Anton Kaestner - #365 - S - " Chromatic Cloud MR#6 ".

Unikat, originales Gemälde von Anton Kaestner, direkt aus dem Atelier.
#365 - S - " Chromatic Cloud MR#6 ".

Acrylspray auf 3 mm Plexiglasplatte.
Dieses Gemälde ist keine Druckgrafik. Es handelt sich um ein originales Werk in mehreren Schichten, dessen glänzende, glossy Wirkung nahe der Anwendung von Harz einzigartig ist.

Abmessungen: Zoll 9,1 * 12,6 * 0,12 / 23 * 32 * 0,3 cm ohne Rahmen.

Dieses Gemälde wird gerahmt geliefert.
Rahmen von hoher Qualität der deutschen Marke Nielsen aus Aluminium, Referenz 34 (Zoll 0,23 * 1,38 / 0,6 * 3,5 cm) empfohlen und beim Versand gegen Aufpreis von 70 € inkl. MwSt. erhältlich.

Das Werk ist auf der Rückseite signiert.
Eine Echtheitszertifikat begleitet es.
Der Versand ist durch eine Versicherung gedeckt.

Anton Kaestner ist ein Schweizer Maler, Bildhauer und Autor mit Sitz in Paris. Seine Werke werden in ganz Europa, in der Schweiz und in Dubai ausgestellt. Weitere Informationen und Auswahl unter www.antonkaestner.com.

Nächste Ausstellung – Lausanne Mai 2026.

Biografie

Geboren in Genf, Schweiz, wuchs ich umgeben von der natürlichen Schönheit und kulturellen Vielfalt meines Heimatlandes auf. Kreativität wurde in meiner Familie geschätzt, und es war mein verstorbener Großvater, ein Handwerker und Künstler, dessen Einfluss den Samen dafür legte, was letztlich zu meiner Lebensleidenschaft werden sollte.
1993 begann ich privat zu malen, experimentierte mit unzähligen Acrylfarben in A4- und dann A3-Notizbüchern – ich habe immer das Gefühl gehabt, dass große Bilder einem direkt entgegentreten, dominant und einschüchternd, während kleine Werke viel mehr Liebe inspirieren können. Zunächst zog mich abstrakte Malerei und Abstrakter Expressionismus an.
Im Laufe der Zeit, und obwohl ich mich selbst als Atheisten betrachte, entwickelte ich auch eine Vorliebe für spirituelle Materialien, da sie mit meiner Erforschung der menschlichen Existenz und den tieferen Wahrheiten von Natur und Leben resonierten.

Der Weg, wirklich Künstler zu werden, war jedoch nicht sofort gegeben.
Über drei Jahrzehnte verfolgte ich eine internationale Geschäftskarriere, die mich rund um die Welt führte, von den USA über Marokko, Belgien, durch ganz Asien und Frankreich. Meine Reisen erweiterten meine Perspektiven und brachten mich in Kontakt mit einer Vielzahl kultureller Einflüsse. Wo immer ich auch war, tauchte ich in die lokale Kunstszene ein und spürte die kreative Energie jedes Ortes.
Trotz des Fokus auf meine Geschäftskarriere war Kunst immer ein Teil von mir, still vor sich hin köchelnd. Fast dreißig Jahre lang wurde Malerei zu einer Form stiller Meditation für mich – ein Weg, aus der Welt zu entkommen und mich auf mein innerstes Selbst zu konzentrieren.

Ich habe schon immer große Befriedigung im Malen gefunden. Jedes neue Werk ist eine Reise, auf der ich meine Kreativität testen, neue Techniken erforschen und echte Erfahrungen durchleben kann. Durch meine Kunst habe ich immer gehofft, anderen eine aufrichtige Begegnung mit Schönheit zu ermöglichen, ihnen die Welt aus einer anderen Perspektive zu zeigen und über ihr eigenes Leben nachzudenken.

2023, nach dem Rücktritt aus meiner Geschäftskarriere, habe ich mich dem Malen vollends verschrieben. Ich habe mein Studio in Paris eingerichtet und mich vollständig meiner Kunst gewidmet. Ende 2024 begann ich meine öffentliche künstlerische Karriere, und zu meiner Überraschung gewann meine Arbeit rasch Anerkennung und fand in Privatkollektionen in ganz Europa Heimat, insbesondere in Deutschland, Portugal, Belgien, Italien und den Niederlanden.

Ende 2025 zog ich in ein größeres Studio in einer leerstehenden Sakristei in Lisieux, Normandie.

