Anton Kaestner - #391 - S - " Chromatic MR13 ".

Unikat, originales Gemälde von Anton Kaestner, direkt aus dem Atelier.
#391 – S – "Chromatic MR13".

Acrylspray auf 3 mm Plexiglasplatte.
Dieses Bild ist kein Druck. Es handelt sich um ein originales Werk mit "Multi-Schicht"-Technik, dessen brillantes, glänzendes Finish, das an den Auftrag von Resin erinnert, einzigartig ist.
Transparenz auf dem Druck.

Abmessungen: 9,1" x 12,6" x 0,12" / 23 x 32 x 0,3 cm rahmenlos.

Dieses Bild wird ohne Rahmen geliefert.
Rahmen von hoher Qualität der deutschen Marke Nielsen aus Aluminium, Referenz 34 (9 x 1,38 Zoll / 0,6 x 3,5 cm) empfohlen und bei Versand gegen einen Aufpreis von 70 € inklusive MwSt. erhältlich.

Das Kunstwerk ist auf der Rückseite signiert.
Eine Echtheitszertifizierung begleitet das Werk.
Der Versand ist durch eine Versicherung abgedeckt.

Anton Kaestner ist ein Schweizer Maler, Bildhauer und Autor mit Sitz in Paris. Seine Werke werden in ganz Europa, der Schweiz und Dubai ausgestellt. Weitere Informationen und Auswahl unter www.antonkaestner.com.

Nächste Ausstellung – Lausanne, 7.–10. Mai 2026.

Biografie

Geboren in Genf, Schweiz, wuchs ich in einer Umgebung auf, die die natürliche Schönheit und kulturelle Vielfalt meiner Heimat betonte. Kreativität wurde in meiner Familie geschätzt, und es war mein verstorbener Großvater, ein Handwerker und Künstler, dessen Einfluss den Grundstein für das legte, was schließlich meine Lebensleidenschaft werden sollte.
1993 begann ich privat zu malen, experimentierte mit unzähligen Acrylfarben in A4- und später A3-Notizbüchern – ich hatte immer das Gefühl, dass große Bilder einen direkt anfallen, dominierend und einschüchternd wirken, während kleine Arbeiten viel mehr Liebe inspirieren können. Zunächst zog mich nicht-figurative Malerei und abstrakter Expressionismus an.
Mit der Zeit, und obwohl ich mich als Atheisten betrachte, entwickelte ich auch eine Vorliebe für spirituelle Materialien, da sie mit meiner Erforschung des menschlichen Daseins und der tieferen Wahrheiten von Natur und Leben resonierten.

Der Weg, wirklich Künstler zu werden, war jedoch nicht sofort klar.
Über drei Jahrzehnte verfolgte ich eine internationale Geschäftskarriere, die mich rund um den Globus führte – von den Vereinigten Staaten bis Marokko, Belgien, durch ganz Asien und Frankreich. Meine Reisen erweiterten meinen Horizont und setzten mich einer breiten Palette kultureller Einflüsse aus. Wohin ich auch ging, ich tauchte in die lokale Kunstszene ein und nahm die kreative Energie jedes Ortes auf.
Trotz des Fokus auf meine Geschäftskarriere war die Kunst immer Teil von mir, still köchelnd unter der Oberfläche. Fast 30 Jahre lang wurde Malerei zu einer Form stiller Meditation – eine Möglichkeit, aus der Welt auszubrechen und mich auf mein inneres Selbst zu konzentrieren.

Ich habe immer große Zufriedenheit im Malen gefunden. Jedes neue Werk ist eine Reise, bei der ich meine Kreativität testen, neue Techniken erkunden und echte Erfahrungen durchleben kann. Durch meine Kunst hoffe ich stets, anderen eine ehrliche Begegnung mit Schönheit zu bieten, eine Gelegenheit, die Welt aus einer anderen Perspektive zu sehen und über das eigene Leben nachzudenken.

Im Jahr 2023, nach dem Rücktritt aus meiner Geschäfts-karriere, habe ich mich ganz dem Malen gewidmet. Ich gründete mein Studio in Paris und widmete mich von da an völlig meiner Kunst. Bis Ende 2024 startete ich meine öffentliche künstlerische Laufbahn, und zu meiner Überraschung gewann meine Arbeit rasch Anerkennung und fand in Privatsammlungen in ganz Europa, insbesondere in Deutschland, Portugal, Belgien, Italien und den Niederlanden, neue Zuhause.

Ende 2025 zog ich in ein größeres Studio in einer leerstehenden Sakristei in Lisieux, Normandie.

