Agathe Toman - CLOUD #7 1/15

Dieses Werk gehört zur "GETEILTEN KOLLEKTION" des Künstlers.
Fotografie, gedruckt auf hochwertigem glänzendem Fine-Art-Papier mit Körnung. In Rom, Italien fotografiert. Frühjahr 2026

Das Fotomotiv wird Ihnen gerollt zugesandt, es wird nicht gerahmt, und es wird eine Echtheitszertifikat beigefügt, vom Künstler vervollständigt und signiert. Auf dem Vorder- und Rückenbereich signierte, nummerierte Arbeit. Fine-Art-Pigment-Digigraphie in höchster Qualität.
Agathe Toman ist seit 2021 bei Sotheby’s gelistet.

Biografie der Künstlerin:
Geboren 1989, französischer, österreichischer und tschechischer Abstammung, ist Agathe Toman eine französische multidisziplinäre Künstlerin, deren Talent von Malerei über Poesie bis hin zu Skulptur, Zeichnung und Fotografie reicht. Nach dem Studium an der renommierten École de la Chambre Syndicale de la Couture Parisienne und mehreren Jahren als Stylistin in französischen Haute-Couture-Häusern in Paris, vor neun Jahren, verspürte Agathe das Bedürfnis, sich ausschließlich auf ihre künstlerische Schöpfung zu konzentrieren.
Heute in den Landes (Les Landes) seit dreizehn Jahren ansässig, festigt Agathe sich als eine aufstrebende Figur der zeitgenössischen Kunstszene, sowohl national als auch international anerkannt.

Seit 2021 bei Sotheby’s geführt, wurden ihre Werke dreimal versteigert, was ihren raschen Aufstieg und die Akzeptanz in den Kreisen der angesehenen Kunstwelt belegt. Ihre bemerkenswerten Beiträge zu verschiedenen Galerien, insbesondere zur Art Paris, haben ihr enormen Erfolg eingebracht und ihre Präsenz in zahlreichen privaten Sammlungen weltweit gefestigt.

Agathes Palette bevorzugt tiefe Töne von Schwarz und Blau, eine diskrete Farbgebung in Bewegung. Ihre Gemälde verwenden reine Pigmente, Tuschen, Ölfarben und Acrylfarben von überwältigender Intensität, die darauf abzielen, Verbindung zu verborgenen Dingen herzustellen und den Betrachter aus dem Sichtbaren zu führen. Die Leinwand entfaltet eine Kraft und hört auf, sich nur an ihre eigenen Erfahrungen zu wenden.
Ihre Zeichnungen, erstellt mit einem Bic-Kugelschreiber, tragen eine destabilisierende Anziehungskraft in sich.
Agathes Fotografien beeindrucken durch kaleidoskopische Abstraktionen, sie überwältigen uns mit ruhigen Empfindungen, Erinnerungen an eine perfekte Schwerelosigkeit, die unserem Ursprung entsprachen.
Hunderttausende von Gedichten rhythmisieren ihr Universum mit einem lyrischen Charakter, der ihr Werk kennzeichnet. Ein erster Gedichtband mit dem Titel „You will have to learn to smile again“ erscheint im Winter 2024.

Über ihr künstlerisches Schaffen hinaus engagiert sich Agathe auch tief in der Untersuchung der Psychoanalyse in der Transaktionsanalyse, die sie seit vier Jahren in Paris verfolgt. Diese Erkundung bereichert ihren konzeptionellen Prozess und ermöglicht es ihr, sehr tiefe psychologische Dimensionen in ihre Kunst einfließen zu lassen, die von neuen Schichten durchdrungen wird.

Agathe trennt Kunst auch nicht von ihrem sozialen Engagement. Sie konzentriert sich in ihrer Arbeit auf zentrale Themen wie psychische Gesundheit, Umwelt und Bildung. Diese Reflexionsachsen sind nicht nur in ihrer Kunst präsent; sie sind ein integraler Bestandteil ihrer künstlerischen Identität und Persönlichkeit.

Ihr Werk wurde in mehreren renommierten Publikationen gewürdigt, darunter Forbes, L’Oeil und Elle, was ihren bemerkenswerten Einfluss im Bereich der zeitgenössischen Kunst markiert.

Agathe Toman fasziniert und inspiriert weiterhin ein globales Publikum und bietet durch ihre Werke ein Fenster zur Komplexität menschlicher Erfahrungen, so wie sie sie wahrnimmt und in Kunst verwandelt. Erfahrungen, die sie mit großer Großzügigkeit teilt.

