Agathe Toman - CLOUD #2 15/15

Dieses Werk gehört zur „Geteilten Kollektion“ des Künstlers.
Fotografie auf hochwertigem Glanzpapier im Fine Art Pigmentdruck mit körniger Textur. Fotografiert in Hossegor, Frankreich. Sommer 2021.
Das Fotografie wird dir gerollt zugesandt, sie wird nicht gerahmt geliefert, und es wird ein Echtheitszertifikat beigefügt, ausgefüllt und vom Künstler signiert. Auflage, handsigniert, Vorder- und Rückseite. Hochwertiger Fine-Art-Druck im Pigmentdigigraphieverfahren.
Agathe Toman ist seit 2021 bei Sotheby’s vertreten.

Biografie der Künstlerin:
Geboren 1989, französischer, österreichischer und tschechischer Herkunft, ist Agathe Toman eine französische multidisziplinäre Künstlerin, deren Talent von Malerei über Poesie bis hin zu Skulptur, Zeichnung und Fotografie reicht. Nach dem Studium an der renommierten École de la Chambre Syndicale de la Couture Parisienne und mehrjähriger Tätigkeit als Stylistin in französischen Haute-Couture-Häusern in Paris spürte Agathe vor neun Jahren die Notwendigkeit, sich ausschließlich der künstlerischen Schöpfung zu widmen.
Seit dreizehn Jahren in den Landes (Les Landes) ansässig, etabliert sich Agathe heute als aufstrebende Figur der zeitgenössischen Kunstszene, sowohl national als auch international geschätzt.

Seit 2021 bei Sotheby’s notiert, wurden ihre Werke dreimal versteigert, was ihren schnellen Aufstieg und die Akzeptanz in prestigeträchtigen Kunstkreisen bezeugt. Ihre bemerkenswerten Beiträge zu verschiedenen Ausstellungen, insbesondere Art Paris, haben ihr enormen Erfolg eingebracht und ihre Präsenz in zahlreichen privaten Sammlungen weltweit gefestigt.

Ihr Palettenbereich bevorzugt tiefe Schwarztöne und Blautöne, ein diskreter Chromatismus in Bewegung. Ihre Gemälde verwenden reine Pigmente, Tinte, Ölfarben und Acrylfarben von überwältigender Intensität, die darauf abzielen, Verbindungen zu verborgenen Dingen herzustellen und den Betrachter aus dem Sichtbaren zu führen. Die Leinwand übt eine Kraft aus, die ihren eigenen Erfahrungen Echo verleiht.
Ihre Zeichnungen, mit dem Kugelschreiber Bic realisiert, tragen eine destabilisierende Anziehungskraft in sich.
Agathes Fotografien verwirren durch kaleidoskopische Abstraktionen; sie überfluten uns mit ruhigen Empfindungen, Erinnerungen an perfekte Schwebezustände, die unserem Anfang entsprachen.
Hunderte ihrer Gedichte rhythmisieren ihr Universum mit einem lyrischen Charakter, der ihr Werk kennzeichnet. Ein erster Gedichtband mit dem Titel „You will have to learn to smile again“ erscheint im Winter 2024.

Über ihre künstlerische Praxis hinaus ist Agathe auch tief in die Studie der Psychoanalyse in der transaktionalen Analyse involviert, die sie seit vier Jahren in Paris verfolgt. Diese Erforschung bereichert ihren konzeptionellen Prozess und ermöglicht es ihr, sehr tiefe psychologische Dimensionen in ihre Kunst zu integrieren, die von neuen Schichten geprägt ist.

Agathe trennt Kunst nicht von ihrem sozialen Engagement. Sie konzentriert sich in ihrem Werk auf zentrale Themen wie psychische Gesundheit, Umwelt und Bildung. Diese Reflexionsachsen sind nicht nur in ihrer Kunst präsent; sie sind ein integraler Bestandteil ihrer künstlerischen Identität und ihrer Persönlichkeit.

Ihr Werk wurde in mehreren bedeutenden Publikationen gewürdigt, darunter Forbes, L’Oeil und Elle, was ihren bemerkenswerten Einfluss im Bereich der zeitgenössischen Kunst markiert.

Agathe Toman fasziniert und inspiriert weiterhin ein globales Publikum und bietet durch ihre Werke ein Fenster zur Komplexität der menschlichen Erfahrung, so wie sie sie wahrnimmt und in Kunst verwandelt. Erfahrungen, die sie mit großer Großzügigkeit teilt.