Künstlerischer Lebenslauf

Meine erste Soloausstellung, "Échos", Ende 2024 in Paris, zeigte einen ungewöhnlichen Zugang zur Kunst, abseits traditioneller Maltechniken: Ich male mit Acryl, metallischen Pigmenten und Sprays auf der Rückseite von recyceltem extrudiertem Plexiglas (Perpex), einer leichten, glatten, glänzenden und manchmal fragilen Oberfläche. Dieser Prozess verhindert, dass ich das Werk bereits während der Entwicklung sehe. Ich habe kein visuelles Feedback oder Kontrolle während des Schaffens – etwas, das ich begrüße. Ich lasse “zufällige Experimente” – alles geht, um den Verstand zu überbrücken! – den Ausgang, die Schichten & Spiegelwirkungen lenken und lasse Raum für Offenbarung und Entdeckung, wenn das Stück schließlich ausgestellt wird. Aber klar: In meinen Bildern trifft Zufall nie die Entscheidungen; höchstens stellt Zufall Fragen; sinnvolle „Zufälle“ sind nur mit großer Disziplin möglich. Dieser Ansatz, der mit dem Offenbarungs-/Fixierungsprozess der Fotografie mitschwingt, ist herausfordernd und befreiend. Die Wertigkeit der Komposition wird durch Schichten und Transparenzen bereichert und verleiht jedem Werk eine „Asketik“-Qualität: Ich bin glücklich, wenn ich irreduzible Notwendigkeiten erkenne, also das, was wir möglicherweise entdecken, wenn wir still und im Licht innehalten.

Ich halte meinen Ansatz bewusst einfach. Weder „Emotion“ noch „theoretische Konzeption“, sondern Erfahrung des Seins. Weder „schneller Konsum“ noch „Intellektualisierung / intellektueller Besitz“, sondern Erweiterung des Bewusstseins und Erforschung der Realität, ihrer sichtbaren und unsichtbaren Geschichten; meine Kunst ist eine Suche nach dem „Leben im Kern des Lebens“, dem, was Alain Damasio als „le vif“ bezeichnet. Obwohl Nostalgie schon immer Teil meiner Arbeit war, sind meine Gemälde ohne Objekt. Wie alle Objekte sind sie Objekte an sich. Folglich haben sie weder Inhalt, noch Bedeutung, noch Sinn; sie sind wie Dinge, Bäume, Tiere, Menschen oder Tage, die ebenfalls weder Grund zu Sein noch Ziel noch Zweck haben. Während meine Arbeit gelegentlich die Transparenz und Leuchtkraft gotischer Glasfenster heraufbeschwört, bleibt sie fast vollständig abstrakt. Zudem verleiht Plexiglas dem Bild eine schimmernde Haut, hinter der man die eigene Silhouette erhaschen kann, verschieden für jeden neuen Betrachter. Jedes Werk wirkt wie ein diskreter Spiegel: Es lebt, es verändert sich, es sieht. Das Zusammenspiel von Licht, Farbe und Textur, von den fehlenden Teilen verlangt nur Empathie. Hoffentlich wird der Reiz des Nahs-„Details“ – ein Detail eines Bildes ist ein völlig neues Bild – und der Abstand zum Ganzen den Betrachtern helfen, ihre eigenen introspektiven Reisen zu beginnen.

Ich behaupte nicht, alle Antworten zu haben, und möchte dem, was erreicht werden kann, gegenüber bescheiden bleiben. Einfach gesagt finde ich Befriedigung im fortlaufenden Fragen und Wachsen. Jedes neue Schaffen ist eine Konfrontation mit meinen Grenzen, die mich dazu antreibt, meine Fähigkeiten zu verfeinern und weiter zu erforschen, was ich erreichen kann. Malerei ist für mich ein tägliches Handwerk, eine Erkundung, eine Möglichkeit, bedeutsame Gespräche zu entfachen, eine Suche nach einer Farbe, die so perfekt ist, dass sie uns nicht braucht. Das Zeitalter des Informellen hat gerade erst begonnen.

Wie Jean Bazaine sagen würde: "Die tägliche Praxis vervielfacht die Leidenschaft fürs Sehn."

Zur Kohärenz in meiner Praxis

In der Landschaft der zeitgenössischen Kunst, in der Konzept und Form gleiches Gewicht haben, suche ich nach Werken, die nicht durch Bedeutung, sondern durch Gegenwart definiert sind. Meine Gemälde – schimmernde Felder aus Farbe und Licht im Plexiglas – sind das ruhige Ergebnis einer langen, bewussten Untersuchung. Für mich liegt der wahre Fokus weniger im Endbild als im stillen Zusammenspiel von Gedanke und Prozess, das seine Entstehung ermöglicht.

