Volker Rossenbach - Birdland-Gambit

Der Narrativismus von Volker Rossenbach, zwischen kunsthistorischen Bezügen und einer Neigung zur interdisziplinären Ausdrucksweise

Es gibt Lebenswege und Haltungen einiger Vertreter der zeitgenössischen Kunst, die zu der Erkenntnis führen, dass der figurative Ansatz nicht zwangsläufig von dem literarischen, philosophischen, historischen und soziologischen Ansatz getrennt werden muss, sodass sich diese vereinen können, um gerade aufgrund ihrer Unbestimmtheit hinsichtlich der Einordnung in einen einzigen Bereich eine ungewöhnliche Perspektive zu bieten. Nicht nur das: Es gibt Künstler, die zudem das absolut zeitgenössische Bedürfnis hinzufügen, sich mit weniger traditionellen, weniger orthodoxen Mitteln zu messen – wenn man sie so bezeichnen will –, die sich daher deutlich vom daraus resultierenden malerischen Stil unterscheiden und dennoch unglaublich harmonisch sind und in einer mittlerweile unverzichtbaren Modernität verortet sind. Der Protagonist von heute ist all dies und noch viel mehr, denn er schöpft aus seinem tiefen Wissen über Kunstgeschichte und Literatur und vermischt beides, wobei er die Intuitionen und Theorien der Avantgardisten des 20. Jahrhunderts aufnimmt.

