Anton Kaestner - #377 - S - " Glass Sea 2 ".

Unik sak, originalmålning av Anton Kaestner, direkt från ateliers.
Min andra måleri på glas, ett glas återvunnen i Marocko 1994.
#377 - S - " Glass Sea 2 ".

Sprutmålad akryl på 3 mm glasplatta.
Denna målning är inte en tryck. Det är ett originallverk "multialagret" vars väldigt glänsande yta, likt när man applicerar resin, är unik.
Genomskinlighet över tryck.

Dimensioner: 8,9 tum x 10 tum x 0,12 tum / 22,5 cm x 25,5 cm x 0,3 cm utan ram.

Denna målning levereras utan ram.
En mycket liten nitfåra finns på baksidan; den hör till verket.
Kvalitetsram av det tyska märket Nielsen i aluminium, referens 34 (incho 0,23 * 1,38 / 0,6 * 3,5 cm) rekommenderas och finns tillgänglig vid sändning mot en extra kostnad av 60€ inkl. moms.

Verket är signerat på baksidan.
Ett äkthetsintyg följer med.
Leveransen är försäkrad.

Anton Kaestner är en schweizisk målare, skulptör och författare baserad i Paris. Verken hans visas överallt i Europa, i Schweiz och i Dubai. Mer information och urval på www.antonkaestner.com.

Nästa separata utställning: Genève 18–28 juni 2026.

Biografi

Född i Genève, Schweiz, växte jag upp omgivet av den naturliga skönheten och kulturella rikedomen i mitt hemland. Kreativitet värderades i min familj, och det var min avlidne farfar, en hantverkare och konstnär, vars inflytande satte fröet till vad som skulle bli min livslånga passion.
År 1993 började jag måla privat, experimenterade med otaliga akryler i A4- och sedan A3-notebooker – jag har alltid känt att stora bilder möter en direkt, dominerande och skrämmande, medan små verk kan inspirera till mycket mer kärlek. Jag drogs först till icke-figurativ målning och abstrakt expressionism.
Med tiden, och även om jag betraktar mig själv som ateist, utvecklade jag en tillgivenhet för andliga material eftersom de resonerade med min utforskning av människans existens och naturens och livets djupare sanningar.

Dock var vägen till verklig konstnärskap inte omedelbar.
I över tre decennier följde jag en internationell affärskarriär som tog mig över hela världen, från USA till Marocko, Belgien, över Asien och Frankrike. Mina resor vidgade mitt perspektiv och exponerade mig för en bred uppsättning kulturella influenser. Överallt där jag gick befann jag mig i lokala konstscener och engagerade mig i den kreativa energin i varje plats.
Trots fokus på min affärskarriär var konst alltid en del av mig, lugnt bubblande under ytan. Nästan 30 år blev målning en form av hemlig meditation för mig – ett sätt att bryta mig loss från världen och fokusera på mitt inre.

Jag har alltid funnit stor tillfredsställelse i måleri. Varje nytt verk är en resa där jag kan testa min kreativitet, utforska nya tekniker och leva igenom verkliga upplevelser. Genom min konst har jag alltid hoppats erbjuda andra ett uppriktigt möte med skönhet, en möjlighet att se världen ur ett annat perspektiv och reflektera över sina egna liv.

År 2023, efter att ha gått i pension från min affärskarriär, engagerade jag mig till fullo i måleri. Jag etablerade min studio i Paris och började ägna mig helt åt min konst. i slutet av 2024 lanserade jag min offentliga konstnärskarriär, och till min förvåning fick mitt arbete snabbt erkännande och fann hem i privata samlingar över hela Europa, särskilt i Tyskland, Portugal, Belgien, Italien och Nederländerna.

I slutet av 2025 flyttade jag till en större studio i ett ledigt sakristiak i Lisieux, Normandie.

Kunstnerisk CV

Min första separatutställning, "Échos", som hölls i Paris i slutet av 2024, visade en särpräglad syn på konst som låg utanför traditionella måleritekniker: Jag målar med akrylfärg, metalliska pigment och sprayer på baksidan av återvunnen extruderad plexiglas (Perspex), en lätt, mjuk, glänsande och ibland känslig yta. Denna process hindrar mig från att se verket när det utvecklas. Jag har ingen visuell återkoppling eller kontroll under processen – något jag välkomnar. Jag tillåter ”slumpmässiga experiment” – allt går för att bryta ner förnuftet! – att styra resultatet, lagren och spegeleffekterna jag skapar, och lämna utrymme för uppenbarelse och upptäckt när stycket äntligen exponeras. Men låt oss vara tydliga: i mina bilder tar inte slumpen besluten; högst är slumpen frågeställaren; meningsfulla ”samband” är endast möjliga med mycket disciplin. Denna metod som ekar fotos process i uppenbarelse/fixering är utmanande och befriande. Värdena i kompositionen berikas av lager och genomskinlighet men ger varje verk en ”asketisk” kvalitet: Jag är glad när jag känner igen ”oreducerbara nödvändigheter”, dvs vad vi sannolikt upptäcker när vi stannar i stillhet och ljus.

