Anton Kaestner - #386 - S - " Chromatic MR11 ".

Unikat, originales Gemälde von Anton Kaestner, direkt aus dem Atelier.
#386 - S - " Chromatic MR11 ".

Sprühlack auf 3 mm Plexiglasplatte.
Dieses Gemälde ist keine Druckerei. Es handelt sich um ein originales Werk in mehreren Schichten, dessen glänzende, "glossy" Erscheinung, fast wie der Auftrag von Harz, einzigartig ist.
Transparenz beim Druck.

Abmessungen: 9,1" x 12,6" x 0,12" / 23 x 32 x 0,3 cm ohne Rahmen.

Dieses Gemälde wird ohne Rahmen geliefert.
Rahmen von deutscher Qualitätsmarke Nielsen aus Aluminium, Referenz 34 (9,0 cm x 35,0 cm) empfohlen und verfügbar bei Versand gegen einen Aufpreis von 70 € inkl. MwSt.

Das Werk ist von der Rückseite signiert.
Ein Echtheitszertifikat gehört dazu.
Der Versand ist durch eine Versicherung abgedeckt.

Anton Kaestner ist ein Schweizer Maler, Bildhauer und Autor, ansässig in Paris. Seine Werke werden überall in Europa, in der Schweiz und in Dubai ausgestellt. Weitere Informationen und Auswahl unter www.antonkaestner.com.

Nächste Ausstellung – Lausanne 7./10. Mai 2026.

Biografie

Geboren in Genf, Schweiz, wuchs ich umgeben von der natürlichen Schönheit und kulturellen Reichtum meines Heimatlandes auf. Kreativität wurde in meiner Familie geschätzt, und es war mein verstorbener Großvater, ein Handwerker & Künstler, dessen Einfluss den Funken für das legte, was schließlich zur Leidenschaft meines Lebens werden sollte.
1993 begann ich privat zu malen und experimentierte mit unzähligen Acrylfarben in A4- und später A3-Notizbüchern – ich habe immer das Gefühl gehabt, dass große Bilder einem direkt entgegenkommen, dominierend und einschüchternd, während kleine Werke viel mehr Liebe inspirieren können. Zuerst fühlte ich mich zum nicht-figurativen Malen und zum abstrakten Expressionismus hingezogen.
Mit der Zeit, und obwohl ich mich als Atheist betrachte, entwickelte ich auch eine Vorliebe für spirituelle Materialien, da sie mit meiner Erkundung der menschlichen Existenz und den tieferen Wahrheiten von Natur und Leben resonierten.

Der Weg, wirklich Künstler zu werden, war jedoch nicht sofort klar.
Über drei Jahrzehnte verfolgte ich eine internationale Geschäftskarriere, die mich um die Welt führte – von den Vereinigten Staaten bis nach Marokko, Belgien, durch Asien und Frankreich. Meine Reisen erweiterten meinen Horizont und brachten eine Vielzahl kultureller Einflüsse hervor. Egal, wohin ich ging, tauchte ich in die lokale Kunstszene ein und nahm die kreative Energie jedes Ortes auf.
Trotz des Fokus auf meine Geschäftskarriere war die Kunst immer Teil von mir, still köchelnd unter der Oberfläche. Fast dreißig Jahre wurde Malen zu einer Form stiller Meditation für mich – ein Weg, sich von der Welt zu lösen und sich auf mein inneres Selbst zu konzentrieren.

Ich habe stets große Befriedigung im Malen gefunden. Jedes neue Werk ist eine Reise, auf der ich meine Kreativität testen, neue Techniken erkunden und echte Erfahrungen erleben kann. Durch meine Kunst habe ich immer gehofft, anderen eine aufrichtige Begegnung mit Schönheit zu bieten, eine Gelegenheit, die Welt aus einer anderen Perspektive zu sehen und über ihr eigenes Leben nachzudenken.

Im Jahr 2023, nach dem Ruhestand aus meiner Geschäftslaufbahn, habe ich mich dem Malen vollständig verschrieben. Ich gründete mein Atelier in Paris und widmete mich fortan völlig meiner Kunst. Gegen Ende 2024 startete ich meine öffentliche künstlerische Laufbahn, und zu meiner Überraschung gewann meine Arbeit rasch Anerkennung und fand in privaten Sammlungen in ganz Europa ein Zuhause, besonders in Deutschland, Portugal, Belgien, Italien und den Niederlanden.

Ende 2025 zog ich in ein größeres Atelier in einer leerstehenden Sakristei in Lisieux, Normandie.

