Sergio Romiti - Catalogo ragionato dei dipinti - 2019

Sergio Romiti. Geh. Catalogus van Sergio Romiti’s schilderijen (Bo-logna, 1928-2000). 2 delen met in totaal 992 pagina’s, presenteert het gehele verwachte oeuvre van de kunstenaar (1.640 in zwart-wit gereproduceerde schilderijen en 137 werken in kleur). Uitgiftedoos. In goede staat - marginale vouwtjes op de omslag. Veiling zonder reserve!!!!

Sergio Romiti (Bo-logna, 14 april 1928 – Bo-logna, 12 maart 2000) was een Italiaanse schilder. Hij heeft nooit bij een groep gehoord. Hij begon in 1946 te schilderen. Vanaf 1947 nam hij actief deel aan het artistieke leven. Montale noemde hem “gereserveerd tussen duizend.”

Biografie

Hetzelfde onderwerp in detail: Socialistisch realisme.
Al in 1946 wijdt hij zich aan schilderkunst. Zijn entree in het artistieke leven dateert uit 1947, terwijl zijn definitieve artistieke doop in 1948 is wanneer hij exposeert op de Eerste Nationale Tentoonstelling van Hedendaagse Kunst in Bologna. Een belangrijke tentoonstelling omdat alle kunstenaars uit de midden-generatie er aan deelnemen (Birolli, Guttuso, Cassinari, Corpora, Afro, Santomaso, Vedova, Mirko, Fazzini, Minguzzi) en nog belangrijker omdat het dient als aanleiding voor een luidruchtige verantwoording van Togliatti tegen de moderne kunst als een soort kunst die niet overeenkomt met het ideaal van het socialistisch realisme. Na dit oordeel scheiden de kunstenaars zich: wie het nog te redden probeert - zoals Guttuso - en wie het recht claimt - zoals de Forma-groep - om bij de partij ingeschreven te zijn maar toch op een nieuwe manier te uiten. Romiti neemt geen positie in, aangezien hij geen pretenties had noch realistisch noch abstract te zijn, en ook niet bij de partij hoort. Het jaar daarop exposeert hij in de Galleria del Secolo in Rome met Vacchi en Barnabè. In 1954 wint hij een aankoopprijs bij de tweede editie van de Premio Spoleto.

Hij blijft op de voorgrond van het Italiaanse artistieke podium en krijgt in 1960 de zaalpersoonlijke expositie bij de Biënnale van Venetië. Na de jaren ’60 zal hij zijn artistieke pad tot het uiterste doortrekken. Zonder ooit ver van zijn geboortestad te zijn verwijderd, zij het maar kort, en na een teruggetrokken en eenzaam bestaan te hebben geleid, beslist hij op 12 maart 2000 een einde aan zijn leven te maken.

Het Bo-logna van Sergio Romiti
Poetica
Vertrekkend van een zeer persoonlijke neo-picassistische stijl (eerste jaren vijftig), ondervindt Romiti de expressieve en poëtische code van zijn stadsgenoot Giorgio Morandi. In 1954 noemt de kunstcriticus Arcangeli in Paragone onze schilder “improviserend” onder de laatste naturalisten. Een moeilijk te interpreteren schilder kan men hem plaatsen tussen Morandi en het informele of - zoals hij het graag zei - tussen Morandi en Paco Rabanne. Inderdaad gebruikt zijn kunst de metafoor van het object als voorwendsel: het object van observatie wordt in de werken opnieuw voorgesteld, gefilterd door een mentale dimensie die het hoofd boven het startpunt uitsteekt. Het object dat opnieuw wordt voorgesteld is als een distilled en gepresenteerd met een zure geur, die synesthetisch het oplossend geweld op het object laat zien. De aanval die systematisch zal blijken vanaf 1955. Vóór die datum is de mentale en structurele timing van zijn werken al sterk. Daarna raakt de structuur kwijt, wordt de scheiding tussen object en achtergrond minder scherp, wordt de huls van het object breder en wordt het distilleren. De subtractie, naast het object, begint ook betrekking te krijgen op kleuren: van de roodtinten van de slagerijen in 1948-1949, naar de blauwen en groene tinten van keukens met planken, van tafels en later van supperhouses, men bereikt in 1960 het zwart-wit, een coherent doorgevoerd keuze tot 1965, het jaar waarin de chromatische stukken, de velden, vrijwel zwart zijn en de dunne lichtvorkjes - van een zacht grauwe ondertoon - het pad doorbreken van een tunnel waarin de kunstenaar onomkeerbaar is gekomen. Nu is het object weer geabsorbeerd door de achtergrond, van het object is men naar de leegte gegaan, de zachte penseelstreken dragen een lage pH. Het is de reis die tegelijkertijd door Ungaretti en Montale in de literaire sfeer wordt gevoerd, de schrijver, die Romiti’s schilderkunst als “herkenbaar tussen duizend” zal omschrijven. Nu is het tijd dat de kunstenaar stopt met schilderen, misschien omdat hij heeft gedacht dat hij de nulgraad van zijn poëtische pad heeft benaderd. Maar onmachtig om ver weg van schilderkunst te blijven, nadert hij het weer op kleine tenen en probeert hij op sporen door te zetten die al schijnbaar in 1965 waren afgebroken. De belangrijke retrospectieve van 1976 over onze held in Bologna, samengesteld door Maurizio Calvesi. Na die datum, gefrustreerd door het gebrek aan begrip voor werken in de laatste fase van zijn carrière, wordt hij getroffen door een bittere emotionele storm die bewust eindigt in 2000 met zijn leven. In 2006 organiseert de Fondazione Cassa di Risparmio di Bologna een retrospectieve over hem, met ook onuitgegeven werken. In 2008 viert men de 80e verjaardag van de kunstenaar.

