Agathe Toman - CLOUD #7 1/15

Diese Arbeit gehört zur "COLLECTION PARTAGÉE" der Künstlerin.
Fotografie auf Hochglanzpapier Fine Art mit körniger Struktur gedruckt. Fotografiert in Rom, Italien. Frühling 2026

Das Foto wird Ihnen gerollt zugesandt, es wird nicht gerahmt geliefert, und es liegt eine Echtheitszertifikatsurkunde bei, die vom/der Künstler/in ausgefüllt und signiert ist. Das Werk ist nummeriert, handsigniert, vorne und rückseitig. Fine-Art-Digigraphie-Pigmentdruck von höchster Qualität.
Agathe Toman ist seit 2021 bei Sotheby’s gelistet.

Biografie der Künstlerin:
Geboren 1989, französische, österreichische und tschechische Herkunft, ist Agathe Toman eine französische multidisziplinäre Künstlerin, deren Talent sich von Malerei über Poesie bis hin zu Skulptur, Zeichnung und Fotografie erstreckt. Nach Studien an der renommierten École de la Chambre Syndicale de la Couture Parisienne und mehreren Jahren als Stylistin in französischen High-Fashion-Häusern in Paris hat Agathe vor neun Jahren das Bedürfnis verspürt, sich ausschließlich auf ihre künstlerische Schöpfung zu konzentrieren.
Heute in den Landes (Landes) seit dreizehn Jahren ansässig, festigt Agathe sich als aufstrebende Figur der zeitgenössischen Kunstszene, sowohl national als auch international geschätzt.

Seit 2021 bei Sotheby’s notiert, wurden ihre Werke dreimal versteigert, was ihren raschen Aufstieg und ihre Aufnahme in angesehene Kunstkreise belegt. Ihre bemerkenswerten Beiträge zu verschiedenen Galerien, insbesondere auf der Art Paris, haben ihr enormen Erfolg eingebracht und ihre Präsenz in zahlreichen privaten Sammlungen weltweit gefestigt.

Die Palette von Agathe betont tiefe Nuancen von Schwarz und Blau, eine diskrete Chromatik in Bewegung. Ihre Gemälde verwenden reine Pigmente, Tinten, Ölfarben und Acrylfarben von überwältigender Intensität, die darauf abzielen, Verbindungen zu verborgenen Dingen wiederherzustellen und den Betrachter jenseits des Sichtbaren zu führen. Die Leinwand übt eine Kraft aus, die Echo ihrer eigenen Erfahrungen widerhallend.
Ihre Zeichnungen, mit dem Kugelschreiber Bic gefertigt, tragen eine destabilisierende Anziehungskraft in sich.
Agathes Fotografien irritieren durch kaleidoskopische Abstraktionen; sie überwältigen uns mit ruhigen Empfindungen, eine Reminiszenz an eine perfekte Schwerelosigkeit, die unseren Anfang bildete.
Hunderte von Gedichten rhythmisieren ihr Universum mit einem lyrischen Charakter, der ihr Werk prägt. Ein erster Gedichtband mit dem Titel „You will have to learn to smile again“ erscheint im Winter 2024.

Über die künstlerische Praxis hinaus ist Agathe auch zutiefst dem Studium der Psychoanalyse in analytischer Transaktionsanalyse verpflichtet, das sie seit vier Jahren in Paris verfolgt. Diese Erforschung bereichert ihren konzeptionellen Prozess und ermöglicht es ihr, sehr tiefe psychologische Dimensionen in ihre Kunst zu integrieren, die von neuer Materialität geprägt ist.

Agathe trennt Kunst nicht von ihrem gesellschaftlichen Engagement. Sie fokussiert ihr Werk auf zentrale Themen wie mentale Gesundheit, Umwelt und Bildung. Diese Denkansätze sind nicht nur in ihrer Kunst präsent; sie sind integraler Bestandteil ihrer künstlerischen Identität und Persönlichkeit.

Ihr Werk wurde in mehreren renommierten Publikationen anerkannt und gefeiert, darunter Forbes, L’Oeil und Elle, was ihren bemerkenswerten Einfluss im Bereich der zeitgenössischen Kunst markiert.

Agathe Toman fasziniert und inspiriert weiterhin ein globales Publikum und bietet durch ihre Werke ein Fenster zur Komplexität der menschlichen Erfahrung, wie sie sie wahrnimmt und in Kunst verwandelt. Erfahrungen, die sie mit großer Großzügigkeit teilt.