Künstlerischer Lebenslauf

Meine erste Einzelausstellung, "Échos", die Ende 2024 in Paris stattfand, zeigte einen unverwechselbaren Kunstansatz, der sich von traditionellen Maltechniken abhebt: Ich male mit Acryl, metallischen Pigmenten und Sprays auf der Rückseite von recyceltem extrudiertem Plexiglas (Perpex), einer leichten, glatten, glänzenden und manchmal zerbrechlichen Oberfläche. Dieser Prozess verhindert, dass ich das Werk während der Entstehung sehe. Ich habe kein visuelles Feedback oder Kontrolle während des Prozesses – etwas, das ich begrüße. Ich lasse "zufällige Experimente" – alles geht – zu dem Ergebnis führen, die Schichten & Spiegelungen, die ich schaffe, Raum für Offenbarung und Entdeckung lassen, wenn das Stück schließlich ausgestellt wird. Aber klar gesagt: In meinen Bildern trifft Zufall nie die Entscheidungen; höchstens stellt er Fragen; sinnvolle "Zufälle" sind nur mit einem großen Maß an Disziplin möglich. Dieser Ansatz, der mit dem Offenlegungs-/Festlegungsprozess der Fotografie mitschwingt, ist herausfordernd und befreiend. Die Werte der Komposition werden durch Schichten und Transparenzen bereichert, geben jedem Werk jedoch eine "asketische" Qualität: Ich freue mich, wenn ich erkenne, was unwiderrufliche Notwendigkeiten sind – also das, was wir wahrscheinlich entdecken, wenn wir in Stille und Licht innehalten.

Ich halte meinen Ansatz bewusst einfach. Weder "Emotion" noch "theoretische Konzeption", sondern das Erleben des Seins. Weder "schneller Konsum" noch "Intellectualisierung / intellektueller Besitz", sondern Bewusstseinserweiterung und Erforschung der Realität, ihrer sichtbaren und unsichtbaren Geschichten. Meine Kunst ist eine Suche nach dem "Leben im Herzen des Lebens", nach dem, was Alain Damasio als "le vif" bezeichnet. Obwohl Nostalgie schon immer Teil meiner Arbeit war, sind meine Gemälde ohne Gegenstand. Wie alle Objekte sind sie Objekte für sich. Folglich haben sie weder Inhalt, noch Bedeutung, noch Sinn; sie sind wie Dinge, Bäume, Tiere, Menschen oder Tage, die ebenfalls weder Grund zu sein, noch Zweck oder Endziel haben. Während meine Arbeit manchmal die Transparenz und Leuchtkraft von Buntglas heraufbeschwört, bleibt sie doch weitgehend abstrakt. Zudem verleiht Plexiglas dem Gemälde eine schimmernde Haut, hinter der man die eigene Silhouette erahnen kann, und zwar je nach neuem Betrachter unterschiedlich. Jedes Werk wirkt wie ein diskreter Spiegel: Es lebt, es verändert sich, es sieht. Das Zusammenspiel von Licht, Farbe und Textur sowie der fehlenden Teile erfordert Empathie. Hoffentlich wird der Reiz des "Detail nah" – ein Detail eines Bildes ist ein ganz neues Bild – und der "Abstand zum Ganzen" die Betrachter ermutigen, eigene introspektive Reisen zu beginnen.

Ich behaupte nicht, alle Antworten zu haben, und möchte demütig bleiben in dem, was erreicht werden kann. Einfach gesagt finde ich Befriedigung im ständigen Fragen und Wachsen. Jede neue Kreation ist eine Auseinandersetzung mit meinen Grenzen, die mich dazu treibt, meine Fähigkeiten zu verfeinern und weiter zu erforschen, was ich erreichen kann. Malen bedeutet für mich ein tägliches Handwerk, eine Entdeckungsreise, eine Möglichkeit, sinnvolle Gespräche anzustoßen, eine Suche nach einer Farbe, die so perfekt ist, dass sie uns nicht braucht. Das Zeitalter des Informellen hat gerade erst begonnen.

Wie Jean Bazaine sagen würde: "Der tägliche Brauch vervielfacht die Leidenschaft des Sehens."

Über die Kohärenz in meiner Praxis

Im Landschaftsbild der zeitgenössischen Kunst, wo Konzept und Form gleichgewichtig sind, strebe ich danach, Werke zu schaffen, die nicht durch Glanz, sondern durch Gegenwart definiert sind. Meine Gemälde – schimmernde Farb- und Lichtfelder im Plexiglas – sind die stillen Ergebnisse einer langen und bewussten Erforschung. Für mich liegt der wahre Fokus weniger auf dem Endbild als auf dem stillen Zusammenspiel von Gedanke und Prozess, das es ermöglicht, zu entstehen.