Künstlerischer Werdegang

Meine erste Einzelausstellung, „Échos“, die Ende 2024 in Paris stattfand, zeigte einen eigenständigen Ansatz in der Kunst fernab herkömmlicher Maltechniken: Ich male mit Acrylfarben, Metallpigmenten und Sprays auf der Rückseite recycelten extrudierten Plexiglases (Perpex), einer leichten, glatten, glänzenden und manchmal bruchgefährdeten Oberfläche. Dieser Prozess verhindert, dass ich das Werk während der Entstehung sehen kann. Während des Entstehungsprozesses habe ich kein visuelles Feedback oder keine Kontrolle – etwas, das ich begrüße. Ich lasse „zufällige Experimente“ – alles geht – zu dem Ausgang, zu den Schichten & Spiegelwirkungen führen, die ich schaffe, und lasse Raum für Offenbarung und Entdeckung, wenn das Stück schließlich ausgestellt wird. Aber klar gesagt: In meinen Bildern entscheidet niemals der Zufall; höchstens stellt der Zufall Fragen; sinnvolle „Zufälle“ sind nur mit viel Disziplin möglich. Dieser Ansatz, der mit dem Offenlegungs-/Fixierungsprozess der Fotografie mitschwingt, ist herausfordernd und befreiend. Die Werte der Komposition werden durch Schichten und Transparenzen bereichert und verleihen jedem Werk eine „asketische“ Qualität: Ich bin glücklich, wenn ich irreduzible Notwendigkeiten erkenne, d. h. das, was wir wahrscheinlich entdecken, wenn wir still und im Licht innehalten.

Ich halte meinen Ansatz absichtlich einfach. Weder „Emotion“ noch „theoretische Konzeption“, sondern Erfahrung des Seins. Weder „schneller Konsum“ noch „Intellektualisierung / intellekter Besitz“, sondern Erweiterung des Bewusstseins und Erforschung der Realität, ihrer sichtbaren und unsichtbaren Geschichten, meine Kunst ist eine Suche nach dem „Leben im Kern des Lebens“, das, was Alain Damasio das „le vif“ nennt. Obwohl Nostalgie immer Teil meiner Arbeit war, sind meine Gemälde ohne Gegenstand. Wie alle Gegenstände sind sie Gegenstände für sich selbst. Folglich haben sie weder Inhalt, noch Bedeutung, noch Sinn; sie sind wie Dinge, Bäume, Tiere, Menschen oder Tage, die ebenfalls weder Grund zu Sein noch Sinn noch Zweck haben. Während meine Arbeit manchmal Transparenz und Leuchtkraft von Buntglas hervorrufen mag, bleibt sie fast vollständig abstrakt. Zudem verleiht Plexiglas dem Gemälde eine schimmernde Haut, hinter der man die eigene Silhouette erblicken kann – bei jedem neuen Betrachter anders. Jedes Werk wirkt wie ein diskreter Spiegel: Es lebt, es verändert sich, es sieht. Das Zusammenspiel von Licht, Farbe und Textur, auch der fehlenden Teile, erfordert nur Empathie. Hoffentlich wird der Reiz des Spiels zwischen „Detailnah“ – ein Detail eines Gemäldes ist ein völlig neues Bild – und „Distanz zum Ganzen“ die Betrachter zu eigenen introspektiven Reisen anregen.

Ich behaupte nicht, alle Antworten zu haben und bleibe demütig gegenüber dem, was erreicht werden kann. Einfach gesagt, finde ich Befriedigung im fortlaufenden Prozess des Fragens und Wachsens. Jedes neue Werk ist eine Auseinandersetzung mit meinen Grenzen, die mich dazu drängt, meine Fähigkeiten zu verfeinern und weiter zu erforschen, was ich schaffen kann. Malerei ist für mich ein tägliches Handwerk, eine Entdeckung, eine Möglichkeit, sinnvolle Gespräche anzustoßen, eine Suche nach einer Farbe, die so perfekt ist, dass sie uns nicht braucht. Das Zeitalter des Informellen hat gerade erst begonnen.

Wie Jean Bazaine sagen würde: „Die tägliche Praxis vervielfacht die Leidenschaft des Sehens.“

Über die Kohärenz in meiner Praxis

Im Landschaftsbild der zeitgenössischen Kunst, wo Konzept und Form gleich viel Gewicht haben, strebe ich danach, Arbeiten zu schaffen, die nicht durch Glanz, sondern durch Präsenz definiert sind. Meine Gemälde – schimmernde Felder aus Farbe und Licht im Plexiglas – sind die leisen Ergebnisse einer langen und bedachten Untersuchung. Für mich liegt der wahre Fokus weniger auf dem Endbild als auf dem stillen Zusammenspiel von Gedanke und Prozess, das es möglich macht, zu entstehen.

