkten und indirekten Anhängern weiterentwickelt. Die Betonung der Moralität der historischen Episode, die Dominanz roter Farbtöne in den Umhängen, der Einsatz eines dramatischen, aber sorgfältig kontrollierten Chiaroscuro sowie das Gleichgewicht der Figuren und der Anatomien führen das Werk der klassizistischen Bildsprachenkultur zu, die zwischen dem 17. und 18. Jahrhundert für die Quadraturen des Adels und der europäischen gebildeten Elite bestimmt war.

Nicolas Poussin wurde am 15. Juni 1594 in Les Andelys in der Normandie geboren. Nachdem er nach Paris zog, bildete er sich zunächst in der Werkstatt des flämischen Malers Ferdinand Elle und später bei Georges Lallemand aus. Während der Pariser Ausbildungsjahre trat er in Kontakt mit der französischen Manierismus-Kultur, insbesondere mit jener der Fontainebleau-Schule, und studierte außerdem die italienische Renaissance-Tradition, wobei er besonders Leonardo da Vinci und Raffaello ins Auge fasste.
Im März 1624, nach einem Aufenthalt in Venedig, erreichte Poussin Rom, wo er sich niederließ und den bedeutendsten Teil seiner Karriere entwickelte. Obwohl er der Karavaggistik nicht beitrat, vertiefte er die venezianische Maltradition des 16. Jahrhunderts, zeigte eine besondere Bewunderung für die Arbeit von Tizian und studierte zugleich Skulptur und antike Kunst sowie die großen Meister der Renaissance.
Im Jahr 1640 wurde Poussin auf Einladung von König Ludwig XIII. nach Paris gerufen und beauftragt, einige wichtige dekorative Unternehmungen am Hof und am Louvre zu überwachen. Nach etwa zwei Jahren kehrte er jedoch nach Rom zurück, wo er den Rest seines Lebens verbrachte.
Trotz gesundheitlicher Probleme, darunter ein Zittern der Hände, das sich in den letzten Jahren zunehmend auf seine Tätigkeit auswirkte, malte Poussin bis in die letzten Lebensjahre hinein. Er starb in Rom am 19. November 1665.

Aus der nahen Beobachtung der künstlerischen Oberfläche lässt sich der Erhaltungszustand des Werks insgesamt als ordentlich bezeichnen, mit Veränderungen, die auf die normalen Alterungsprozesse eines antiken Gemäldes zurückzuführen sind und hypothetisch auf das späte 17. oder frühe 18. Jahrhundert datiert werden könnten.
Es lässt sich eine verbreitete Vergilbung der Schutzlasur feststellen, ein Phänomen, das die ursprüngliche Wahrnehmung der Farbpalette verändert, die Frische der kühleren Töne reduziert und den bräunlichen Anteil der Schatten betont. Diese Veränderung betrifft insbesondere die architektonischen Hintergründe und die dunklen Bereiche der Gewänder und bewirkt einen leichten Verlust an Tiefe und Lesbarkeit der Hell-Dunkel-Verhältnisse.
Auf der gesamten Oberfläche ist zudem ein physiologisches Craquelure sichtbar, fein und scheinbar stabil, zurückzuführen auf natürliche Alterungsprozesse und Spannungen zwischen dem Gewebeuntergrund, den Vorbereitungsflächen und der Malfilmperspektive.
Die gute Lesbarkeit der Halbtöne der Haut und der chromatischen sowie materiellen Details, wie die Blässe der Lucrezia und die goldenen Glanzlichter der Rüstung der vordergründigen Figur, könnte auf das Fehlen besonders aggressiver Reinigungsinterventionen hindeuten. Die Erhaltung der Tonwerte und Lasuren deutet darauf hin, dass die Malfilmperspektive zumindest teilweise ihre ursprüngliche Schichtung bewahrt hat.
Der Keilrahmen könnte im Zuge eines früheren Offenrenovierungs- bzw. Rintelingsauswechslung ersetzt worden sein. Die aktuellen Leinwandmaße betragen 81 × 84 cm.
Das Gemälde wird rahmenlos verkauft, obwohl es durch einen schönen Holzrahmen veredelt wird.

PROVENIENZ: Privatsammlung

PUBLIKATION:
 UNVERÖFFENTLICHTETE QUADRERIA, Allgemeiner Katalog der Gemälde der Intermidiart-Galerie von Andrea Maggio, 2026 (PDF).

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