Anton Kaestner - #385 - S - " Chromatic MR10 ".

Unikat, originales Gemälde von Anton Kaestner, direkt aus dem Atelier.
#385 - S - "Chromatic MR10".

Sprüh-Acryl auf 3 mm Plexiglasplatte.
Dieses Gemälde ist kein Druck. Es handelt sich um ein originales Werk in mehreren Schichten, dessen glänzende, „glossy“ Optik dem Auftrag einer Harzschicht nahekommt und einzigartig ist.
Transparenz beim Druck.

Abmessungen : Zoll 9,1 × 12,6 × 0,12 / 23 × 32 × 0,3 cm rahmenlos.

Dieses Gemälde wird ohne Rahmen geliefert.
Rahmen von der deutschen Qualitätsmarke Nielsen aus Aluminium, Referenz 34 (Zoll 0,23 × 1,38 / 0,6 × 3,5 cm) empfohlen und bei Versand gegen Aufpreis von 70 € inkl. MwSt. erhältlich.

Das Werk ist auf der Rückseite signiert.
Eine Echtheitszertifikat begleitet es.
Die Lieferung ist durch eine Versicherung gedeckt.

Anton Kaestner ist ein Schweizer Maler, Bildhauer und Autor mit Sitz in Paris. Seine Werke werden in ganz Europa, in der Schweiz und in Dubai ausgestellt. Mehr Informationen und Auswahl unter www.antonkaestner.com.

Nächste Ausstellung – Lausanne 7./10. Mai 2026.

Biografie

In Genf, Schweiz geboren, wuchs ich in einer Umgebung auf, die von der natürlichen Schönheit und dem kulturellen Reichtum meiner Heimat geprägt war. Kreativität wurde in meiner Familie geschätzt, und es war mein verstorbener Großvater, ein Handwerker und Künstler, dessen Einfluss den Samen dafür legte, was letztlich zu meiner Lebenspassion werden sollte.
1993 begann ich privat zu malen, experimentierte mit zahllosen Acrylfarben in A4- und später A3-Notizbüchern – ich habe immer das Gefühl gehabt, dass große Bilder direkt auf einen zukommen, dominant und einschüchternd, während kleine Arbeiten viel mehr Liebe inspirieren können. Zunächst fühlte ich mich zur gegenständlichen Malerei und zum abstrakten Expressionismus hingezogen.
Mit der Zeit entwickelte sich, auch wenn ich mich selbst als Atheisten betrachte, eine Vorliebe für spirituelle Materialien, da sie meiner Erforschung der menschlichen Existenz und der tieferen Wahrheiten von Natur und Leben Relevanz verleihen.

Der Weg, wirklich Künstler zu werden, war jedoch nicht sofort geebnet.
Über drei Jahrzehnte verfolgte ich eine internationale Geschäftskarriere, die mich rund um den Globus führte – von den Vereinigten Staaten bis Marokko, Belgien, durch ganz Asien und Frankreich. Meine Reisen erweiterten meinen Horizont und setzten mich kulturellem Einflussreichtum aus. Wohin ich auch ging, tauchte ich in die lokale Kunstszene ein und zog die kreative Energie jedes Ortes an.
Trotz des Fokus auf meine Geschäftskarriere war Kunst immer ein Teil von mir, still in mir ruhend. Fast dreißig Jahre lang wurde Malen zu einer Form stiller Meditation – ein Weg, aus der Welt auszubrechen und sich meinem inneren Selbst zuzuwenden.

Ich habe immer große Befriedigung im Malen gefunden. Jedes neue Werk ist eine Reise, auf der ich meine Kreativität testen, neue Techniken erforschen und echte Erfahrungen erleben kann. Durch meine Kunst habe ich immer gehofft, anderen eine aufrichtige Begegnung mit Schönheit zu bieten, eine Gelegenheit, die Welt aus einer anderen Perspektive zu sehen und über das eigene Leben nachzudenken.

2023, nach dem Ausscheiden aus meiner Geschäftskarriere, habe ich mich voll dem Malen verschrieben. Ich gründete mein Atelier in Paris und widmete mich seither vollständig meiner Kunst. Bis Ende 2024 startete ich meine öffentliche künstlerische Karriere, und zu meiner Überraschung gewann meine Arbeit rasch Anerkennung und fand in Privatbesitzsammlungen in ganz Europa, besonders in Deutschland, Portugal, Belgien, Italien und den Niederlanden, neue Heimstätten.

Ende 2025 zog ich in ein größeres Atelier in einer leerstehenden Sakristei in Lisieux, Normandie.