In den ersten Jahrzehnten des 20. Jahrhunderts musste die Kulturgesellschaft widerwillig miterleben, wie alle Überzeugungen, der Gewissheiten und Regeln, die die bisherige Kunst geprägt hatten, als eine Bewegung namens Dadaismus, die in der Schweiz entstand, sich dann aber auf andere europäische Länder ausweitete, begann, eine entweihende, sarkastische und polemische Haltung gegenüber dem Kunstsystem jener Zeit einzunehmen. Abgesehen von der daraus resultierenden visuellen Darstellung, die auf der ironischen Umwandlung jedes beliebigen Objekts in ein Kunstwerk beruhte, war das Innovative die Einführung oder vielmehr die Verbindung anderer Disziplinen in das Experimentieren, das Autoren wie Tristan Tzara, Hans Arp und Marcel Duchamp als entscheidend für die gesamte Bewegung betrachteten. Theater, Fotografie, Collage und Fotomontage waren die Synergien, die von den Dadaisten vorweggenommen und später vom Bauhaus, der großen und revolutionären Schule für angewandte Kunst der Weimarer Republik, in Deutschland, die sich nicht darauf beschränkte, die Intuitionen ihrer Vorgänger der Schweizer Strömung zu nutzen, sondern sich entschied, auch viele andere Techniken einzuführen, die sich mit der Kunst verbinden ließen, wie es eine andere, kurz zuvor entstandene grundlegende Bewegung, die der Arts and Crafts, bereits vorweggenommen hatte. Da sich die Zeiten gewandelt hatten und die Gesellschaft einen tiefgreifenden Wandel durchlaufen hatte, wurde es für den Schulleiter Walter Gropius notwendig, Fächer wie Architektur, Theater, Grafik, Werbung, Weberei, Metallverarbeitung und viele andere Disziplinen in den Lehrplan aufzunehmen, die zwar als handwerklich galten, aber in vollkommener Harmonie mit der Kunst in ihrem höchsten und umfassendsten Sinne standen. Obwohl sich das Bauhaus formal am De Stijl orientierte, unterstrich sein Weg die Bedeutung der Verschmelzung verschiedener Ausdrucksformen, durch die es möglich war, jene Innovationen zu verbinden und einzuführen, die im Laufe der Jahre und vor allem nach dem Ende des Zweiten Weltkriegs Fuß zu fassen begannen. Eine davon war die Computerkunst, geschaffen von einem Mathematiker und einem Philosophen, Ben Laposki und Manfred Frank, die mithilfe von Oszilloskopen Lichtwellen nutzten, um unbestimmte und abstrakte künstlerische Linien zu erzeugen; Diese Experimente waren nur der Anfang einer digitalen Kunst, die zunächst behindert und als minderwertiges Ausdrucksmittel betrachtet wurde, da sie für jedermann zugänglich war. Heute hat sie sich jedoch perfektioniert und erfordert besondere handwerkliche Fähigkeiten. Sie findet zahlreiche Anwendungsbereiche, von der Kunst über die Grafik und Werbung bis hin zu multimedialen Installationen, insbesondere für jene Künstler, die gerne experimentieren und verschiedene Techniken miteinander verschmelzen, und hat sich damit einen Platz an der Spitze der zeitgenössischen Kunstwelt verdient. Der deutsche Künstler Volker Rossenbach hat einen beruflichen Werdegang durchlaufen, der ihn stets mit Innovationen in Berührung brachte, aber auch mit seiner geistigen und kulturellen Lebendigkeit, dank derer er sich nicht nur mit der Kunst, sondern auch mit Literatur und Geschichte auseinandergesetzt hat – Bereiche, die stets mit einer klassischen, fast renaissanceartigen Bildsprache verflochten sind, die sich jedoch der Digitaltechnik bedient. Die unendlichen Möglichkeiten, die die digitale Kunst mittlerweile bietet, und das Bedürfnis nach einer Rückkehr zu einer klassischen und traditionellen Ästhetik – also gewissermaßen im Gegensatz zu den Anfängen ihrer praktischen Anwendung – prägen seinen visuellen Stil, der durch eine Verschmelzung von Zeichnungen und Fotos entsteht, die mit Filtern und Strukturen angereichert, anschließend gescannt und mit Photoshop und Illustrator zu einem Bild zusammengesetzt werden; auf das er dann manuell mit Acrylfarben, Filzstiften und Kreide einwirkt, um dem Werk sein endgültiges Aussehen zu verleihen. Seine jüngsten Arbeiten sind von Motiven aus der internationalen Literatur mit starkem erzählerischem Charakter inspiriert, die er mit Zitaten und Verweisen auf Meisterwerke der Kunstgeschichte vermischt, wobei seine ironische Sichtweise und seine Interpretation, die mit Reflexionen über aktuelle Themen verbunden ist, nicht fehlen. Es scheint fast so, als wolle Volker Rossenbach betonen, dass die Vergangenheit trotz äußerlicher Unterschiede letztlich gar nicht so weit von der Gegenwart entfernt ist. Dies ist vielleicht die tiefere Bedeutung der Bezeichnung, die er für seine Kunst gewählt hat, für seinen malerischen Ansatz, der sich aus der aktuellsten Mischtechnik zusammensetzt, nämlich dem des Narrativismus, in dem die im Laufe der Jahre studierte künstlerische Tradition zum Interpreten von Bezügen zu philosophisch-narrativen Gedanken von Autoren aus aller Welt wird, sofern diese mit dem Moment der Ausführung im Einklang stehen und zugleich auf die soziologische und persönliche Beobachtung einer