Agathe Toman - CLOUD #8 2/15

Dieses Werk gehört zur „COLLECTION PARTAGÉE“ der Künstlerin.
Fotografie auf Fine-Art-Glanzpapier gedruckt, körnig, fotografiert in Seignosse – Étang Blanc, Frankreich. Frühling 2026

Die Fotografie wird Ihnen gerollt zugesandt, sie kommt ungerahmt, und es wird ein Echtheitszertifikat beigefügt, vom Künstler ergänzt und signiert. Auf dem Rand signierte und handsignierte Originalarbeit, Vorder- und Rückseite. Digigraphie Finart-Pigmentdruck von höchster Qualität.

Agathe Toman ist seit 2021 bei Sotheby’s gelistet.

Biografie der Künstlerin:
Geboren 1989, französischer Abkunft, österreichisch und tschechisch, ist Agathe Toman eine französische multidisziplinäre Künstlerin, deren Talent sich von Malerei über Poesie bis hin zu Skulptur, Zeichnung und Fotografie erstreckt. Nach dem Studium an der renommierten École de la Chambre Syndicale de la Couture Parisienne und Jahren als Stylistin in französischen Hausmoden in Paris spürte Agathe vor neun Jahren den Drang, sich ausschließlich auf ihre künstlerische Schöpfung zu konzentrieren.
Heute in den Landes (Les Landes) ansässig, seit dreizehn Jahren, etabliert sich Agathe als aufstrebende Figur der zeitgenössischen Kunst, geschätzt sowohl national als auch international.

Seit 2021 bei Sotheby’s gelistet, wurden ihre Werke dreimal versteigert, was ihren rasanten Aufstieg und ihre Anerkennung in den Kreisen der renommierten Kunst bestätigt. Ihre bemerkenswerten Beiträge zu verschiedenen Ausstellungen, insbesondere auf der Art Paris, haben ihr enormen Erfolg eingebracht und ihre Präsenz in privaten Sammlungen weltweit verstärkt.

Agathes Palette bevorzugt tiefe Töne von Schwarz und Blau, einen diskreten, in Bewegung befindlichen Chormatismus. Ihre Gemälde verwenden Reinform-Pigmente, Tinten, Ölfarben und Acrylfarben in einer überwältigenden Intensität, die darauf abzielt, Verbindungen zu verborgenen Dingen wiederherzustellen und den Betrachter jenseits des Sichtbaren zu transportieren. Die Leinwand entfaltet eine Macht, die zu einem Echo ihrer eigenen Erfahrungen wird.

Ihre Zeichnungen, mit dem Kugelschreiber Bic realisiert, tragen eine verstörende Anziehungskraft.
Agathes Fotografien irritieren durch kaleidoskopische Abstraktionen, sie überwältigen uns mit ruhigen Empfindungen, Erinnerungen an eine perfekte Schwerelosigkeit, die am Anfang unserer Zeit stand.
Hunderte von Gedichten rhythmisieren ihr Universum mit einer lyrischen Qualität, die ihr Werk kennzeichnet. Ein erster Band mit dem Titel „You will have to learn to smile again“ erscheint im Winter 2024.

Neben ihrer künstlerischen Praxis ist Agathe auch tief in das Studium der Psychoanalyse in der Transaktionsanalyse eingebunden, das sie seit vier Jahren in Paris verfolgt. Diese Erforschung bereichert ihren konzeptionellen Prozess und ermöglicht es ihr, sehr tiefe psychologische Dimensionen in ihre Kunst zu integrieren, die von neuen Schichten geprägt ist.

Agathe trennt Kunst auch nicht von ihrem sozialen Engagement. Sie richtet ihr Werk auf zentrale Themen wie mentale Gesundheit, Umwelt und Bildung aus. Diese Denkachsen sind nicht nur in ihrer Kunst präsent; sie bilden einen integralen Bestandteil ihrer künstlerischen Identität und Persönlichkeit.

Ihr Werk wurde in mehreren renommierten Publikationen gewürdigt, darunter Forbes, L’Oeil und Elle, was ihren bemerkenswerten Einfluss im Bereich der zeitgenössischen Kunst markiert.

Agathe Toman fasziniert und inspiriert weiterhin ein weltweites Publikum und bietet durch ihre Werke einen Blick auf die Komplexität der menschlichen Erfahrung, wie sie sie wahrnimmt und in Kunst verwandelt. Erfahrungen, die sie mit großer Großzügigkeit teilt.

