Agathe Toman - CLOUD #6 1/15

Dieses Werk gehört zur „COLLECTION PARTAGÉE“ des Künstlers.
Fotografie, gedruckt auf glänzendes Fine-Art-Papier mit Körnung. In Seignosse, Étang Blanc, Frankreich fotografiert. Frühjahr 2026

Das Foto wird euch gerollt zugesandt, es ist nicht gerahmt, und es wird eine Echtheitszertifikat beigelegt, vom Künstler ergänzt und signiert. Werk nummeriert, handschriftlich signiert, Vorder- und Rückseite. Fine-Art-Pigment-Digigraphie in höchster Qualität.
Agathe Toman ist seit 2021 bei Sotheby’s gelistet.

Biografie der Künstlerin:
Geboren 1989, französischer, österreichischer und tschechischer Herkunft, ist Agathe Toman eine französische multidisziplinäre Künstlerin, deren Talent sich von Malerei über Poesie bis hin zu Skulptur, Zeichnung und Fotografie erstreckt. Nach dem Studium an der renommierten Schule der Chambre Syndicale de la Couture Parisienne und mehreren Jahren als Stylistin in französischen Haute-Couture-Häusern in Paris, vor neun Jahren, verspürte Agathe das Bedürfnis, sich ausschließlich ihrer künstlerischen Schöpfung zu widmen.
Heute seit dreizehn Jahren in den Landes (Südwestfrankreich) ansässig, etabliert sie sich als aufstrebende Figur der zeitgenössischen Kunstszene, geschätzt sowohl national als auch international.

Seit 2021 bei Sotheby’s gelistet, wurden ihre Werke dreimal versteigert, was ihr schnelles Aufsteigen und die Akzeptanz in den Kreisen der prestigeträchtigen Kunstwelt belegt. Ihre bemerkenswerten Beiträge zu verschiedenen Ateliers, insbesondere zur Art Paris, haben ihr enormen Erfolg beschert und ihre Präsenz in zahlreichen privaten Sammlungen weltweit gefestigt.

Ihre Farbpalette bevorzugt tiefe Töne von Schwarz und Blau, ein dezenter Chromatismus in Bewegung. Ihre Gemälde verwenden reine Pigmente, Tinte, Ölfarben und Acrylfarben in einer überwältigenden Intensität, die darauf abzielt, verborgene Dinge wieder zu verknüpfen und den Betrachter aus dem Sichtbaren herauszuholen. Die Leinwand übt eine Kraft aus, die die Echo ihrer eigenen Erfahrungen annimmt.

Ihre Zeichnungen, mit dem Kugelschreiber Bic realisiert, tragen eine destabilisierende Anziehungskraft in sich.
Agathes Fotografien stören durch kaleidoskopische Abstraktionen, sie überfluten uns mit stillen Empfindungen, Erinnerungen an eine perfekte Schwerelosigkeit, die unserem Anfang vorausging.
Ihre Hunderte von Gedichten rhythmisieren ihr Universum mit einem lyrischen Charakter, der ihr Werk kennzeichnet. Ein erster Gedichtband mit dem Titel „You will have to learn to smile again“ erscheint im Winter 2024.

Über ihre künstlerische Praxis hinaus engagiert sich Agathe auch tief in der Untersuchung der Psychoanalyse in der Transaktionsanalyse, die sie seit vier Jahren in Paris verfolgt. Diese Erforschung bereichert ihren konzeptionellen Prozess und ermöglicht es ihr, sehr tiefe psychologische Dimensionen in ihre Kunst zu integrieren, die sich in dichten Schichten ausdrückt.

Agathe trennt Kunst nicht von ihrem gesellschaftlichen Engagement. Sie konzentriert sich in ihrer Arbeit auf zentrale Themen wie mentale Gesundheit, Umwelt und Bildung. Diese Reflexionsachsen sind nicht nur in ihrer Kunst präsent; sie sind ein integraler Bestandteil ihrer künstlerischen Identität und ihrer Persönlichkeit.

Ihre Arbeit wurde in mehreren renommierten Publikationen gewürdigt, darunter Forbes, L’Oeil und Elle, was ihren bemerkenswerten Einfluss im Bereich der zeitgenössischen Kunst markiert.

Agathe Toman fasziniert und inspiriert weiter ein globales Publikum und bietet durch ihre Werke ein Fenster zur Komplexität der menschlichen Erfahrung, so wie sie sie wahrnimmt und in Kunst verwandelt. Erfahrungen, die sie mit großer Großzügigkeit teilt.