"MEINE VISION:"
Meine Arbeit erforscht die tiefen Verbindungen zwischen Psyche und Körper, indem sie Dialoge zwischen Geist und Materie herstellt. Ich frage nach ihren Funktionsweisen in ihrer Umgebung, den Verbindungen, die sie eingehen, und den Schwingungen, sowohl wahrnehmbaren als auch unaussprechlichen, die daraus entstehen.
Ich erkunde Themen wie Identität, Gedächtnis, menschliche Natur und das Verhältnis des Individuums zu seiner Umwelt. Meine Werke tragen eine emotionale Tiefe und eine gewisse Spannung in sich, die den Betrachter zu einer introspektiven Reflexion einlädt und einen Weg ins Unbewusste öffnet.

Ich verankere diesen Willen in der materialitären Substanz meiner Werke: entschieden abstrakt, monochrom, nuanciert, dort, wo Dunkelheit mit Klarheit koexistiert, das Blau beim Kontakt mit dem Schwarz prickelt oder allein leuchtet. Wir befinden uns in der Abwesenheit/Anwesenheit von Licht.
Meine Malereien, Installationen, Zeichnungen und Fotografien sind jeweils eine absolute Schöpfung, jenseits jeder Nachahmung, rufen reine Emotionen hervor, lösen das Erwachen des Unsichtbaren aus; meine Werke werden so zu Spiegeln jener verborgenen inneren Aspekte.

Eine sorgfältige Abstimmung zwischen meinen Händen und Pigmenten, Kohlestiften, dem Kugelschreiber und den Farben, durch Ablegen von Materie auf Papier oder Leinwand. Meine Ausführungstechniken wiederholen sich niemals, ein unkontrolliertes Ergebnis. Eine gesteigerte Singularität.
So arbeite ich daran, die Bewegung der Materie festzuhalten, die Dichte des Lichts zu verdichten, von mir selbst darin zu investieren, zum Erwachen eines Selbst.

Es gibt immer etwas, das man nicht vermutet hat. Etwas Unerwartetes. Dieses unaussprechlich intensive, subtil angeregte, das uns gefangen nimmt und überwältigt. Wasser, Gravitation, Rinde, diese Allgegenwärtigkeiten, verwandeln den Beobachter durch ihre Kraft. Der Entwurf einer eindeutig einzigartigen Spur, eine lyrische Abstraktion; meine Werke sind Selbstporträts, Porträts von Teilen von mir.
Ich sage, dass meine Schöpfungen „Materilisierungen psychischer Zustände“ sind, menschliche Landschaften, Fäden meiner Seele, die auch andere dazu einladen, darin aufzugehen.
Ihr Wert liegt nicht im Ästhetischen, sondern in den Schwingungen, die meine Werke beim Betrachter erzeugen. Es sind zwei Empfindungen, die sich treffen und nicht mehr zwei getrennte Identitäten. Es ist ein lebendiger Prozess. Das Werk transzendiert das Nahe. Ich betrachte sie als aktive Wesen, die neue Verbindungen zwischen Uns und mir schaffen.

Der Betrachter wird seinerseits zum Schöpfer, erweckt das Werk in einer Alchemie psychischer Rezonanzen zum Leben.

Ich beginne einen Weg zu einer neuen Vision von ihrem Sein, sich selbst, der Welt und den anderen.

Wenn der Betrachter sich nun einladen lässt, entstehen psychische Resonanzen, die in einer gemeinsamen Symphonie übereinstimmen, ein Dialog beginnt sich einzustellen, ein Rhythmus spürbar wird. Eine Anamorphose ihrer Seele zeichnet sich ab, ungreifbares Spiegelbild. Es ist eine poetische Erfahrung.
Eine intensive und kraftvolle Gegenwart. Eine anspruchsvolle Erfahrung.

Ich möchte, dass meine Werke den menschlichen Geist schärfen, die Seelen schärfen und dass Emotionen dort ein Echo finden, dass Worte darin nachhallen.
Wichtig ist, was das Werk in uns mobilisiert und das Ergebnis dieses Kontakts.

„Psychisches Leiden hängt mit allem zusammen, was dem Prozess der subjektiven Symbolisierung entgeht. Wir leiden an dem, was psychisch blockiert ist oder darauf wartet, psychisch eingetragen zu werden. Der Mensch leidet nicht nur wegen Ereignissen oder bestimmten Gedanken, sondern weil bestimmte Prozesse in ihm keinen Spiegel, kein Echo, keine Hörer, kein Aufnahmesystem gefunden haben und thus in der Wanderschaft bleiben.“ Rudolf Roussillon - Manual der Psychologie und der Klinischen Pathologie der Allgemeinen Klinik, Seite 146.