Agathe Toman - CLOUD #8 1/15

Dieses Werk gehört zur "COLLECTION PARTAGÉE" der Künstlerin.
Auf Fotopapier für Fine-Art-Glanzdruck mit körniger Textur. Fotografiert in Seignosse – Étang Blanc, Frankreich. Frühling 2026
Das Foto wird Ihnen gerollt zugesandt; es ist nicht gerahmt, und es wird ein Echtheitszertifikat beiliegen, ausgefüllt und vom Künstler signiert. Werk nummeriert, von Hand signiert, Vorder- und Rückseite. Fine-Art-Pigment-Digigraphie in höchster Qualität.
Agathe Toman ist seit 2021 bei Sotheby’s gelistet.

Biografie der Künstlerin:
Geboren 1989, französischer, österreichischer und tschechischer Herkunft, ist Agathe Toman eine französische multidisziplinäre Künstlerin, deren Talent sich von Malerei über Poesie bis hin zu Skulptur, Zeichnung und Fotografie erstreckt. Nach Studierenden an der angesehenen École de la Chambre Syndicale de la Couture Parisienne und Jahren als Stylistin in Pariser Haute-Couture-Häusern entschied Agathe vor neun Jahren, sich ausschließlich auf ihr künstlerisches Schaffen zu konzentrieren.
In den Landesregionalen seit dreizehn Jahren ansässig, zeichnet sich Agathe heute als aufstrebende Figur der zeitgenössischen Kunstszene aus, sowohl national als auch international geschätzt.

Seit 2021 bei Sotheby’s geführt, wurden ihre Werke dreimal versteigert, was ihren rapiden Aufstieg und ihre Akzeptanz in den Kreisen der renommierten Kunstwelt bezeugt. Ihre bemerkenswerten Beiträge zu verschiedenen Ausstellungen, insbesondere Art Paris, brachten ihr großen Erfolg ein und festigten ihre Präsenz in privaten Sammlungen weltweit.

Ihre Farbpalette bevorzugt tiefe Schwarztöne und Blautöne, eine dezente Chromatik in Bewegung. Ihre Gemälde nutzen reine Pigmente, Tinten, Ölfarben und Acrylfarben in einer überwältigenden Intensität, die darauf abzielt, Verborgenes mit den Augen zu verbinden und den Betrachter aus dem Sichtbaren herauszuführen. Die Leinwand entfaltet eine Macht, die Echo ihrer eigenen Erfahrungen zulässt.
Ihre Zeichnungen, mit dem Kugelschreiber Bic gefertigt, tragen eine verstörend anziehende Kraft in sich.
Die Fotografien von Agathe irritieren durch kaleidoskopische Abstraktionen; sie überwältigen uns mit ruhigen Empfindungen, einer Erinnerung an perfekte Schwerelosigkeit, die unserem Anfang entsprang.
Hunderte von Gedichten rhythmisieren ihr Universum mit einem lyrischen Stil, der ihr Werk charakterisiert. Ein erster Sammelband mit dem Titel „You will have to learn to smile again“ erschien im Winter 2024.

Über ihr künstlerisches Schaffen hinaus ist Agathe auch tief in das Studium der Psychoanalyse in der Transaktionsanalyse eingebunden, das sie seit vier Jahren in Paris verfolgt. Diese Auseinandersetzung bereichert ihren konzeptuellen Prozess und ermöglicht es ihr, sehr tiefe psychologische Dimensionen in ihre Kunst einfließen zu lassen, die sich von neuen Schichten durchdringen.

Agathe trennt ihre Kunst nicht von ihren gesellschaftlichen Engagements. Sie fokussiert ihr Werk auf zentrale Themen wie mentale Gesundheit, Umwelt und Bildung. Diese Denkanstöße finden sich nicht nur in ihrer Kunst; sie sind integraler Bestandteil ihrer künstlerischen Identität und Persönlichkeit.

Ihre Arbeit wurde in mehreren namhaften Publikationen anerkannt und gefeiert, darunter Forbes, L’Oeil und Elle, wodurch sie eine bedeutende Wirkung im Bereich der zeitgenössischen Kunst hinterließ.

Agathe Toman fasziniert und inspiriert weiterhin ein weltweites Publikum und bietet durch ihre Werke ein Fenster in die Komplexität der menschlichen Erfahrung, so wie sie sie wahrnimmt und in Kunst verwandelt. Erfahrungen, die sie mit großer Großzügigkeit teilt.