Künstlerischer Lebenslauf

Meine erste Einzelausstellung, „Échos“, die Ende 2024 in Paris stattfand, zeigte eine eigenständige Herangehensweise an die Kunst, abseits traditioneller Maltechniken: Ich male mit Acryl, metallischen Pigmenten und Sprühfarben auf der Rückseite recycelten extrudierten Plexiglases (Perpex), einer leichten, glatten, glänzenden und manchmal zerbrechlichen Oberfläche. Dieser Prozess verhindert, dass ich das Werk während der Entstehung sehe. Ich habe kein visuelles Feedback oder Kontrolle während des Prozesses – etwas, das ich begrüße. Ich ermögliche „zufällige Experimente“ – alles geht, um den Verstand auszuschalten – um das Ergebnis, die Schichten und Spiegelungen zu lenken und Raum für Offenbarung und Entdeckung zu lassen, wenn das Werk schließlich ausgestellt wird. Aber klar gesagt: In meinen Bildern trifft der Zufall nie die Entscheidungen; höchstens stellt er Fragen; sinnvolle „Zufälle“ sind nur mit viel Disziplin möglich. Dieser Ansatz, der an den Offenbarungs-/Fixierungsprozess der Fotografie erinnert, ist herausfordernd und befreiend. Die Werte der Komposition werden durch Schichten und Transparenzen bereichert und verleihen jedem Werk eine „asketische“ Qualität: Ich freue mich, wenn ich erkenne, dass es „unverzichtbare Notwendigkeiten“ gibt – das, was wir wahrscheinlich entdecken, wenn wir still und im Licht innehalten.

Ich halte meinen Ansatz bewusst einfach. Weder „Emotion“ noch „theoretische Konzeption“, sondern Erfahrung des Seins. Weder „schneller Konsum“ noch „Intellektualisierung/ intellektuelles Besitzdenken“, sondern Erweiterung des Bewusstseins und Erforschung der Realität, ihrer sichtbaren und unsichtbaren Geschichten. Meine Kunst ist eine Suche nach dem „Leben im Leben selbst“, nach dem, was Alain Damasio „le vif“ nennt. Obwohl Nostalgie stets Teil meiner Arbeit war, sind meine Gemälde ohne Objekt. Wie alle Objekte sind sie Objekte für sich. Folglich haben sie weder Inhalt, noch Bedeutung, noch Sinn; sie sind wie Dinge, Bäume, Tiere, Menschen oder Tage, die ebenfalls weder Grund des Seins noch Ende oder Zweck haben. Obwohl meine Arbeit gelegentlich Anklänge an die Transparenz und Leuchtkraft von Bleiglasfenstern wecken mag, bleibt sie weitgehend abstrakt. Zudem verleiht Plexiglas dem Gemälde eine schimmernde Haut, hinter der man die eigene Silhouette erahnen kann, die bei jedem neuen Betrachter unterschiedlich ist. Jedes Werk wirkt wie ein diskreter Spiegel: Es lebt, es verändert sich, es sieht. Das Zusammenspiel von Licht, Farbe und Textur, auch der fehlenden Teile, erfordert nur Empathie. Hoffentlich wird der Reiz des Spiels zwischen „Details für die Nahsicht“ – ein Detail eines Bildes ist ein völlig neues Bild – und „Distanz für das Ganze“ die Betrachter dazu anregen, sich auf eigene introspektive Reisen zu begeben.

Ich behaupte nicht, alle Antworten zu haben, und möchte demütig bleiben, was erreicht werden kann. Einfach gesagt finde ich Befriedigung im fortwährenden Prozess des Fragens und Wachsens. Jede neue Schöpfung ist eine Auseinandersetzung mit meinen Grenzen, die mich dazu drängt, meine Fähigkeiten zu verfeinern und weiter zu erforschen, was ich erreichen kann. Malerei bedeutet für mich tägliches Handwerk, Erkundung, Weg zu sinnvollen Gesprächen, eine Suche nach einer Farbe so perfekt, dass sie uns nicht mehr braucht. Das Zeitalter des Informellen hat gerade erst begonnen.

Wie Jean Bazaine sagen würde: „Die tägliche Praxis vervielfacht die Leidenschaft am Sehen.“

Über die Kohärenz in meiner Praxis
In der Landschaft der zeitgenössischen Kunst, wo Konzept und Form gleichermaßen Gewicht haben, strebe ich danach, Arbeiten zu schaffen, die nicht durch Prunk, sondern durch Präsenz definiert sind. Meine Gemälde – schimmernde Felder von Farbe und Licht im Plexiglas – sind die ruhigen Ergebnisse einer langen und willentlichen Untersuchung. Für mich liegt der wahre Fokus weniger auf dem Endbild als auf dem ruhigen Zusammenspiel von Gedanke und Prozess, das es ihm ermöglicht, zu entstehen.

