Ciclo de Arte de Hoy - 5 issues - 1964

Heftchen des Kunstzyklus von heute. Bosh - Llucia - Mensa - Pellsjo - Amelia Riera - Valbuena. 1964. 5 äußerst seltene Heftchen (insgesamt wurden 7 veröffentlicht), von denen jedes Originalwerke der sechs Künstler enthält.
Heft 1: Enthält ein Blatt mit sechs kleinen Originalwerken der sechs Autoren, die alle mit Bleistift signiert sind.
Heft 2: Enthält ein originales Werk von Luis Bosch Cruanas und einen Brief von Bosch vom 8.3.1964.
Quaderno 5: Enthält zwei originale Werke von Owe Pellsjö, signiert mit Bleistift.
Quaderno 6: Enthält ein originales Werk von Amelia Riera.
Quaderno 7: Enthält ein originales Werk von Francisco Valbuena.
Hefte in gutem Zustand mit normalen Altersspuren und leichten Spuren der Zeit oder kleinen Mängeln. Bei Auktion ohne Mindestpreis.


Die Cuadernos del Ciclo de Arte de Hoy waren eine spanische Zeitschrift für moderne Kunst, die in einer äußerst limitierten Auflage veröffentlicht wurde. Sie erschien in Barcelona im Jahr 1964 durch die Künstlergruppe namens Ciclo de Arte de Hoy. Jede Ausgabe enthielt Originalkunstwerke eines bestimmten Künstlers sowie kritische Essays. Die Zeitschrift wurde auf ungebundenen Blättern gedruckt, die von Gráficas El Tinell hergestellt wurden. Die vollständige Sammlung besteht aus 7 Bänden. Sie gilt als ein äußerst seltenes Sammlerstück; einige Quellen geben an, dass nur Band 1 in Bibliotheken wie dem MoMA bekannt ist. Jede Kopie ist einzigartig, da sie Originalkunstwerke eines bestimmten Künstlers enthält. Zu den Namen, die mit diesen Heften assoziiert werden, zählen Persönlichkeiten wie Bosch, Llucia, Mensa, Pellsjö und Amelia Riera. Die Texte, die die Werke begleiten, wurden von bedeutenden Kritikern und Persönlichkeiten der Kunstwelt jener Zeit verfasst, wie Vicente Aguilera Cerni und Carlos Vivo.

Luis Bosch Cruañas (Sant Feliù de Guíxols 1929 – Barcelona 2019). Er begann 1947 autodidaktisch zu malen. Nachdem er den figurativen Stil aufgegeben hatte, widmete er sich dem Zeichnen und arbeitete an geometrischen Kompositionen im abstrakten Trend. Wichtig ist seine Tätigkeit als Kurator, zunächst als Sekretär des Cercle Artístic de Sant Luc, später als Direktor der Fondation Miró und schließlich als Initiator des Wettbewerbs für Zeichnungen «Juan Miró».

1962 gründete er die Gruppe «Ciclo de Arte de Hoy», mit der er die Man (Muestra de Arte Nuevo) organisierte, um die Kunst junger Künstler im Kunstkreis Barcelonas zu verbreiten. 1964 wurde die Gruppe für die bedeutende Gruppenausstellung Abstractos Catalanes in Barcelona ausgewählt, und 1969 für die Ausstellung Tendencia Esencialista, die bei der Dirección General de Bellas Artes organisiert wurde. In den sechziger Jahren wurde seine Malerei materialreicher: Der Künstler prägte den Begriff «neoforma», um seine Kompositionen zu erklären, in denen er Schichten auf die Leinwand aufbringt und natürliche Materialien wie Erde oder Steine verwendet, was seine Produktion an die Poetik der Cretti von Alberto Burri heranrückt.

Joaquim Llucià (Vidreres, Girona, 1929 – Barcelona, 1973) war ein spanischer Künstler, bekannt für seine Arbeit im Bereich der Malerei und des Collage.
Karriere und künstlerischer Stil
Nach einer figurativen Phase widmete sich Llucià im Jahr 1958 der Abstraktion, insbesondere mit einem Werk mit dem Titel Homenatge a Kasimir Malevič. Er verwendete häufig die Collagetechnik, indem er Materialien wie Alufolie oder Messinglamellen integrierte, wobei er stets eine essentielle geometrische Struktur beibehielt, die manchmal mit Minimal Art verglichen wurde. Seine Werke zeichnen sich durch klare Schnitte aus, die die Komposition lenken.
Llucià war ein aktives Mitglied der Gruppe Cercle d'Art d'Avui und förderte verschiedene Aktivitäten, darunter die Miró-Preise, durch den Cercle Artístic de Sant Lluc.