"MEINE VISION:
Meine Arbeit erforscht die tiefen Verbindungen zwischen Psyche und Körper, webt Dialoge zwischen Geist und Materie. Ich frage nach ihren Funktionsweisen in ihrer Umwelt, nach den Verbindungen, die sie herstellen, und nach den Vibrationen, die sowohl wahrnehmbar als auch unaussprechlich sind und daraus entstehen.
Ich erkunde Themen wie Identität, Erinnerung, die menschliche Natur und das Verhältnis des Individuums zu seiner Umwelt. Meine Werke tragen eine tiefe emotionale Substanz und eine gewisse Spannung in sich, die den Betrachter zu einer introspektiven Reflexion einladen und einen Weg ins Unbewusste öffnen.

Ich verankere diesen Wunsch in der Materialität meiner Werke: resolut abstrakt, in Monochromen, nuanciert, dort, wo Dunkelheit mit Klarheit koexistiert, das Blau knistert im Kontakt mit Schwarz oder leuchtet von selbst auf. Wir befinden uns im Zustand von Abwesenheit/Anwesenheit des Lichts.
Meine Malereien, Installationen, Zeichnungen und Fotografien sind jeweils eine absolute Schöpfung, frei von Nachahmung, die reine Emotionen hervorruft und das Erwachen des Unsichtbaren provoziert; meine Werke werden so zu Spiegeln dieser inneren, nicht enthüllten Aspekte.

Eine sorgfältige Übereinstimmung zwischen meinen Händen und den Pigmenten, Kohle, dem Kugelschreiber und den Farben, durch das Ablagern von Materie auf Papier oder Leinwand. Meine Ausführungstechniken wiederholen sich niemals, ein unkontrolliertes Ergebnis. Eine zunehmende Einzigartigkeit.
So arbeite ich daran, die Bewegung der Materie festzuhalten, die Dichte des Lichts zu erfüllen und etwas von mir hineinzugeben, um ein Erwachen eines Selbst zu bewirken.

Es gibt immer etwas, das man nicht ahnte. Etwas Unerwartetes. Diese unaussprechlich intensiven, stark angereicherten, subtil angeregten Empfindungen, die uns beherrschen und überwältigen. Wasser, Gravitation, Rinde – diese Allgegenwärtigkeiten metamorphosieren den Beobachter durch ihre Kraft. Die Entstehung einer eindeutig einzigartigen Spur, einer lyrischen Abstraktion; meine Werke sind Selbstporträts, Porträts von Teilen meines Ich.
Ich sage, meine Kreationen seien „Materalisierungen psychischer Zustände“, menschliche Landschaften, Fäden meiner Seele, die andere dazu einladen, darin zu verschmelzen.
Ihr Wert liegt nicht in der Ästhetik, sondern in den Vibrationen, die meine Werke beim Betrachter erzeugen. Es sind zwei Empfindungen, die aufeinandertreffen, nicht mehr zwei getrennte Individualitäten. Es ist ein lebendiger Prozess. Das Werk transzendiert das Alltägliche. Ich betrachte sie als aktive Wesen, die neue Verbindungen zwischen Uns und Uns schaffen.

Der Betrachter wird seinerseits zum Schöpfer, erweckt das Werk durch eine Alchemie psychischer Resonanzen zum Leben.

Ich beginne einen Weg zu einer neuen Sicht auf das Selbst, auf die Welt und die Anderen.

Wenn der Betrachter sich jetzt einladen lässt, stimmen psychische Resonanzen überein und vereinigen sich in einer gemeinsamen Symphonie; ein Dialog beginnt sich einzustellen, ein Rhythmus wird spürbar. Eine Anamorphose ihrer Seele zeichnet sich ab, ein unaussprechliches Spiegelbild. Es ist eine poetische Erfahrung.
Eine intensive und kraftvolle Präsenz. Eine anspruchsvolle Erfahrung.

Ich möchte, dass meine Werke den menschlichen Geist verfeinern, die Seelen schärfen und dass Emotionen dort ein Echo finden, dass Worte dort widerhallen.
Wichtig ist, was das Werk in uns mobilisiert und das Ergebnis dieses Treffens.

„Psychischer Schmerz ist mit allem verbunden, was dem Prozess der Subjektivierung durch Symbolisierung entzogen bleibt. Wir leiden an dem, was psychisch blockiert ist oder darauf wartet, psychisch inschriftlich zu werden. Der Mensch leidet nicht nur wegen Ereignissen oder bestimmten Gedanken, sondern weil bestimmte Prozesse in ihm keinen Spiegel, kein Echo, keine Zuhörung finden und somit in der Irre bleiben.“ René Roussillon - Manuel de psychologie et de psychopathologie de clinique générale, Seite 146.