Diese Praxis ruht auf drei ausgerichteten Absichten.

Die erste ist ein Rückzug aus auferlegter Bedeutung. Indem ich die Werke als „ohne Objekt“ beschreibe und sie „weder Inhalt, noch Bedeutung, noch Sinn“ haben lasse, hoffe ich, die Erwartung einer narrativen Erklärung behutsam zu lockern. Es ist eine Einladung, sich vom Dekodieren zu lösen und zu einer direkteren Art des Sehens zu finden.

Dies führt zur zweiten Absicht: Die Primärität der gelebten Erfahrung. In diesem offenen Raum versuche ich, das, was ich als „Erlebnis des Seins“ bezeichne, hineinzulegen. Das Werk wird weniger zu einem Objekt, das interpretiert wird, als zu einem stillen Ereignis, das gespürt wird – geformt durch wechselndes Licht, durchscheinende Schichten und das schwache Spiegelbild des Betrachters, der seinem eigenen Blick begegnet. Wie ich oft feststelle: Das Stück „lebt, es verändert sich, es sieht.“

Die dritte ist dort, wo Idee auf Hand trifft: Prozess als verkörperter Gedanke. Malerei auf der Rückseite von Plexiglas, ohne visuelles Feedback zu arbeiten, ist eine körperliche Praxis des Loslassens. Es ist eine bewusste Freisetzung der Kontrolle beim Entstehen. Ich setze Bedingungen, aber gebe das Ergebnis auf und lasse das Gemälde zu dem werden, was ich ein „Objekt für sich selbst“ nenne und nur vollständig sichtbar ist, wenn es fertig ist. Es ist ein stiller Parallelprozess zur fotografischen Entwicklung – geduldiges Warten auf das, was hier und jetzt ankommt.

Diese Absichten werden von einigen sanften Paradoxien getragen, die die Arbeit tragen:

Zufall und Disziplin
Ich spreche von sinnvollen „Koinzidenzen“, aber sie sind nur innerhalb sorgfältiger Grenzen möglich. Zufall ist ein willkommener Gast, doch die Struktur wird mit Sorgfalt aufgebaut.

Kommunikation ohne Botschaft
Ich hoffe, durch Werke, die ich als bedeutungslos bezeichne, etwas zu kommunizieren. Vielleicht ist geteilt wird kein Statement, sondern ein Zustand – eine Textur von Licht, eine stille Gegenwart, eine spürbare Ruhe.

Nostalgie für die Gegenwart
Eine sanfte Nostalgie schwingt in der Arbeit mit, zielt aber merkwürdigerweise auf das Jetzt: eine Sehnsucht nach den „unabdingbaren Notwendigkeiten“, gefunden in „Stille und Licht“ – der Wunsch nach reiner Gegenwart, die die Arbeit selbst still anbietet.

Anstrengung und Mühelosigkeit
Der Prozess erfordert stetige Aufmerksamkeit, zielt aber auf ein Ergebnis ab, das autonom wirkt, als wäre es „aus eigenem Antrieb entstanden“. Ich fühle mich zu dem angezogen, was sich als unvermeidlich anfühlt.
In diesem Geist habe ich das Gefühl entwickelt, dass „das Zeitalter des Informellen gerade erst begonnen hat“. Meine Praxis ist dem Geist des Art Informel verpflichtet, vielleicht mit weniger Schmerz und mehr Ruhe – eine Informalität, in der Zufall kein Bruch, sondern ein stiller Mitgestalter ist.

Im Kern geht es um die Suche nach dem „le vif“ – dem lebendigen Kern. Die Arbeit neigt sich eher zur direkten Erfahrung als zur Intellektualisierung. Die bescheidene Größe, die ich oft wähle, soll Intimität fördern, nicht Spektakel.
Letztlich ist dies einfach der Weg eines einzelnen Künstlers. Meine Biografie, mein Prozess und meine Überlegungen sind keine separaten Fäden, sondern Teile einer einzigen Verfolgung. Ich habe festgestellt, dass eine Praxis, die in stillen Paradoxien verankert ist, nicht zerbrechlich sein muss. Durch Disziplin und Klarheit können solche Spannungen meiner Ansicht nach eine Quelle der Widerstandsfähigkeit werden.

Anton Kaestner