Italienische Schule (XVII) - The Virgin and Child

Werkstatt/Umkreis von Giovanni Battista Salvi, bekannt als Sassoferrato (Sassoferrato 1609–1685 Rom).

Öl auf Kupfer, Größe der Kupferplatte allein; 29,5 × 22,5 cm
Dieses intime Kabinettsbild gehört der klassizierenden Strömung der italienischen Heiligendarstellung des siebzehnten Jahrhunderts an: ein kleines, hochfertiges Bild, das nicht für ein Hochaltar gemalt wurde, sondern für eine private Andacht, eine Klostenzelle oder die Wand eines kultivierten Haushalts. Die Jungfrau wird halbkörperlich innerhalb eines gemalten Ovals gezeigt, aus dunklem Grund auftauchend. Sie hält das Christuskind an der Brust. Ihr Haar ist offen und fällt über die Schultern; sie trägt keinen Schleier. Eine schlanke Heiligenscheibe folgt der Kontur ihres Kopfes. Sie ist in eine weiße Hemdchenbluse, einen rosafarbenen Ärmel und einen tiefblauen Mantel gekleidet. Das Kind ist weich modelliert, sein Fleisch erhält die glatte, enamikartige Oberfläche, für die Öl auf Kupfer geschätzt wurde. Das Gemälde ist vollständig restauriert und befindet sich in sehr gutem Zustand. Es wird in einem späteren geschnitzten und vergoldeten Holzrahmen präsentiert.

Der Typ gehört untrennbar zur romanisch-bolognesischen Erneuerung Raffaels, die die italienischeAndacht nach dem Konzil von Trient prägte. In den Jahrzehnten um 1600 heraus bildeten Maler in Bologna – zuerst die Carracci, dann Guido Reni (1575–1642) – die Madonna frei von überladener Narration und stellte sie wieder als ideale, fast skulpturale Präsenz dar: perlmuttfarbene Haut, ruhige Draperie, ein Gesicht, das eher zur Kontemplation als zum Theater bestimmt ist. Rennis mariische Bilder, von denen einige selbst auf Kupfer gemalt wurden, wurden zur Schönheitsnorm einer Generation. Malvasia bemerkte schon, dass kein Maler die Jungfrau schöner oder bescheidener dargestellt habe. Diese Bilder wurden kopiert, geätzt und für den privaten Gebrauch reduziert; sie lehrten eine ganze Schule, wie Heiligkeit sowohl menschlich als auch vollkommen aussehen konnte.

Giovanni Battista Salvi, bekannt als Sassoferrato nach seinem Geburtsort in den Marken, verinnerlichte diese Lektion stärker als fast jeder seiner Zeitgenossen. Zunächst vom Vater ausgebildet und dann im Umfeld des Domenichino, ließ er sich in Rom nieder und baute eine Karriere fast vollständig auf kleinen Andachtsdarstellungen der Jungfrau – allein im Gebet oder mit dem Kind – auf. Er betrachtete ständig Raphael und Reni. Er wiederholte erfolgreiche Entwürfe, mit leichten Variationen, weil die Nachfrage konstant war. Federico Zeri bezeichnete ihn später als den großen Maler der katholischen heiliger Kunst vom 16. Jahrhundert an; neuere Forschung spricht von devota bellezza, frommer Schönheit. Seine Werkstatt und sein unmittelbarer Kreis lieferten Rom, die Marken und Sammler in ganz katholischem Europa mit Bildern genau dieser Art: dunkler Grund, Porzellanhaut, Ultramarinmantel, ein Gesicht, das von innen zu leuchten scheint.

Zwei Merkmale des vorliegenden Kupferbildes verankern es fest in dieser Welt. Das erste ist der Untergrund selbst. Seit dem späten 16. Jahrhundert benutzten italienische Maler – die Carracci, Reni, Albani und später Sassoferrato – Kupfer für Kabinettbilder von höchster Ausführung. Das Metall nimmt Öl nicht wie Leinwand auf; Farben bleiben gesättigt; die Oberfläche kann zu einer enamikglatt poliert werden; die Platte ist stabil und tragbar. Solche Werke erscheinen in römischen Beständen der Barberini, Borghese und Doria Pamphilj als Objekte sowohl der Andacht als auch des Luxus. Ein Sassoferrato Magdalenengebet auf Kupfer ähnlicher Größe wurde als Arbeit von besonderer Verfeinerung anerkannt, vermutlich für eine private Kapelle geschaffen. Das zweite Merkmal ist die Ikonographie des Kopfes. Viele römische Madonnen der Epoche tragen ein weißes Schleier. Andere, insbesondere in der klassizierenden Linie von Reni bis Sassoferrato, lassen das Haar frei fallen und kennzeichnen Heiligkeit nur mit einer dünnen Nimbus. Unbedecktes Haar macht die Jungfrau jünger und ideeller; der feine Heiligenschein bewahrt sie als sacred. Diese Wahl ist keine spätere Erfindung. Sie gehört zur italienischen Sprache des Privatdevotion der Siebzehnter Jahre.

Das vorliegende Gemälde sollte nicht als Autographenarbeit von Sassoferrato gelesen werden. Es handelt sich um ein originales Werk aus dem siebzehnten Jahrhundert aus seiner Werkstatt oder seinem unmittelbaren Umkreis: ein Maler, der die Typen des Meisters kannte, der die schwierige Kupferoberfläche handhaben konnte und der eine Variante statt einer mechanischen Replik produzierte. Die ovale Vignette, das ungebundene Haar, der lineare Heiligenschein und die zurückhaltende Farbpalette aus Weiß, Rose und Blau sind die Merkmale dieses Umfelds. In einer Epoche, die Bilder nahe am Beten und schön genug zum Leben mit ihnen haben wollte, war dies der Sinn eines solchen Bildes.

Zustand:
Kürzlich vollständig restauriert; insgesamt in sehr gutem Zustand. Zum Hängen bereit.

Provenienz;
Privatsammlung, Niederlande.