Een latere lezing. Vanaf de jaren ’60 zocht Sergio Romiti naar een herwonnen plek in de schilderkunst, die volgens hem werd aangetast door het “perdre pied” (zo door criticus Tapié gedefinieerd) van de dominante kunst van die tijd: het Informeel. Geleidelijk aan bereikte hij een meer imposante “gravitas” zonder ooit in stijl de “lichtheid” - en zelfs die onzekerheid - die hem eigen was, los te laten. De schilderijen van begin jaren ’60 (uiteraard uit de vorige eeuw) tonen meestal een zacht grijs kleur, met accenten van zwart of rood. De openlijke oppositie tegen de informele kunst kostte hem toch het tijdschrift door sommige critici als “tegen de moderniteit” te worden bestempeld. In de loop van het decennium wordt in zijn schilderkunst (die, zo gezegd, een “flowing humility of making”-een trouw aan de traditionele gereedschappen van het schilderen behoudt, en zelfs in klein of middelgroot formaat) een soort wreedheid van de penseel getoond, die een drang tot “beperking” van het Informele demonstreert zonder het figuratieve te omarmen, of een structuur waarbij de vorm bijna geometrisch boven de schilderlaag ligt: de vorm blijft in hem intrinsiek en noodzakelijk voor het hart van de composities, waar men de “remmen” (en de “versnellingen”, en de “crispen”: de “dynamiek” dus) van deze schilderijen kunt waarnemen, die als “zwart” werden geclassificeerd vanwege de kleur die erin overheerst. De bijzondere gelaagdheden en verdampingen, de plotselinge oplichtingen, of de duisternissen van deze schilderkunst zouden ook de complexe bewegingen van de geest kunnen aanduiden, met de vertaling van die innerlijke activiteit waaraan de naam “stroom van bewustzijn” is gegeven. Maar rekening houdend met zijn openbaringen hierover, begreep Romiti destijds vooral dat hij een geweld aanrichtte aan die “as” waarin het leven zijn eigenaardigheid verliest en dreigt te worden, precies, slechts stof, of verdwijning, of as, niet goed samengevat door de kritische/ formele interventie van de kunstenaar, voor die uiteindelijke ineenstorting die de dood is, oftewel voor het voltooien (zo volledig mogelijk) van het talent dat ieder bij de geboorte mee krijgt. En toch verschijnt de “dynamiek” van zijn schilderijen steeds meer als de “andere kant” van een aantrekking die, net als die bijna tegengestelde richting naar het Informele, destructief op het leven kan werken: het kan minstens werken als een andere “discomposerende” experimentatie. Inderdaad, als een van beide impulsen (die, vitaler, beweging, of die “statische” as, as om being) te veel worden, “uit verhouding”, of als slechts de stem van het heden, wees de enige stem verloren: dan zal de achteruitgang van de hedendaagse periode, waarover veel geleerden klagen, overwinnen. In Romiti bestaat echter de behoefte, besproken en vitaal, om de objecten van de “werkelijkheid” opnieuw te vinden (die al “verdwaald” waren in de meer gebruikelijke en herkenbare vormen) die opnieuw “gevoelig voor zijn blik” zijn. Maar in deze jaren lijken enkel schaduw en licht hun plaats te hebben ingenomen. Gedurende het hele decennium ’70 heerst in zijn olieverfschilderijen een soort “absoluteering van het heden”, met wat agressiefs dit met zich meebrengt. In de laatste twee decennia worden we geconfronteerd met een angstig bestaan van zijn leven, tussen licht en donker, waarvan de schilderijen evenwel openen en opnieuw openen, maar minder aangetrokken tot een idee van het bestaan, zogenaamd eenduidig en radicaler “verstoord”. Er is nog steeds de “Odyssee van het object”, en er is - soms versterkt - de “beweging” (met de “trots om het te nemen”!). Er is echter naast enkele overmatige emotie of minder “helderheid” de uitgesproken roep naar een horizon “anders”, metafysisch. In feite is, met de herontdekking van een “geluk van het schilderen”, waar het heden - nooit onontkoombaar - een laboratorium moet worden voor andere tijden van ons leven, nu de dimensie van “het zijn” belangrijker geworden naast die welke, door tegenstrijd, “het worden” genoemd kan worden. Die dimensie wordt beter zichtbaar in de laatste acrylwerken, juist door de aspiratie van de schilder om, zo volledig mogelijk, “de hele realiteit” opnieuw te nemen: underground - en minder verhulde verbeeldingen en infantieler, en geloof in het transcendente, en weer “beweging” en immanentie - inbegrepen.