Diese Praxis fußt auf drei ausgerichteten Absichten.

Die erste ist ein Rückzug aus erzwingter Bedeutung. Indem ich die Werke als „ohne Objekt“ und ohne „Inhalt, Sinn oder Bedeutung“ beschreibe, hoffe ich, die Erwartung einer narrativen Deutung behutsam zu lockern. Es ist eine Einladung, dem Dekodieren zu entsagen und zu einer direkteren Art des Hinsehens zu gelangen.

Dies führt zur zweiten Absicht: Die Vorrangstellung der gelebten Erfahrung. In diesen offenen Raum setze ich das, was ich als eine „Erfahrung des Seins“ betrachte. Das Werk wird weniger zu einem Objekt, das interpretiert wird, als zu einem stillen Ereignis, das gefühlt wird – geformt durch wechselndes Licht, durchscheinende Schichten und das schwache Spiegelbild des Betrachters, der seinen eigenen Blick begegnet. Wie ich oft feststelle, „lebt, es verändert sich, es sieht.“

Die dritte ist der Ort, an dem Idee und Hand zusammentreffen: Der Prozess als verkörperter Gedanke. Das Malen auf der Rückseite von Plexiglas, ohne visuelles Feedback zu arbeiten, ist eine physische Praxis des Loslassens. Es ist eine bewusste Freigabe von Kontrolle im Schaffensakt. Ich setze Bedingungen, übergebe aber das Ergebnis, lasse das Gemälde zu dem werden, was ich ein unabhängiges „Objekt für sich selbst“ nenne, das erst vollständig offenbart wird, wenn es fertig ist. Es ist ein stiller Parallelprozess zur fotografischen Entwicklung – ein geduldiges Warten auf das, was hier und jetzt ankommt.

These Absichten werden durch einige sanfte Paradoxien getragen, die die Arbeit erhalten:

Zufall und Disziplin
Ich spreche von bedeutsamen ‚Zufällen‘, aber sie sind nur innerhalb sorgfältiger Grenzen möglich. Zufall ist ein willkommener Gast, aber die Struktur wird behutsam aufgebaut.

Kommunikation Ohne Botschaft
Ich hoffe, etwas zu „kommunizieren“ durch Werke, die ich als bedeutungslos bezeichne. Vielleicht ist das Gemeinsame nicht eine Aussage, sondern ein Zustand – eine Textur aus Licht, eine stille Gegenwart, eine spürbare Stille.

Nostalgie für die Gegenwart
Eine zarte Nostalgie schwingt in der Arbeit mit, doch sie zielt merkwürdigerweise auf das Jetzt: Sehnsucht nach den „unverzichtbaren Notwendigkeiten“, gefunden in „Stille und Licht“ – der Wunsch nach reiner Gegenwart, die die Arbeit selbst still anbietet.

Anstrengung und Mühelosigkeit
Der Prozess erfordert stetige Aufmerksamkeit, zielt jedoch auf ein Ergebnis ab, das autonom wirkt, als ob es „aus seinem eigenen Antrieb entstanden“ wäre. Ich fühle mich von dem angezogen, was sich als unvermeidlich anfühlt.
In diesem Geist habe ich das Gefühl entwickelt, dass „das Zeitalter des Informellen gerade erst begonnen hat.“ Meine Praxis ist dem Geist des Art Informel verpflichtet, vielleicht mit weniger Schmerz und mehr Ruhe – eine Informalität, in der Zufall kein Bruch, sondern ruhiger Mitarbeiter ist.

Im Kern ist dies eine Suche nach dem „le vif“ – dem lebendigen Kern. Die Arbeit neigt sich zur direkten Erfahrung statt zur Intellektualisierung. Die bescheidene Skala, die ich oft wähle, soll Intimität, kein Spektakel fördern.
Letztlich ist dies einfach der Weg eines einzelnen Künstlers. Meine Biografie, mein Prozess und meine Reflexionen sind keine getrennten Fäden, sondern Teile einer einzigen Verfolgung. Ich habe festgestellt, dass eine Praxis, die auf ruhigen Paradoxien basiert, nicht zerbrechlich sein muss. Durch Disziplin und Klarheit können solche Spannungen, so glaube ich, zu einer Quelle der Resilienz werden.

Anton Kaestner