Carlos Mensa (Barcelona, 1936 – 1982) war ein autodidaktischer spanischer Maler, bekannt für seinen figurativen Stil, der Realismus, Expressionismus und Surrealismus zu einer scharfen und ironischen Kritik der zeitgenössischen Gesellschaft verbindet.
Biografie und künstlerischer Werdegang
Ausgebildet während des spanischen Bürgerkriegs, erlebte er eine Exilzeit, die seine Weltanschauung tief prägte. Er begann 1957, Vollzeit zu malen, beeinflusst maßgeblich durch eine Ausstellung von Giorgio de Chirico.
Gruppo Síntesis: Im Jahr 1961 gründete er die Gruppe. Er hatte eine bedeutende Verbindung zu Italien, wo er 1965 seine erste Einzelausstellung hatte. Seine Werke sind heute in bedeutenden Institutionen wie dem Museo Reina Sofía in Madrid und dem MACBA in Barcelona ausgestellt.
Stil und Themen
Seine Malerei inszeniert emblematische Figuren von Macht und Bourgeoisie (Generäle, Prälaten, Toreros, reiche Bourgeois), um deren Heuchelei anzuprangern.
Ästhetik des Surrealismus: Nutze das Absurde und das Groteske, um die Ängste des modernen Menschen, dunkle Wahrheiten und unterdrückte Gewalt zu erforschen.
Technik: Sie zeichnet sich durch eine äußerst hohe technische Fertigkeit aus, mit minutiösen, fast hyperrealistischen Beschreibungen der Motive im Vordergrund, die oft in theatralische oder metaphysische Szenarien eingebettet sind, die durch tiefe Schatten und architektonische Bögen gekennzeichnet sind.
Symbolismus: Die wiederkehrende obsessive Verwendung der Farbe Rot und die Darstellung des 'Sammlers' als Metapher für rücksichtslosen Konsumismus und leeres Ansammeln.

Owe Pellsjö (1937–2011), ein schwedischer Bildhauer und Maler, bekannt für seine Werke in Bronze und abstrakte Kompositionen.
Hier sind die wichtigsten Details zu Ihrer Person:
Biografie: Geboren in Jönköping, Schweden, im Jahr 1937, war er aktiv in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts bis zu seinem Tod im Jahr 2011.
Stil und Werke: Er ist vor allem als Bildhauer bekannt, mit einer Produktion, die sich auf Skulpturen und Reliefs aus Bronze konzentriert, oft gekennzeichnet durch organische oder abstrakte Formen. Er hat auch Ölgemälde auf Leinwand und Papier geschaffen, wobei er landschaftliche Motive und chromatische Kompositionen bevorzugt.
Präsenz in Museen: Seine Werke sind in renommierten Sammlungen vertreten, wie im Moderna Museet in Stockholm und im MACBA (Museum für Zeitgenössische Kunst) in Barcelona.
Kunstmarkt: Seine Bronzeskulpturen, oft signiert und nummeriert, tauchen häufig bei skandinavischen und internationalen Auktionen auf (wie Bukowskis und Auctionet).
Es gibt auch einen zeitgenössischen Künstler, der unter dem Namen Karpüseeler firmiert, dessen echter Nachname Pulejo ist (ähnlich phonetisch), aber Owe Pellsjö bleibt die Hauptreferenz, die mit diesem speziellen Namen in der internationalen Kunstszene verbunden ist.

Amèlia Riera lernte das Malen in der Werkstatt von Francisco Sainz de la Maza in Barcelona, inmitten der grauen Landschaft der 1950er Jahre. Bereits in den 1960er Jahren gehörte sie zur Gründungsgruppe des Cercle Artístic de Sant Lluc, ebenfalls in Barcelona, sowie zum Saló Femení d'Art Actual, der von einem Kollektiv von deutlich rebellischen Malerinnen gefördert wurde, und gründete zusammen mit anderen Künstlerinnen das MAN oder Mostres d'Art Nou. Von diesem Zeitpunkt bis zu ihrem Tod im Jahr 2019 arbeitete Amèlia Riera an dem, was der Kritiker Juan Eduardo Cirlot als 'Grenzmalerei' bezeichnete. Angesichts der damals vorherrschenden informellen Abstraktion entwickelte sie eine einzigartige Sprache und Ikonografie. Eine mysteriöse Welt, die dem Surrealismus nahe steht und stets eine Geschlechterperspektive einnimmt. In diesem Sinne war Amèlia Riera eine Pionierin. Ihre Gemälde zeigen Wesen, die zwischen Mannequin und beweglicher Puppe stehen, mit Ketten, Zäunen oder Vorhängeschlössern, nahe an Sadomasochismus oder Nekrophilie. Ein beunruhigender Erotismus, der eine sehr dunkle, schattige Sprache spricht und eine ausgeprägte materielle Dichte oder Textur aufweist. Die Titel einiger ihrer Serien sind bedeutungsvoll, wie 'Ex-votos', 'Sade', 'Eroticones', 'Elettrotermici' oder 'Vampirismus'.

Amèlia Riera hat an zahlreichen kollektiven Initiativen sowie an Einzelausstellungen in verschiedenen Räumen des Landes teilgenommen, wie dem Saló de maig (1962), dem Palau de la Virreina (1970) und der Galeria Dau al Set (1978) in Barcelona oder dem Palau Solterra (2005) in Torroella de Montgrí. Hervorzuheben ist die Retrospektive, die 1995 im Centro d'Arte Tecla Sala in L'Hospitalet de Llobregat präsentiert wurde. Nach ihrem Tod wurde ihre Arbeit in Ausstellungen wie der im Espai Volart in Barcelona (2010) und im La Virreina Centre de la Imatge in Barcelona (2022) hervorgehoben. Ihre Werke sind in Sammlungen wie der Fundació Vila Casas, dem Museu Nacional d'Art de Catalunya und dem MACBA in Barcelona vertreten.