Bronnen: De kunstcriticus Giovanni Maria Accame heeft onlangs tijdens de Circolo Artistico di Bologna enkele werken van Sergio Romiti gepresenteerd ter gelegenheid van het tiende sterfjaar. De tekst van de voordracht is opgenomen in een cd bij de Galleria del Circolo.

Uit de tekst van G. M. Accame “L'equilibrio minacciato”: “Sergio Romiti en het beeld van de toekomst”, door G. G. R.

Nog steeds bevinden we ons in een fase die zo gezegd auroraal en dilettantisch wordt genoemd in het gebruik van de geschreven taal. Daarom schaam ik me om mezelf als “dichter” op te werpen die samen met zijn woorden bij de schilderijen van haar man Sergio Romiti zou komen. En toch ben ik ertoe gedwongen dit te doen – met weinig voorbeelden van wat ik heb geschreven, en me blootstellend aan beschuldigingen van ijdelheid, of erger – vooral voor wat zich heeft geopenbaard, in onze jaren samen, als een fundamentele en ongebruikelijke ervaring van “relatie”. Noch geef ik op om hiermee verder te gaan voorbij de onmiskenbaar centrale boog (jaren ’60/’70) van de “fragmenten van denken” die door Giovanni M. Accame (alsook door Gisella Vismara) met zo’n scherpzinnigheid en participatie worden overwogen, om door te dringen tot de laatste jaren van Romiti’s activiteit (jaren ’80/’90): jaren en werken die zo men kan zeggen improviserender zijn, maar toch doordrenkt met een creatieve zoektocht die ten diepste ervaren was voordat het ogenschijnlijk verwaarloosd werd, en onlangs onder de aandacht gebracht werd in een tentoonstelling onder curatorschap van Michela Scolaro bij de Fondazione Del Monte in Bologna. Het is juist in die jaren – in de werken die in die periode zijn gevormd – dat voor mij de intuïtie van Accame about de “beweging” die de werken zelf lijkt te doen leven, zich scherpt. En die produceert een fluctuatie, tussen het idee van “dynamisme” en dat van “onbeweeglijkheid” (of tijdloosheid) van het Zijn, en brengt een “narratieve syntaxis” naar voren die niet langer die van de klassieke kunst is (zoals eveneens niet langer aanwezig was in de eerdere werken): men heeft echt het rode draad van het verhaal verloren en alles is geworden “niet-narratief” (zo wordt het door Mario Lavagetto in zijn “Quel Marcel!” gezegd over Proust uitgedrukt). Het “beweging” en de “ononderbrokenheid” in Romiti vinden een correspondentie in de oneindige vertakkingen en transformaties van het Ik in Proust – daarentegen gericht op het bouwen van een niet-onrealistische “permanence”. Ik durf voor Romiti’s schilderkunst een soortgelijke kritiekparameter aan te spreken zoals die van Lavagetto me zo vruchtbaar werd aangereikt, en ook te bevestigen dat zijn terugtrekking in zichzelf en in zijn eigen universum, door iemand verworpen (het is overigens niet noodzakelijk, vooral voor een kunstenaar, om altijd naar zichzelf te luisteren en zelfs van zichzelf te houden), ook in hem plaatsvindt om het andere en de wereld van allen sterker te omarmen (“je qui n'est pas moi” wordt door Lavagetto genoemd voor Proust, evenals “je est un autre” van Rimbaud, genoemd door M. Scolaro voor Romiti). Zijn karakter (evenals, in ieder geval deels, de esthetische atmosfeer van de tijd) bevestigt zich in de sporadische en contingente reflecties die nu de lezer voorgeschoteld worden (naar een soort “lichter taalgebruik” verwezen door Accame) die samen met de grotere uitingen van zijn schilderkunst verwijzen naar het bedreigde evenwicht van de titel. Maar… bedreigd evenwicht, inderdaad; niet verloren. Misschien zelfs bewaard voor een meer consistente benadering van de realiteit: Romiti, zo passend “oscillerend” ten opzichte van de actualiteit (en de klassieke waarden) heeft via zijn kunst een “vaste” toekomstafbeelding doorgegeven, ons nalatend de concrete