Agathe Toman - Cloud #3 - 4/15

Dieses Werk gehört zur „PARTAGE COLLECTION“ des Künstlers. Hochglanz Papier für Fine Art. Kunstfotografie mit Körnung. Fotografiert in Hossegor, Frankreich. Sommer 2021. Die Fotografie wird Ihnen gerollt zugesandt, sie ist nicht eingerahmt, und es wird ein Echtheitszertifikat beigefügt, vom Künstler vervollständigt und signiert. Auf Leinwand nummeriert, handschriftlich signiert, vorn und hinten. Agathe Toman ist seit 2021 bei Sotheby’s aufgeführt.

Biografie der Künstlerin:
Geboren 1989, französischer, österreichischer und tschechischer Herkunft, ist Agathe Toman eine französische multidisziplinäre Künstlerin, deren Talent von Malerei über Poesie bis hin zu Skulptur, Zeichnung und Fotografie reicht. Nach Studien an der renommierten Schule der Chambre Syndicale de la Couture Parisienne und Jahren als Stylistin in französischen Haute-Couture-Häusern in Paris, spürte Agathe vor neun Jahren das Bedürfnis, sich ausschließlich auf ihre künstlerische Schöpfung zu konzentrieren.
Heute in den Landes (Les Landes) seit dreizehn Jahren ansässig, etabliert sich Agathe als aufstrebende Figur der zeitgenössischen Kunstszene, geschätzt sowohl national als auch international.

Seit 2021 bei Sotheby’s geführt, wurden ihre Werke dreimal versteigert, was ihren raschen Aufstieg und die Akzeptanz in den Zirkel hochwertiger Kunst unterstreicht. Ihre bemerkenswerten Beiträge zu verschiedenen Galerien, insbesondere zur Art Paris, brachten ihr enormen Erfolg ein und festigten ihre Präsenz in zahlreichen privaten Sammlungen weltweit.

Agathes Palette bevorzugt tiefe Schwarz- und Blautöne, eine dezente Chromatik in Bewegung. Ihre Gemälde verwenden reine Pigmente, Tinte, Ölfarben und Acrylfarben in einer überwältigenden Intensität, die darauf abzielen, Verbindungen zu verborgenen Dingen herzustellen und den Betrachter jenseits des Sichtbaren zu führen. Die Leinwand übt eine Macht aus, die ihren eigenen Erfahrungen widerhallt.
Ihre Zeichnungen, mit dem Bic-Kugelschreiber gefertigt, tragen eine destabilisierende Anziehungskraft in sich. Die Fotografien von Agathe irritieren durch kaleidoskopische Abstraktionen, sie überwältigen uns mit stillen Empfindungen, Erinnerungen an eine perfekte Schwerlosigkeit, die unserem Anfang zugrunde lag.
Hunderte Gedichte rhythmisieren ihr Universum mit einem lyrischen Charakter, der ihr Werk kennzeichnet. Ein erster Gedichtband mit dem Titel „You will have to learn to smile again“ erscheint im Winter 2024.

Über ihre künstlerische Praxis hinaus ist Agathe auch tief in die Studie der Psychoanalyse in der Transaktionsanalyse eingebunden, die sie seit vier Jahren in Paris vertieft. Diese Erkundung bereichert ihren konzeptionellen Prozess und ermöglicht es ihr, sehr tiefe psychologische Dimensionen in ihre Kunst zu integrieren, die von neuen Schichten durchdrungen ist.

Agathe trennt ihre Kunst nicht von ihrem gesellschaftlichen Engagement. Ihr Werk konzentriert sich auf zentrale Themen wie mentale Gesundheit, Umwelt und Bildung. Diese Reflexionsachsen sind nicht nur in ihrer Kunst präsent; sie bilden einen integralen Bestandteil ihrer künstlerischen Identität und Persönlichkeit.

Ihre Arbeit wurde in mehreren renommierten Publikationen anerkannt und gefeiert, darunter Forbes, L’Oeil und Elle, was ihren bemerkenswerten Einfluss im Bereich der zeitgenössischen Kunst markiert.

Agathe Toman fasziniert und inspiriert weltweit ein Publikum und bietet durch ihre Werke ein Fenster zur Komplexität der menschlichen Erfahrung, wie sie sie wahrnimmt und in Kunst verwandelt. Erfahrungen, die sie mit großer Großzügigkeit teilt.