„MEINE VISION:
Meine Arbeit erforscht die tiefen Verbindungen zwischen Psyche und Körper, webt Dialoge zwischen Geist und Materie. Ich frage nach ihren Funktionsweisen in ihrer Umwelt, den Verbindungen, die sie herstellen, und den Vibrationsformen, die entstehen – sowohl wahr- als auch unaussprechliche.
Ich erforsche Themen wie Identität, Erinnerung, menschliche Natur und die Beziehung zwischen Individuum und Umwelt. Meine Werke tragen eine emotionale Tiefe und eine gewisse Spannung in sich, die den Betrachter zu einer introspektiven Reflexion einladen und einen Weg ins Unbewusste öffnen.

Ich verankere diesen Willen in der Materialität meiner Werke: entschieden abstrakt, monochrom, nuanciert, dort, wo Dunkelheit mit Klarheit zusammenlebt, das Blau am Kontakt mit dem Schwarz knistert oder sich von selbst erleuchtet. Wir befinden uns im Sein/Fehlen von Licht.
Meine Gemälde, Installationen, Zeichnungen und Fotografien sind jeweils eine absolute Schöpfung, frei von jeglicher Nachahmung, fördern echte Emotionen, lösen das Erwachen des Unsichtbaren aus; meine Werke werden so zu Spiegeln dieser inneren, noch nicht gezeigten Aspekte.

Eine sorgfältige Abstimmung zwischen meinen Händen und Pigmenten, Kohle, Kugelschreiber und Farben, durch das Ablagern von Materie auf Papier oder Leinwand. Meine Ausführungstechniken wiederholen sich niemals, ein unkontrolliertes Ergebnis. Eine zunehmende Einzigartigkeit.
So arbeite ich daran, die Bewegung der Materie festzuhalten, die Dichte des Lichts zu erfassen und sie mit mir zu durchdringen, um ein Erwachen eines Ich zu bewirken.

Es gibt immer etwas, das man nicht ahnte. Etwas Unerwartetes. Dieses unaussprechlich Intensivierte, subtil angesteckte, das uns gefangen nimmt und überwältigt. Wasser, Gravitation, Rinde – diese Allgegenwärtigkeiten metamorphosieren den Beobachter durch ihre Kraft. Der Entwurf einer eindeutig einzigartigen Spur entsteht, eine ly rische Abstraktion; meine Werke sind Selbstporträts, Porträts von Teilen von mir.
Ich sage, meine Kreationen seien „Materialisierungen psychischer Zustände“, menschliche Landschaften, Fäden meiner Seele, die andere dazu einladen, sich darin zu verweben.
Ihr Wert liegt nicht im Ästhetischen, sondern in den Vibrationen, die meine Werke im Blicklichen hervorrufen. Es sind zwei Empfindungen, die sich treffen, nicht mehr zwei getrennte Identitäten. Es ist ein lebendiger Prozess. Das Werk transzendiert das Sofortige. Ich betrachte sie als aktive Wesen, die neue Verbindungen zwischen uns schaffen.

Der Betrachter wird seinerseits zum Schöpfer, der dem Werk in einer Alchemie psychischer Resonanzen Leben verleiht.

Ich beginne einen Weg zu einer neuen Sicht auf Sein, auf sich selbst, auf die Welt und auf andere.

Wenn der Betrachter sich nun einladen lässt, entstehen psychische Resonanzen, die in einer einzigen Symphonie übereinstimmen und sich anpassen; ein Dialog beginnt sich einzustellen, ein Rhythmus wird spürbar. Eine Anamorphose seiner Seele zeichnet sich ab, ein unaussprechliches Spiegelbild. Es ist eine poetische Erfahrung. Eine intensive und kraftvolle Gegenwart. Eine anspruchsvolle Erfahrung.

Ich möchte, dass meine Werke den menschlichen Geist schärfen, die Seelen anrühren und dass die Emotionen dort ein Echo finden, dass Worte dort widerhallen.
Wichtig ist, was das Werk in uns mobilisiert und das Ergebnis dieses Treffens.

„Psychischer Schmerz ist mit allem verbunden, was dem Prozess der subjektiven Symbolisierung entgeht. Wir leiden an dem, was psychisch blockiert ist oder darauf wartet, psychisch eingetragen zu werden. Der Mensch leidet nicht nur wegen Ereignissen oder bestimmter Gedanken, sondern weil bestimmte Prozesse in ihm keinen Spiegel, kein Echo, keine Zuhörung, kein Empfang gefunden haben und so in der Irrfahrt bleiben.“ René Roussillon – Manuel de psychologie et de psychopathologie de clinique générale, Seite 146.