Diese Praxis stützt sich auf drei ausgerichtete Absichten.

Die erste ist ein Rückzug aus zudiktierten Bedeutungen. Indem ich die Werke als "ohne Objekt" beschreibe und sie "weder Inhalt, noch Bedeutung, noch Sinn" haben lasse, hoffe ich, die Erwartung eines narrativen Sinns behutsam zu lockern. Es ist eine Einladung, sich vom Dekodieren zu lösen und zu einer direkteren Art des Sehens zu gelangen.

Dies führt zur zweiten Absicht: die Vorrangstellung gelebter Erfahrung. In diesen offenen Raum versuche ich das zu platzieren, was ich als eine "Erfahrung des Seins" bezeichne. Das Werk wird weniger zu einem Objekt, das interpretiert werden muss, als zu einem stillen Ereignis, das gefühlt wird – geformt durch sich verschiebendes Licht, durchscheinende Schichten und das schwache Spiegelbild des Betrachters, der seinem eigenen Blick begegnet. Wie ich oft feststelle, "lebt, es verändert sich, es sieht."

Die dritte ist der Moment, in dem Idee auf Hand trifft: Prozess als verkörperter Gedanke. Malen auf der Rückseite von Plexiglas, ohne visuelles Feedback zu arbeiten, ist eine physische Praxis des Loslassens. Es ist eine bewusste Loslösung von Kontrolle beim Schaffen. Ich setze Bedingungen, gebe aber das Ergebnis auf und lasse das Gemälde zu dem werden, was ich ein unabhängiges "Objekt an sich" nenne, das erst dann vollständig offenbart ist. Es ist ein stiller Spiegel zur fotografischen Entwicklung – ein geduldiges Warten auf das, was hier und jetzt ankommt.

Diese Absichten tragen einige sanfte Paradoxien, die die Arbeit tragen:

Zufall und Disziplin
Ich spreche von "bedeutungsvollen Zufällen", doch sie sind nur innerhalb sorgfältiger Grenzen möglich. Zufall ist ein willkommener Gast, doch die Struktur wird mit Sorgfalt aufgebaut.

Kommunikation Ohne Botschaft
Ich hoffe, durch Werke, die ich als sinnlos bezeichne, etwas zu "kommunizieren". Vielleicht ist das Gemeinsame kein Statement, sondern ein Zustand – eine Textur aus Licht, eine stille Gegenwart, eine palpable Stille.

Nostalgie der Gegenwart
Eine leise Nostalgie schwingt in der Arbeit mit, doch sie richtet sich merkwürdigerweise auf das Jetzt: eine Sehnsucht nach den "unwiderruflichen Notwendigkeiten", gefunden in "Stille und Licht" – der Wunsch nach reiner Gegenwart, die die Arbeit selbst still anbietet.

Anstrengung und Mühelosigkeit
Der Prozess erfordert konstante Aufmerksamkeit, zielt jedoch auf ein Ergebnis, das autonom wirkt, als ob es "aus eigenem Antrieb entstanden" wäre. Ich fühle mich zu dem anzogen, was sich als völlig unvermeidlich anfühlt.
In diesem Geiste habe ich das Gefühl entwickelt, dass "das Zeitalter des Informellen gerade erst begonnen hat." Meine Praxis ist dem Geist des Art Informel verpflichtet, vielleicht mit weniger Angst und mehr Ruhe – eine Informalität, bei der Zufall kein Bruch, sondern ein stiller Mitstreiter ist.

Im Kern geht es um die Suche nach dem "le vif" – dem lebendigen Kern. Die Arbeit neigt sich eher zur direkten Erfahrung als zur Intellektualisierung. Das oft gewählte überschaubare Format soll Intimität fördern, kein Spektakel.
Letztlich ist dies einfach der Weg eines einzelnen Künstlers. Meine Biografie, mein Prozess und meine Reflexionen sind keine separaten Fäden, sondern Teile einer einzigen Verfolgung. Ich habe festgestellt, dass eine Praxis, die von stillen Paradoxien getragen wird, nicht zerbrechlich sein muss. Durch Disziplin und Klarheit können solche Spannungen, so glaube ich, eine Quelle der Widerstandsfähigkeit werden.

Anton Kaestner