Agathe Toman - CLOUD #2 14/15

Dieses Werk gehört zur „COLLECTION PARTAGÉE“ des Künstlers.
Fotografie gedruckt auf hochwertigem glanzpapier mit körnung. Abgelichtet in Hossegor, Frankreich. Sommer 2021.
Das Foto wird zu Ihnen gerollt versandt, nicht eingerahmt, und es wird ein Echtheitszertifikat beigefügt, ausgefüllt und von der Künstlerin signiert. Auflage, handsigniert, vorne und hinten. Hochwertiger Digigraphie-Druck in Pigmenttinte aus der Fine-Art-Serie.
Agathe Toman ist seit 2021 bei Sotheby’s gelistet.

Biografie der Künstlerin:
Sie wurde 1989 geboren, französischer, österreichischer und tschechischer Abstammung, Agathe Toman ist eine französische vielseitige Künstlerin, deren Talent von Malerei über Poesie bis hin zu Skulptur, Zeichnung und Fotografie reicht. Nach dem Studium an der renommierten École de la Chambre Syndicale de la Couture Parisienne und mehreren Jahren als Stylistin in französischen Haute-Couture-Häusern in Paris, vor neun Jahren, verspürte Agathe den Drang, sich ausschließlich ihrer künstlerischen Schöpfung zu widmen.
Heute in den Landes (Les Landes) ansässig seit dreizehn Jahren, festigt sich Agathe als aufkommende Figur der zeitgenössischen Kunstszene, sowohl national als auch international geschätzt.

Seit 2021 bei Sotheby’s notiert, wurden ihre Werke dreimal versteigert, was ihren schnellen Aufstieg und die Anerkennung in renommierten Kunstkreisen bezeugt. Ihre beachtlichen Beiträge zu diversen Ausstellungen, insbesondere auf der Art Paris, führten zu großem Erfolg und festigten ihre Präsenz in zahlreichen privaten Sammlungen weltweit.

Agathes Palette bevorzugt tiefe Schwarztöne und Blau, ein dezentes Chromatismus in Bewegung. Ihre Gemälde verwenden reine Pigmente, Tinten, Ölfarben und Acrylfarben in erstaunlicher Intensität, die bestrebt sind, Verborgenes wiederzubeleben, und den Betrachter aus dem Sichtbaren zu führen. Die Leinwand übt eine Kraft aus, die den Echo ihrer eigenen Erfahrungen freisetzt.
Ihre Zeichnungen, mit dem Kugelschreiber Bic erstellt, tragen eine destabilisierende Anziehungskraft in sich.
Agathes Fotografien verwirren durch kaleidoskopische Abstraktionen; sie überfluten uns mit ruhigen Empfindungen, Erinnerungen an eine perfekte Schwerelosigkeit, die unser Ursprung war.
Hunderte von Gedichten rhythmen ihren Kosmos mit einem lyrischen Ton, der ihre Arbeit kennzeichnet. Ein erster Gedichtband mit dem Titel „You will have to learn to smile again“ erscheint im Winter 2024.

Über ihre künstlerische Praxis hinaus engagiert sich Agathe auch stark in der psychoanalytischen Transaktionsanalyse, die sie seit vier Jahren in Paris studiert. Diese Erkundung bereichert ihren konzeptionellen Prozess und ermöglicht es ihr, tiefgreifende psychologische Dimensionen in ihre Kunst zu integrieren, die in neue Schichten von Bedeutung eindringen.
Agathe trennt Kunst auch nicht von ihrem sozialen Engagement. Sie konzentriert sich in ihrer Arbeit auf zentrale Themen wie geistige Gesundheit, Umwelt und Bildung. Diese Reflexionsachsen sind nicht nur in ihrer Kunst präsent; sie sind ein integraler Bestandteil ihrer künstlerischen Identität und Persönlichkeit.

Ihr Werk wurde in mehreren angesehenen Publikationen anerkannt und gefeiert, darunter Forbes, L’Oeil und Elle, was ihren bemerkenswerten Einfluss im Bereich der zeitgenössischen Kunst markiert.

Agathe Toman fasziniert und inspiriert weiterhin ein globales Publikum und bietet durch ihre Werke ein Fenster zur Komplexität der menschlichen Erfahrung, so wie sie sie wahrnimmt und in Kunst verwandelt. Erfahrungen, die sie mit großer Großzügigkeit teilt.