„MEINE VISION:
Meine Arbeit erforscht die tiefen Verbindungen zwischen Psyche und Körper, indem sie Dialoge zwischen Geist und Materie webt. Ich frage nach ihren Funktionsweisen in ihrer Umwelt, den Verbindungen, die sie eingehen, und den Vibrationen, sowohl wahrnehmbaren als auch unaussprechlichen, die daraus entstehen.
Ich erkunde Themen wie Identität, Erinnerung, menschliches Wesen und die Beziehung des Individuums zu seiner Umwelt. Meine Arbeiten tragen eine emotionale Tiefe und eine gewisse Spannung in sich, die den Betrachter zu einer introspektiven Reflexion einladen und einen Weg ins Unbewusste öffnen.

Ich verankere diesen Willen in der materialität meiner Arbeiten: bewusst abstrakt, monochrom, nuanciert, dort, wo Dunkelheit mit Klarheit koexists, das Blau beim Kontakt mit Schwarz knistert oder sich allein erleuchtet. Wir befinden uns in der Abwesenheit/Anwesenheit von Licht.
Meine Gemälde, Installationen, Zeichnungen und Fotografien sind jeweils eine absolute Schöpfung, losgelöst von jeder Nachahmung, rufen reine Emotion hervor, lösen das Erwachen des Unsichtbaren aus; so werden meine Werke zu Spiegeln jener verborgenen inneren Aspekte.

Eine sorgfältige Verschmelzung zwischen meinen Händen und Pigmenten, Kohlestiften, dem Kugelschreiber und Farben, durch Deposition von Materie auf Papier oder Leinwand. Meine Ausführungstechniken wiederholen sich niemals, ein unkontrolliertes Resultat. Eine gesteigerte Einzigartigkeit.
So arbeite ich daran, die Bewegung der Materie, die Dichte des Lichts festzuhalten, von mir darin zu investieren, für das Erwachen eines Selbst.

Es gibt immer etwas, das man nicht vermutet hat. Etwas Unvorhergesehenes. Dieses unaussprechlich Intensivierte, subtil angereizt, das uns gefangen nimmt und uns übermannt. Wasser, Gravitation, Rinde, diese Allgegenwärtigkeiten, verwandeln den Beobachter durch ihre Kraft. Das Entstehen eines eindeutig einzigartigen Abdrucks, eine lyrische Abstraktion, meine Werke sind Selbstporträts, Porträts von Teilen meines Selbst.
Ich sage, dass meine Kreationen „Materialisationen psychischer Zustände“ sind, menschliche Landschaften, Fäden meiner Seele, die andere in sich verschmelzen lassen.
Ihr Wert liegt nicht in der Ästhetik, sondern in den Vibrationen, die meine Werke im Betrachter erzeugen. Es sind zwei Empfindungen, die sich treffen und nicht mehr zwei getrennte Identitäten. Es ist ein lebendiger Prozess. Das Werk transzendiert das Sofortige. Ich betrachte sie als aktive Wesen, die neue Verbindungen zwischen Uns, in uns, schaffen.

Der Betrachter wird seinerseits zum Schöpfer, erweckt das Werk in einer Alchemie psychischer Resonanzen zum Leben.

Ich gehe einen Weg zu einer neuen Vision seines Seins, zu sich selbst, zur Welt und zu den Anderen.

Wenn der Betrachter sich nun einladen lässt, stimmen psychische Resonanzen überein und finden sich in einer einzigen Symphonie wieder, ein Dialog beginnt sich einzurichten, ein Rhythmus wird fühlbar. Eine Anamorphose seiner Seele zeichnet sich ab, ein ungreifbares Spiegelbild. Es ist eine poetische Erfahrung.
Eine intensive und kraftvolle Gegenwart. Eine anspruchsvolle Erfahrung.

Ich möchte, dass meine Werke den menschlichen Geist schärfen, die Seelen schärfen und dass die Emotionen dort ein Echo finden, dass Worte darin widerhallen.
Wichtig ist, was das Werk in uns mobilisiert und das Ergebnis dieses Treffens.

„Psychischer Schmerz hängt mit allem zusammen, was dem Prozess der Subjektivierung der Symbolisierung entgeht. Wir leiden an dem, was psychisch blockiert ist oder darauf wartet, psychisch verzeichnet zu werden. Der Mensch leidet nicht nur wegen Ereignissen oder bestimmter Gedanken, sondern weil bestimmte Prozesse in ihm kein Spiegelbild, Echo, Zuhören oder Aufnahme gefunden haben und so umherirren.“ René Roussillon – Manuel der Psychologie und Pathologie der Allgemeinen Klinischen, Seite 146.