Italienische Schule (XVII) - The Virgin and Child - NO RESERVE

Workshop/Kreis von Giovanni Battista Salvi, genannt Sassoferrato (Sassoferrato 1609–1685 Rom).

Öl auf Kupfer, Größe der Kupferplatte allein; 29,5 × 22,5 cm
Dieses intime Kabinettsbild gehört zu der klassizierenden Strömung der italienischen Heilsskunst des siebzehnten Jahrhunderts: ein kleines, hoch ausgearbeitetes Bild, das nicht für den Hochaltar, sondern für eine private oderatorien, eine Klausel eines Klosters oder die Wand eines kultivierten Haushalts bestimmt war. Die Jungfrau wird halblings in einem gemalten Oval dargestellt, aus einem dunklen Grund hervortretend. Sie hält das Kind gegen die Brust. Ihr Haar ist gelöst und fällt über die Schultern; sie trägt kein Schleier. Eine schlanke Halo folgt der Kontur ihres Kopfes. Sie ist in ein weißes Top, einen rosafarbenen Ärmel und einen tiefblauen Mantel gekleidet. Das Kind ist sanft modelliert, sein Fleisch besitzt die glatte, enamelartige Oberfläche, die Öl auf Kupfer so geschätzt machte. Das Gemälde wurde vollständig restauriert und befindet sich in sehr gutem Zustand. Es wird in einem später geschnitzten und vergoldeten Holzrahmen präsentiert.

Der Typ ist untrennbar mit der römischen und bolognesischen Wiederbelebung Raffaels verbunden, die die italienische Frömmigkeit nach dem Konzil von Trient prägte. In den Jahrzehnten um 1600 herum schälten die Maler in Bologna – zunächst die Carracci, dann Guido Reni (1575–1642) – die Madonna von überladenen Narrationen ab und stellten sie wieder als eine ideale, fast skulpturale Gegenwart dar: perlmuttiges Fleisch, ruhige Draperie, ein Gesicht, das eher zur Kontemplation als zum Theater bestimmt war. Renis Marianische Bilder, von denen einige selbst auf Kupfer gemalt wurden, wurden zum Schönheitsstandard einer Generation. Malvasia bemerkte bereits, dass kein Maler die Jungfrau schöner oder bescheidener dargestellt habe. Diese Bilder wurden kopiert, graviert und für den privaten Gebrauch reduziert; sie brachten eine ganze Schule dazu, Heiligkeit zugleich menschlich und vollkommen erscheinen zu lassen.

Giovanni Battista Salvi, bekannt als Sassoferrato nach seiner Geburtsstadt in den Marken, nahm diese Lektion gründlicher auf als fast alle seine Zeitgenossen. Zuerst von seinem Vater ausgebildet und später im Umfeld des Domenichino arbeitend, ließ er sich in Rom nieder und ließ eine Karriere fast ausschließlich auf kleinen Andachtsdarstellungen der Jungfrau – allein im Gebet oder mit dem Kind – aufbauen. Er blickte ständig zu Raphael und zu Reni. Er wiederholte erfolgreiche Kompositionen mit leichten Variationen, weil die Nachfrage konstant war. Federico Zeri nannte ihn später den großen Maler der katholischen Heilkunst aus dem sechzehnten Jahrhundert an. Neuere Forschung spricht von devota bellezza, frommer Schönheit. Sein Atelier und sein unmittelbarer Umkreis lieferten Rom, die Marken und Sammler in ganz katholischem Europa mit Bildern genau dieser Art: dunkler Grund, Porzellanhaut, Ultramarinmantel, ein Gesicht, das von innen zu strahlen scheint.

Zwei Merkmale des vorliegenden Kupferbildes verankern es fest in dieser Welt. Erstens der Untergrund selbst. Seit dem späten sechzehnten Jahrhundert nutzten italienische Maler – die Carracci, Reni, Albani und später Sassoferrato – Kupfer für Kabinettsbilder von hohem Finish. Das Metall nimmt Öl nicht wie Leinwand auf; Farben bleiben gesättigt; die Oberfläche kann zu einer enameleinen Glätte poliert werden; die Platte ist stabil und transportabel. Solche Werke erscheinen in römischen Inventaren von Barberini, Borghese und Doria Pamphilj als Gegenstände von Frömmigkeit und Luxus. Eine Sassoferrato-Madonna im Gebet auf Kupfer in vergleichbarer Größe ist als Werk von besonderer Feinheit anerkannt worden, wahrscheinlich für eine private Kapelle geschaffen. Das zweite Merkmal ist die Ikonografie des Hauptes. Viele römische Madonnen dieser Periode tragen einen weißen Schleier. Andere, besonders im klassizierenden Stil, der sich von Reni zu Sassoferrato erstreckt, lassen die Haare frei und kennzeichnen Heiligkeit nur mit einer dünnen Nimbus. Offenstehende Haare machen die Jungfrau jünger und idealer; der feine Heiligenscheinkranz bewahrt sie als heilig. Diese Wahl ist keine spätere Erfindung. Sie gehört zur italienischen Sprache der privaten Andacht des siebzehnten Jahrhunderts.

Das vorliegende Gemälde ist nicht als eigenhändige Arbeit von Sassoferrato zu lesen. Es handelt sich um ein original aus dem siebzehnten Jahrhundert aus seinem Werkstattumfeld oder seinem unmittelbaren Kreis: ein Maler, der die Typen des Meisters kannte, der die schwierige Oberfläche des Kupfers zu beherrschen wusste und der eine Variante statt einer mechanischen Replik herstellte. Die ovale Vignette, das ungebundene Haar, die lineare Halo und die zurückhaltende Farbpalette aus Weiß, Rose und Blau sind die Merkmale dieses Ambients. In einer Epoche, die Bilder suchte, vor denen man beten, und schön, mit denen man leben konnte, war dies der Sinn eines solchen Bildes.

Zustand:
Kürzlich vollständig restauriert; insgesamt sehr guter Zustand. Zum Hängen bereit.

Provenienz;
Private Sammlung, Niederlande.