"MEINE VISION:
Meine Arbeit erforscht die tiefen Verbindungen zwischen Psyche und Körper, webt Dialoge zwischen Geist und Materie. Ich hinterfrage ihre Funktionsweisen in ihrer Umgebung, die Verbindungen, die sie herstellen, und die Vibrationen, sowohl wahrnehmbar als auch unaussprechlich, die daraus entstehen.
Ich erkunde Themen wie Identität, Gedächtnis, menschliche Natur und die Beziehung des Individuums zu seiner Umwelt. Meine Werke sind von emotionaler Tiefe und einer gewissen Spannung geprägt und laden den Betrachter zu einer introspektiven Reflexion ein und öffnen einen Weg zum Unbewussten.

Ich verankere diesen Willen in der materialität meiner Werke: entschlossen abstrakt, in Monochromen, nuanciert, dort, wo Dunkelheit mit Klarheit koexistiert, Blau knistert im Kontakt mit Schwarz oder leuchtet allein. Wir befinden uns in der Abwesenheit/Anwesenheit von Licht.
Meine Gemälde, Installationen, Zeichnungen und Fotografien sind jeweils eine absolute Kreation, frei von Nachahmungen, ausgelöst von reiner Emotionalität, die das Erwachen des Unsichtbaren hervorruft; meine Werke werden zu Spiegeln dieser inneren Aspekte, die bisher unenthüllt blieben.

Eine präzise Übereinstimmung zwischen meinen Händen und den Pigmenten, Kohlestiften, dem Kugelschreiber und den Farben, durch das Ablagern von Materie auf Papier oder Leinwand. Meine Ausführungstechniken wiederholen sich nie, ein unkontrolliertes Ergebnis. Eine zunehmende Einzigartigkeit.

So arbeite ich daran, die Bewegung der Materie festzuhalten, die Dichte des Lichts zu spüren und mich hineinzuführen, um ein Selbst zu wecken.

Es gibt immer etwas, das man nicht vermutet hat. Etwas Unerwartetes. Diese unaussprechliche Intensität, stark angeregt, die uns gefesselt und übermannt. Wasser, Schwerkraft, Rinden – diese Allgegenwärtigkeiten verwandeln den Beobachter durch ihre Kraft. Das Auftauchen eines eindeutig einzigartigen Abdrucks, eine lyrische Abstraktion, meine Werke sind Selbstporträts, Porträts von Teilen von mir.
Ich sage, meine Kreationen seien „Materialisierungen psychischer Zustände“, menschliche Landschaften, Fäden meiner Seele, die andere in sich verschmelzen lassen.
Ihr Wert liegt nicht in der Ästhetik, sondern in den Vibrationen, die meine Werke beim Betrachter erzeugen. Zwei Empfindungen treffen aufeinander und sind nicht mehr zwei getrennte Identitäten. Es ist ein lebendiger Prozess. Das Werk transzendiert das Sofortige. Ich betrachte sie als aktive Wesen, die neue Verbindungen zwischen uns schaffen.

Der Betrachter wird seinerseits zum Schöpfer, erweckt das Werk in einer Alchemie psychischer Resonanzen zum Leben.

Ich fordere einen Weg zu einer neuen Sicht auf das eigene Sein, zu sich selbst, zur Welt und zu anderen.

Wenn der Betrachter sich nun einladen lässt, entstehen psychische Resonanzen, die übereinstimmen und sich in einer einzigen Symphonie vereinen; ein Dialog beginnt sich einzustellen, ein Rhythmus wird fühlbar. Eine Anamorphose der eigenen Seele zeichnet sich ab, ein unerfassbares Spiegelbild. Es ist eine poetische Erfahrung.
Eine intensive und kraftvolle Gegenwart. Eine anspruchsvolle Erfahrung.

Ich möchte, dass meine Werke den menschlichen Geist schärfen, die Seelen schärfen und dass die Emotionen darin einen Echo finden, dass Worte darin widerhallen.
Wichtig ist, was das Werk in uns mobilisiert, und das Ergebnis dieses Treffens.

„Psychischer Schmerz hängt mit allem zusammen, was dem Prozess der Subjektivierung der Symbolisierung entgeht. Wir leiden an dem, was psychisch blockiert ist oder auf psychische Einspeicherung wartet. Der Mensch leidet nicht nur wegen Ereignissen oder bestimmter Gedanken, sondern weil bestimmte Prozesse in ihm keinen Spiegel, kein Echo, kein Echo und kein Aufnahme finden und so ziellos bleiben.“ René Roussillon – Manuel de psychologie et de psychopathologie de clinique générale, Seite 146.