Enzo Pasqui (1920-1998) - Speranza di sereno

Enzo Pasqui ( Forlì 1920 - Forlì 1998 )

"Speranza di sereno "

Olio su masonite

Firma in basso a destra

Sul retro firma dell'autore e titolo

Dimensioni con cornice : 61x81 cm
Tela : 60x80 cm

Enzo Pasqui iniciò prestissimo l'attività di disegnatore, nonostante si fosse diplomato ragioniere. L'inclinazione per l'arte caratterizzò costantemente la sua vita che lo portò, tra le altre vicissitudini, dopo lo scoppio della Seconda guerra mondiale, ad arruolarsi volontario nel corpo dei Bersaglieri.
Dopo la guerra Enzo Pasqui riprese gli studi e si laureò in economia, trovando lavoro presso l'Ufficio del Registro di cui divenne il direttore; Nel contempo, seguendo una naturale propensione per l'arte pittorica e grafica, progettò arredi per negozi, si dedicò alla caricatura, alla pittura e alla grafica pubblicitaria. Fu anche un inventore, come dimostrano la carenatura di una Gilera 125, i cambi multi-rapporti per cicli, un silenziatore per fucile mitragliatore. Pittore di talento, la sua attività artistica si espletò in 83 mostre personali di cui due all'estero, 34 collettive all'estero con 12 premiazioni o segnalazioni, 517 collettive nazionali con 191 premiazioni o segnalazioni, 120 estemporanee, con 66 premiazioni o segnalazioni. Complessivamente furono 754 le manifestazioni a cui partecipò in mezzo secolo di attività artistica e 269 i riconoscimenti ricevuti.
La produzione di Psqui fu principalmente costituita da oli su masonite, numerati e catalogati dallo stesso autore, che in questo modo dimostrò sia in ambito personale sia in quello lavorativo una particolare propensione per la precisione e la conservazione.
La sua produzione è caratterizzata da opere dove le persone, donne o uomini, vengono sempre ritratti di spalle ed è "difficile e stimolante seguire il tema del “volto” nelle opere di Pasqui. Perché spesso non c’è, non appare... i più si ricorderanno figure che guardano nella stessa direzione di chi guarda il quadro, senza pertanto incrociare il suo sguardo. Si vede così solo la nuca, spesso coperta da cappelli o da fazzoletti colorati, rossi. Così come spesso in queste opere non è visibile il volto, non è visibile l’anima che pur esiste trasmettendo l’emozione e il sentimento profondo che l’artista infonde nel proprio lavoro. Se ne coglie la forza che trasmette autenticità e significato. L’anima infatti rappresenta la parte più intima dell’artista: le sue paure, speranze, conflitti, desideri. Inoltre, quando si dice che un’opera “ha un’anima”, si intende che riesce a toccare lo spettatore nel profondo, suscitando ironia, riflessione, commozione o stupore...."

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