"MEINE VISION:
Meine Arbeit erforscht die tiefen Verbindungen zwischen Psyche und Körper und webt Dialoge zwischen Geist und Materie. Ich frage nach ihren Funktionsweisen in ihrer Umwelt, den Verbindungen, die sie eingehen, und den Vibrationen, sowohl wahrnehmbaren als auch unaussprechlichen, die daraus entstehen.
Ich erkunde Themen wie Identität, Erinnerung, menschliche Natur und das Verhältnis des Individuums zu seiner Umwelt. Meine Werke tragen eine emotionale Tiefe und eine gewisse Spannung in sich, die den Betrachter zu einer introspektiven Reflexion einladen und einen Durchgang zum Unbewussten öffnen.

Ich verankere diesen Willen geradezu in der materiellen Eigenschaft meiner Werke: resolut abstrakt, in Monochromen, nuanciert, dort, wo Dunkelheit mit Klarheit koexistiert, das Blau flackert beim Kontakt mit dem Schwarz oder erleuchtet sich von selbst. Wir befinden uns in der Abwesenheit/Anwesenheit von Licht.
Meine Gemälde, Installationen, Zeichnungen und Fotografien sind jeweils eine absolute Schöpfung, frei von jeglicher Nachahmung, lösen reine Emotionen aus, provozieren das Erwachen des Unsichtbaren; so werden meine Werke zu Spiegeln dieser inneren Aspekte, die nicht offenbart werden.

Eine sorgfältige Verbindung zwischen meinen Händen und den Pigmenten, den Kohlestiften, dem Kuli und den Farben, durch Absetzung der Materie auf Papier oder Leinwand. Meine Ausführungstechniken wiederholen sich nie, ein unkontrolliertes Ergebnis. Eine zunehmende Singularität.
So arbeite ich daran, die Bewegung der Materie, die Dichte des Lichts zu fixieren, daraus meine eigene Wesenheit zu nähren.

Es gibt immer etwas, das man nicht vermutete. Irgendetwas Unerwartetes. Dieses unaussprechliche Intensivierte, subtil angeregt, das uns gefesselt und überwältigt. Wasser, Gravitation, Rinden, diese Allgegenwärtigkeiten metamorphosieren den Beobachter durch ihre Kraft. Das Auftreten einer eindeutig einzigartigen Spur, eine lyrische Abstraktion, meine Werke sind Selbstporträts, Portraits von Teilen von mir.
Ich sage, meine Kreationen seien „Materialisierungen psychischer Zustände“, menschliche Landschaften, Fäden meiner Seele, die andere dazu einladen, darin zu verschmelzen.
Ihr Wert liegt nicht im Ästhetischen, sondern in den Schwingungen, die meine Werke beim Betrachter erzeugen. Es sind zwei Sinnlichkeiten, die sich treffen und nicht mehr zwei voneinander getrennte Identitäten. Es ist ein lebendiger Prozess. Das Werk transzendiert das Sichtbare. Ich betrachte sie als lebendige Wesen, die neue Verbindungen zwischen Uns schaffen, in uns selbst.

Der Betrachter wird seinerseits Schöpfer, erweckt das Werk in einer Alchimie psychischer Resonanzen zum Leben.

Ich strebe einen Weg zu einer neuen Vision von dem Sein, zu sich selbst, zur Welt und zu anderen an.

Wenn der Betrachter sich nun eingeladen fühlt, so stimmen psychische Resonanzen überein und finden in einer gemeinsamen Symphonie zueinander, ein Dialog beginnt sich einzustellen, ein Rhythmus wird fühlbar. Eine Anamorphose seiner Seele zeichnet sich ab, ein unergründliches Spiegelbild. Es ist eine poetische Erfahrung.
Eine intensive und kraftvolle Gegenwart. Eine anspruchsvolle Erfahrung.

Ich möchte, dass meine Werke den menschlichen Geist schärfen, die Seelen schärfen und dass Emotionen dort ein Echo finden, dass Worte dort widerhallen.
Wichtig ist, was das Werk in uns mobilisiert, und das Ergebnis dieses Treffens.

„Psychisches Leiden ist mit allem verbunden, was dem Prozess der Subjektivierung der Symbolisierung entzogen bleibt. Wir leiden unter dem, was psychisch blockiert ist oder darauf wartet, psychisch ins Schriftbild aufgenommen zu werden. Der Mensch leidet nicht nur aufgrund von Ereignissen oder bestimmten Gedanken, sondern weil bestimmte Prozesse in ihm keinen Spiegel, kein Echo, keine Zuhörung und kein Aufnahmegefäß gefunden haben und so umherirrend bleiben.“ René Roussillon - Manuel de psychologie et de psychopathologie de clinique générale, Seite 146.