Welt zurückzuführen sind, die zu schnell zu laufen scheint, um innehalten zu können, um die Schönheit des Genießens des einzelnen Augenblicks zu betrachten. Genau dieser Gedankengang zieht sich durch das Werk „Mystwelt“ (Selbstporträt auf der Insel Myst), in dem Volker Rossenbach sich selbst mit dem Rücken zur Kamera in einer Szenerie positioniert, die dem berühmten Werk des deutschen Romantikers Caspar David Friedrich mit dem Titel „Wanderer über dem Nebelmeer“ ähnelt; Anders als beim Künstler des 19. Jahrhunderts ist das Werk hier jedoch mit metaphysischen Details angereichert, die symbolisieren, dass alles, auch wenn es klar sichtbar und nicht vom Nebelschleier umhüllt ist, dennoch ein unerklärliches Geheimnis darstellen kann, es sei denn, man hat die Geduld und den Willen, innezuhalten und tiefer als die oberflächliche Wahrnehmung zu blicken. Die Jacke erinnert an die Überlagerungen von Leere und Fülle in den surrealistischen Visionen von René Magritte, während unten rechts eine der Figuren von Giorgio De Chirico zu erkennen ist; das Werk stellt im Grunde genommen eine Synthese des Lebens von Volker Rossenbach dar, eine lange Reise durch die Kunstgeschichte und die fesselndsten literarischen Werke, aus der die Botschaft von Antoine de Saint-Exupéry in „Der kleine Prinz“ hervorgeht, nämlich dass das Wesentliche für die Augen unsichtbar ist. In dem Werk „Der Wald der magischen Wesen“ verbindet er die farbenprächtige Schönheit der Natur mit der Anwesenheit tropischer Tiere wie dem Papagei, Tukanen und Chamäleons, und rückt dabei das Bild einer Malerin in den Mittelpunkt, die aufgrund ihrer Fähigkeit, mit dem Schmerz zu leben, aber auch, weil sie die Kunstgeschichte des 20. Jahrhunderts nachhaltig geprägt hat, als fast übernatürliche Heldin gilt – ich spreche natürlich von Frida Kahlo. Neben ihr, in einer futuristischen Welt, fügt der Autor eine Art humanoide Frau ein, eine Projektion dessen, wie der Mensch von morgen in einem Kontext aussehen könnte, in dem die Lebendigkeit der Natur vielleicht aufgrund der mangelnden Achtung des heutigen Menschen vor ihr abgeschwächt wird. Die Magie, auf die sich der Titel bezieht, durchquert somit die Zeit, hebt Grenzen auf und ermöglicht eine übergreifende Sichtweise, die zu einer Mahnung werden kann, der Zukunft mehr Aufmerksamkeit zu schenken und dabei stets die Harmonie und Vitalität der Vergangenheit im Blick zu behalten. „Siddharta“ hat hingegen eine doppelte Bedeutung, denn einerseits stellt es eine visuelle Synthese von Volker Rossenbach des Meisterwerks von Hermann Hesse dar, auf das sich der Titel bezieht, und andererseits ist es Ausdruck seiner tieferen Bedeutung, für die der kleine Roman zur Zeit seiner Veröffentlichung berühmt wurde, nämlich die Suche nach sich selbst, die Sehnsucht, sich selbst zu finden, der Stolz des Individuums gegenüber der Welt und der Geschichte, in einer Zeit unmittelbar nach dem Zweiten Weltkrieg, in der jede Gewissheit und jeder Bezugspunkt aufgrund der Gräueltaten der Nazis verloren gegangen waren. In dem Werk kommt die gesamte mystische und orientalische Atmosphäre zum Ausdruck, die den Roman auszeichnet, ebenso wie die Symbolik der Freiheit und der Bezug zur wahren, höchsten und spirituellen Essenz, auf der Siddharthas Erkenntnis und Fähigkeit zur Selbstanalyse beruhten; Der mystische Aspekt der Figur im Zentrum des Gemäldes wird durch die Verwendung lebhafter, satter Farben noch eindrucksvoller, was auf die Hippie-Philosophie zurückzuführen ist, aufgrund derer das Buch oft als Symbol für die Werte einer Bewegung angesehen wurde, die die Welt verändert hat. Volker Rossenbach schloss 1969 sein Studium im Bereich Grafikdesign ab und gründete, nachdem er als Art Director und Creative Director für internationale Agenturen wie Leo Burnett oder Grey gearbeitet hatte, seine eigene Agentur, die E/B/D in Düsseldorf und seine Werke, darunter die große Coca-Cola-Kampagne von 1976 bis 1978, wurden mehrfach ausgezeichnet. Von den eher experimentell geprägten Arbeiten seiner frühen Schaffensjahre ist er nun zu einer figurativeren und traditionelleren Sichtweise gelangt, wobei er jedoch stets seine Neigung beibehalten hat, innovative und unkonventionelle Ausdrucksmittel einzusetzen und zu vermischen; er kann auf die Teilnahme an Gruppen- und Einzelausstellungen in Deutschland zurückblicken.

Text: Marta Lock, Italien. Kunsthistorikerin und Kuratorin.

Dieses Werk, Birdland-Gambit, ist aus der Reihe meiner Porträts mit einem Vogel. Die Darstellung basiert auf einer Zeichnung von einem lebenden Modell. Umfasst ist das Gemälde von Holzrahmen aus Eiche.

Meine Bilder befinden sich in folgenden Ländern: USA (New York, Phoenix, Miami, Springfield, Santa Barbara), Kanada (Montreal), Singapur, Taipeh, Finland, Italien, Frankreich, Dänemark, Belgien, Niederlande, Ungarn, Polen, Rumänien, Österreich, Luxemburg und an vielen Orte in Deutschland.

Ausstellungen National und International.
Weitere Informationen unter rossenbachart im Netz