Diese Praxis fußt auf drei aufeinander ausgerichteten Absichten.

Die erste ist eine Rückzugs-Entscheidung von aufgezwungener Bedeutung. Indem ich die Werke als „ohne Objekt“ und mit „weder Inhalt, noch Bedeutung, noch Sinn“ beschreibe, hoffe ich, die Erwartung einer Erzählung sanft zu lösen. Es ist eine Einladung, sich vom Dekodieren zu lösen und zu einer direkteren Art des Hinsehens zu gelangen.

Dies führt zur zweiten Absicht: Die Vorherrschaft gelebter Erfahrung. In diesem offenen Raum versuche ich, das einzubringen, was ich als eine „Erfahrung des Seins“ bezeichne. Das Werk wird weniger zu einem Objekt, das interpretiert werden muss, als zu einem stillen Ereignis, das gefühlt wird – geformt durch wechselndes Licht, durchscheinende Schichten und das schwache Spiegelbild des Zuschauers, der seinem eigenen Blick begegnet. Wie oft erwähnt, „lebt das Stück, es verändert sich, es sieht.“

Die dritte ist dort, wo Idee und Hand zusammentreffen: Prozess als verkörperter Gedanke. Malen auf der Rückseite von Plexiglas, ohne visuelles Feedback zu arbeiten, ist eine physische Praxis des Loslassens. Es ist ein bewusster Kontrollverlust im Schaffensakt. Ich setze Bedingungen, überlasse aber dem Ergebnis, sodass das Gemälde zu dem wird, was ich ein unabhängiges „Objekt an sich“ nenne, das erst vollständig offenbart wird, wenn es abgeschlossen ist. Es ist ein stiller Parallelprozess zur fotografischen Entwicklung – ein geduldiges Warten auf das, was hier und jetzt entsteht.

Diese Absichten tragen einige sanfte Paradoxien, die die Arbeit tragen:

Chance und Disziplin
Ich spreche von sinnvollen „Zufällen“, doch sie sind nur innerhalb sorgfältiger Grenzen möglich. Chance ist ein willkommener Gast, aber die Struktur wird behutsam aufgebaut.

Kommunikation ohne Botschaft
Ich hoffe, through Werke, die ich sinnlos nenne, etwas zu COMMUNICATE. Vielleicht ist geteilt nicht eine Aussage, sondern ein Zustand – eine Textur aus Licht, eine stille Gegenwart, eine spürbare Ruhe.

Nostalgie für die Gegenwart
Eine sanfte Nostalgie schwingt in der Arbeit mit, zielt aber merkwürdigerweise auf das Jetzt: Sehnsucht nach den „unverrückbaren Notwendigkeiten“, gefunden in „Stille und Licht“ – der Wunsch nach reiner Gegenwart, die die Arbeit selbst still anbietet.

Anstrengung und Mühelosigkeit
Der Prozess erfordert konzentrierte Aufmerksamkeit, zielt jedoch auf ein Ergebnis ab, das autonom wirkt, als sei es „aus eigenem Antrieb entstanden“. Ich neige dazu, das zu bevorzugen, was sich als unausweichlich anfühlt.
In diesem Geist habe ich das Gefühl entwickelt, dass „das Zeitalter des Informellen gerade erst beginnt“. Meine Praxis ist dem Geist des Art Informel verpflichtet, vielleicht mit weniger Leidensdruck und mehr Gelassenheit – eine Informalität, in der Zufall keine Unterbrechung, sondern ein stiller Mitarbeiter ist.

Im Kern geht es um die Suche nach dem „le vif“ – dem lebendigen Kern. Die Arbeit neigt zu direkter Erfahrung statt zur Intellektualisierung. Der oft gewählte, übersichtliche Maßstab soll die Intimität fördern, nicht die Spektakel.
Letztlich ist dies einfach der Weg eines einzelnen Künstlers. Meine Biografie, mein Prozess und meine Reflexionen sind keine separaten Fäden, sondern Teile einer einzigen Verfolgung. Ich habe festgestellt, dass eine Praxis, die auf stillem Paradoxon basiert, nicht zerbrechlich sein muss. Durch Disziplin und Klarheit können solche Spannungen, so glaube ich, eine Quelle der Resilienz werden.

Anton Kaestner