Jag håller mitt tillvägagångssätt avsiktligt enkelt. Varken ”känsla” eller ”teoretisk föreställning” utan upplevelsen av att vara. Varken ”snabb konsumtion” eller ”intellektualisering/intellektuell ägande”, utan medvetenhetsutvidgning och utforskning av verkligheten, av dess synliga och osynliga berättelser, min konst är en strävan efter ”livet vid livets hjärta”, efter vad Alain Damasio kallar ”le vif”. Även om nostalgi alltid har varit en del av mitt arbete är mina målningar utan objekt. Likt alla objekt är de objekt i sig själva. Följaktligen har de varken innehåll, mening eller mening; de är som saker, träd, djur, människor eller dagar, vilka också saknar orsak att vara, slut eller syfte. Samtidigt som mitt arbete ibland kan återspegla genomskinlighet och ljus av blyglasmålning kvarstår det praktiskt taget helt abstrakt. Dessutom ger plexiglas målningen en glansig yta där man kan se sin egen silhuett, olik varje ny betraktare. Varje verk fungerar som en diskret spegel: det lever, det förändras, det ser. Ljusets samspel, färg och textur, avsaknaden av delar kräver också empati. Förhoppningsvis kommer samspelet mellan ”detaljer för närbilden” – en detalj av en bild är en helt ny bild – och ”avståndet för helheten” att uppmuntra betraktare att ge sig ut på sina egna introspektiva resor.

Jag hävdar inte att jag har alla svar och vill förbli ödmjuk inför vad som kan uppnås. Enkelt finner jag tillfredsställelse i den kontinuerliga processen av ifrågasättande och tillväxt. Varje ny skapelse är en konfrontation med mina gränser, som tvingar mig att förbättra mina färdigheter och utforska vidare vad jag kan uppnå. Målning för mig är ett dagligt hantverk, en utforskning, ett sätt att väcka meningsfulla samtal, en strävan efter färg så perfekt att den inte behöver oss. Den informella eran har just börjat.

Som Jean Bazaine skulle säga: "Den dagliga praktiken förökar lusten att se."

Om samstämmigheten i min praktik

Inom samtida konst, där koncept och form har lika stor vikt, söker jag skapa arbete definierat inte av framträdande, utan av närvaro. Mina målningar – skimrande färgfält och ljus inom plexiglas – är de tystlåtna resultaten av en lång och medveten undersökning. För mig är det sanna fokuset mindre på den slutliga bilden än på det lugna samspelet av tanke och process som låter den växa fram.

Denna praktik vilar på tre samordnade intentioner.

Den första är en Uppmjukning från påtvingad mening. Genom att beskriva verken som ”utan objekt” och att ha ”varken innehåll, eller mening, eller betydelse”, hoppas jag mjukt lossa förväntningen på berättelse. Det är en inbjudan att kliva undan avkodning och närmare en mer direkt typ av betraktande.

Detta leder till den andra avsikten: Förstaplatsen för upplevd erfarenhet. I den öppna platsen försöker jag lägga vad jag ser som en ”upplevelse av att vara”. Verket blir mindre ett objekt som ska tolkas än en tyst händelse som känns – formad av föränderliga ljus, genomskinliga lager och den bleka spegeln betraktaren möter i sin egen blick. Som jag ofta påpekar, verket ”lever, det förändras, det ser.”

Den tredje är där idé möter hand: Processen som kroppen tänker. Målning på plexiglasets baksida, arbeta utan visuell återkoppling, är en fysisk praktik av att släppa taget. Det är ett medvetet släpp av kontroll i skapandeakten. Jag sätter upp villkor men överlämnar resultatet och låter målningen bli vad jag kallar ett självständigt ” objekt i sig själv ”, helt avslöjat först när det är fullbordat. Det är en tyst parallell till fotografisk utveckling – ett tålmodigt väntande på vad som kommer ”här och nu.”

Att hålla fast vid dessa intentioner är några mjuka paradoxer som håller arbetet vid liv:

Slump och disciplin
Jag talar om “meningsfulla ‘samband’”, men de är endast möjliga inom noggrant avgränsade ramar. Slumpen är en välkommen gäst, men strukturen är byggd med omsorg.

Kommunikation utan budskap
Jag hoppas att “kommunicera något” genom verk jag kallar meningslösa. Kanske är det som delas inte ett påstående, utan ett tillstånd – en textur av ljus, en tyst närvaro, en upplevd stillhet.

Nostalg i nuet
En mjuk nostalgi ligger kvar i verket, men den är nyfiket riktad mot nuet: en längtan efter de ”oreducerbara nödvändigheterna” som finns i ”tystnad och ljus” – en önskan om ren närvaro som verket självt tyst erbjuder.

Ansträngning och ansträngningslöshet
Processen kräver stadig uppmärksamhet, men siktar mot ett resultat som känns självständigt, som om det ”uppkommit av egen kraft.” Jag dras till det som känns helt oundvikligt.
I denna anda har jag kommit att känna att “den informella tidsåldern bara har börjat.” Min praktik är lånad från sinnena i Art Informel, även om den kanske är mindre lidande och mer lugn – en informellhet där slumpen inte är en ruptur, utan en tyst medarbetare.

I sitt centrum är en strävan efter ”le vif” – den levande kärnan. Verket lutar sig mot direkt upplevelse snarare än intellektualisering. Den måttliga skalan jag ofta väljer är menad att uppmuntra närhet, inte spektakel.

I slutänden är detta helt enkelt en konstnärs väg. Min biografi, min process och mina reflektioner är inte separata trådar, utan delar av en enda strävan. Jag har funnit att en praktik som vilar på tyst paradox inte behöver vara bräcklig. Genom disciplin och klarhet kan sådana spänningar bli, tror jag, en källa till motståndskraft.

Anton Kaestner