„MEINE VISION:
Meine Arbeit erforscht die tiefen Verbindungen zwischen Psyche und Körper, webt Dialoge zwischen Geist und Materie. Ich frage nach ihren Funktionsweisen in ihrer Umwelt, den Verbindungen, die sie eingehen, und den Schwingungen, sowohl wahrnehmbaren als auch unaussprechlichen, die daraus entstehen.
Ich erforsche Themen wie Identität, Erinnerung, die menschliche Natur und die Beziehung zwischen Individuum und Umwelt. Meine Werke tragen eine emotionale Tiefe und eine gewisse Spannung in sich, die den Betrachter zu einer intimen Reflexion einladen und einen Weg ins Unbewusste öffnen.

Ich verankere diesen Willen in der Materie meiner Werke selbst: entschieden abstrakt, monochrom, nuanciert, dort, wo Dunkelheit mit Klarheit koexistiert, das Blau am Kontakt mit Schwarz knistert oder allein aufleuchtet. Wir befinden uns im Dasein/Abwesenheit des Lichts.
Meine Gemälde, Installationen, Zeichnungen und Fotografien sind jeweils eine absolute Schöpfung, frei von jeder Nachahmung, sie wecken echte Emotionen, lösen das Erwachen des Unsichtbaren aus; so werden meine Werke zu Spiegeln jener inneren, nicht offenbarten Aspekte.

Eine sorgfältige Übereinstimmung zwischen meinen Händen und den Pigmenten, den Holz- und Bleistiften, dem Kugelschreiber und den Farben, durch das Ablegen von Materie auf Papier oder Leinwand. Meine Ausführungstechniken wiederholen sich nie, ein unkontrolliertes Ergebnis. Eine gesteigerte Einzigartigkeit.
So arbeite ich daran, die Bewegung der Materie, die Dichte des Lichts festzuhalten, mich hineinzuführen, zum Erwachen eines Ich.

Es gibt immer etwas, was man nicht vermutet hat. Irgendetwas Unerwartetes. Dieses unaussprechlich intensiv Zusammengepresste, subtil angereizt, das uns gefesselt und überwältigt. Wasser, Gravitation, Rinden – diese Allgegenwärtigkeiten metamorphosieren den Beobachter durch ihre Kraft. Das Hervortreten einer eindeutig einzigartigen Spur, eine lyrische Abstraktion, meine Werke sind Selbstporträts, Porträts von Teilen von mir.
Ich sage, dass meine Kreationen „Materialisierungen psychischer Zustände“ sind, menschliche Landschaften, Fäden meiner Seele, die andere dazu einladen, sich darin zu vereinen.
Ihr Wert liegt nicht im Ästhetischen, sondern in den Schwingungen, die meine Werke beim Betrachter erzeugen. Es sind zwei Sensibilitäten, die sich begegnen und nicht mehr zwei getrennte Individuen. Es ist ein lebendiger Prozess. Das Werk transzendiert das Sofortige. Ich betrachte sie als lebendige Wesen, die neue Verbindungen zwischen Uns und uns schaffen.

Der Betrachter wird seinerseits zum Schöpfer, erweckt das Werk in einer Alchemie psychischer Resonanzen zum Leben.

Ich begehre einen Weg zu einer neuen Sicht auf das eigene Sein, auf die Welt und auf die Anderen.

Wenn der Betrachter sich nun einladen lässt, sind es psychische Resonanzen, die übereinstimmen und sich zu einer einzigen Symphonie fügen; ein Dialog beginnt sich einzurichten, ein Rhythmus wird spürbar. Eine Anamorphose der eigenen Seele zeichnet sich ab, ein unaussprechliches Spiegelbild. Es ist eine poetische Erfahrung.
Eine intensive und kraftvolle Gegenwart. Eine anspruchsvolle Erfahrung.

Ich wünsche mir, dass meine Werke den menschlichen Geist verfeinern, die Seelen schärfen und dass die Emotionen dort ein Echo finden, dass Worte dort widerhallen.
Was wichtig ist, ist das, was das Werk in uns bewegt, und das Ergebnis dieses Treffens.

„Psychisches Leiden hängt mit allem zusammen, was dem Prozess der subjektiven Symbolisierung entgleist. Wir leiden unter dem, was psychisch blockiert ist oder auf psychische Eintragung wartet. Der Mensch leidet nicht nur wegen Ereignissen oder bestimmter Gedanken, sondern weil bestimmte Prozesse in ihm keinen Spiegel, kein Echo, kein Gehör, keinen Aufnahmeort gefunden haben und so umherirrend bleiben.“ René Roussillon - Manuel de psychologie et de psychopathologie de clinique générale, Seite 146.