"MEINE VISION:
Meine Arbeit erforscht die tiefen Verbindungen zwischen Psyche und Körper, indem sie Dialoge zwischen Geist und Materie webt. Ich frage nach ihren Funktionsweisen in ihrer Umwelt, den Verbindungen, die sie herstellen, und den Vibrationen, sowohl wahrnehmbaren als auch unaussprechlichen, die daraus entstehen.
Ich erkunde Themen wie Identität, Gedächtnis, Menschsein und die Beziehung des Individuums zu seiner Umwelt. Meine Werke tragen eine emotionale Tiefe und eine bestimmte Spannung in sich, die den Betrachter zu einer introspektiven Reflexion einladen und einen Weg in das Unbewusste eröffnen.

Ich setze diesen Willen in der Materialität meiner Werke um: entschieden abstrakt, monochrom, nuanciert, dort, wo Dunkelheit mit Klarheit koexistiert, das Blau am Kontakt mit dem Schwarz knistert oder allein erleuchtet. Wir befinden uns in der Abwesenheit/Anwesenheit von Licht.
Meine Gemälde, Installationen, Zeichnungen und Fotografien sind jeweils eine absolute Schöpfung, frei von jeglicher Nachahmung, rufen echte Emotionen hervor und lösen das Erwachen des Unsichtbaren aus; meine Werke werden so zu Spiegeln dieser verborgenen inneren Aspekte.

Eine sorgfältige Verbindung meiner Hände mit Pigmenten, Rußstiften, dem Kugelschreiber und den Farben, durch Deposition von Materie auf Papier oder Leinwand. Meine Ausführungstechniken wiederholen sich nie, ein unkontrolliertes Ergebnis. Eine zunehmende Singularität.
Ich arbeite so daran, die Bewegung der Materie festzuhalten, die Dichte des Lichts zu erfassen und ihr etwas von mir einzuhauchen, zum Erwachen eines Ich.

Es gibt immer etwas, das man nicht vermutet hat. Etwas Unerwartetes. Dieses unaussprechliche, intensiv zusammengedrückte, subtil entfachte Etwas, das uns gefesselt und überwältigt. Wasser, Gravitation, Rinde – diese Allgegenwärtigkeiten verwandeln den Beobachter durch ihre Kraft. Das Auftauchen einer eindeutig einzigartigen Spur, eine lyrische Abstraktion, meine Werke sind Selbstporträts, Porträts von Teilen von mir.
Ich sage, meine Kreationen seien „Materialisierungen psychischer Zustände“, menschliche Landschaften, Fäden meiner Seele, die andere dazu einladen, darin zu verschmelzen.
Ihr Wert liegt nicht in der Ästhetik, sondern in den Vibrationen, die meine Werke beim Betrachter erzeugen. Es sind zwei Empfindungen, die sich treffen statt zwei getrennte Identitäten. Es ist ein lebendiger Prozess. Das Werk transzendiert das Unmittelbare. Ich betrachte sie als aktive Wesen, die neue Verbindungen zwischen uns schaffen.

Der Betrachter wird seinerseits zum Schöpfer, indem er dem Werk in einer Alchemie psychischer Resonanzen Leben gibt.

Ich strebe eine Wegführung zu einer neuen Sicht auf das eigene Sein, auf die Welt und auf andere an.

Wenn der Betrachter sich nun einladen lässt, sind es psychische Resonanzen, die sich in einer gemeinsamen Symphonie decken und einstimmen; ein Dialog beginnt sich einzurichten, ein Rhythmus wird spürbar. Eine Anamorphose der eigenen Seele zeichnet sich ab, eine unaussprechliche Reflexion. Es ist eine poetische Erfahrung.
Eine intensive und kraftvolle Gegenwart. Eine anspruchsvolle Erfahrung.

Ich möchte, dass meine Werke den menschlichen Geist schärfen, die Seelen schärfen und dass Emotionen dort ein Echo finden, dass Worte dort widerhallen.
Wichtig ist, was das Werk in uns bewegt und das Ergebnis dieses Treffens.

„Psychischer Schmerz ist mit allem verbunden, was dem Prozess der subjektiven Symbolisierung entzogen bleibt. Wir leiden an dem, was psychisch blockiert ist oder darauf wartet, psychisch registriert zu werden. Der Mensch leidet nicht nur wegen Ereignissen oder bestimmter Gedanken, sondern weil bestimmte Prozesse in ihm keinen Spiegel, kein Echo, kein Ohr und kein Aufnahmegefäß gefunden haben und so ins Umherirren geraten.“ René Roussillon - Manual de psychologie et de psychopathologie de clinique générale, Seite 146.