Anton Kaestner - #396 - S - " Glass Horizon 2 ".

Unikat, Originalgemälde von Anton Kaestner, direkt aus dem Atelier.
Mein allererstes Glasgemälde, ein Glas, das 1994 in Marokko recycelt wurde.
#396 - S - " Glass Horizon 2 ".

Sprühacrylgemälde auf Glasplatte (Marokko 1994) aus 3 mm.
Dieses Gemälde ist keine Reproduktion. Es handelt sich um ein originales "Multi-Schichten"-Werk mit einem brillanten, glänzenden Finish, das dem Auftrag einer Harzbeschichtung gleicht und einzigartig ist.

Abmessungen : Zoll 9,3 * 9,8 * 0,12 / 23,5 * 25 * 0,3 cm ohne Rahmen.

Dieses Gemälde wird ohne Rahmen geliefert.
Rahmen von Qualitätsmarke Nielsen aus Aluminium, Referenz 34 (Zoll 0,23 * 1,38 / 0,6 * 3,5 cm) empfohlen und bei Versand für zusätzlich 60€ inkl. MwSt. verfügbar.

Das Werk ist rückseitig signiert.
Eine Echtheitbescheinigung begleitet es.
Der Versand ist durch eine Versicherung abgesichert.

Anton Kaestner ist ein Schweizer Maler, Bildhauer und Autor mit Sitz in Paris. Seine Werke werden in ganz Europa, in der Schweiz und in Dubai ausgestellt. Weitere Informationen und eine Auswahl finden Sie unter www.antonkaestner.com.

Nächste Ausstellung – Lausanne, 7.–10. Mai 2026.

Biografie

Geboren in Genf, Schweiz, wuchs ich in einer Umgebung auf, die von der natürlichen Schönheit und kulturellen Vielfalt meiner Heimat geprägt war. Kreativität wurde in meiner Familie geschätzt, und es war mein verstorbener Großvater, ein Handwerker & Künstler, dessen Einfluss den Samen für das legte, was schließlich zu meiner Lebensleidenschaft werden sollte.
1993 begann ich privat zu malen, probierte unzählige Acrylfarben in A4- und dann A3-Notizbüchern aus – ich habe immer das Gefühl gehabt, dass große Bilder direkt auf dich zukommen, dominierend und einschüchternd, während kleine Werke viel mehr Liebe inspirieren können. Zunächst fühlte ich mich zur nicht-figurativen Malerei und zum abstrakten Expressionismus hingezogen.
Mit der Zeit entwickelte ich, obwohl ich mich als Atheist betrachte, auch eine Vorliebe für spirituelle Materialien, da sie mit meiner Erkundung der menschlichen Existenz und den tieferen Wahrheiten von Natur und Leben in Resonanz stehen.

Der Weg, wirklich Künstler zu werden, war jedoch nicht sofort gegeben.
Über drei Jahrzehnte verfolgte ich eine internationale Geschäftskarriere, die mich um die Welt führte – von den Vereinigten Staaten bis nach Marokko, Belgien, durch Asien und Frankreich. Meine Reisen erweiterten meinen Blick, ließen mich einer Vielzahl kultureller Einflüsse begegnen. Wohin ich auch ging, tauchte ich in die lokale Kunstszene ein und ließ mich von der kreativen Energie jedes Ortes mitreißen.
Trotz der Fokussierung auf meine Geschäfts kariere war Kunst immer Teil von mir, still vor dem Hintergrund simmernd. Fast dreißig Jahre lang wurde Malen zu einer Form stiller Meditation – eine Möglichkeit, aus der Welt auszubrechen und mich meinem inneren Selbst zuzuwenden.

Ich habe immer große Befriedigung im Malen gefunden. Jedes neue Werk ist eine Reise, auf der ich meine Kreativität testen, neue Techniken erforschen und echte Erfahrungen durchleben kann. Durch meine Kunst hoffe ich, anderen eine ehrliche Begegnung mit Schönheit zu ermöglichen, die Welt aus einer anderen Perspektive zu sehen und über das eigene Leben nachzudenken.

Im Jahr 2023, nach dem Rücktritt aus meiner Geschäftskarriere, habe ich mich voll dem Malen verschrieben. Ich habe mein Atelier in Paris eingerichtet und mich ganz meiner Kunst gewidmet. Bis Ende 2024 startete ich meine öffentliche künstlerische Karriere, und zu meiner Überraschung gewann meine Arbeit schnell Anerkennung und fand in Private Collections in ganz Europa Heimat, besonders in Deutschland, Portugal, Belgien, Italien und den Niederlanden.

Ende 2025 zog ich in ein größeres Atelier in einer leerstehenden Sakristei in Lisieux, Normandie.

Künstlerischer Lebenslauf

Meine erste Solo-Ausstellung, "Échos", Ende 2024 in Paris, zeigte einen einzigartigen Zugang zur Kunst, fernab traditioneller Maltechniken: Ich male mit Acryl, Metallpigmenten und Sprays auf der Rückseite recycelten Extrusionsplexiglasses (Perspex), einer leichten, glatten, glänzenden und manchmal zerbrechlichen Oberfläche. Dieser Prozess verhindert, dass ich das Werk während der Entstehung sehe. Ich habe während des Prozesses kein visuelles Feedback oder Kontrolle – etwas, das ich begrüße. Ich lasse "zufällige Experimente" – alles erlaubt – die Vernunft zu umgehen – den Ausgang, die Schichten & Spiegelungen, die ich schaffe, zu lenken und Spielraum für Offenbarung und Entdeckung zu lassen, wenn das Stück schließlich ausgestellt wird. Aber lassen Sie uns klarstellen: In meinen Bildern trifft Zufall keine Entscheidungen; höchstens stellt er Fragen; sinnvolle "Zufälle" sind nur mit großem Disziplin möglich. Dieser Ansatz, der mit dem Offenbarungs-/Fixierungsprozess der Fotografie mitschwingt, ist herausfordernd und befreiend. Die Werte der Komposition werden durch Schichten und Transparenzen bereichert und verleihen jedem Werk eine "asketische" Qualität: Ich bin zufrieden, wenn ich vermeidbare Notwendigkeiten erkenne, d. h. das, was wir wahrscheinlich entdecken, wenn wir still und lichtvoll innehalten.

Ich halte meinen Ansatz absichtlich einfach. Weder "Gefühl" noch "theoretische Konzeption", sondern das Erlebnis des Seins. Weder "schneller Konsum" noch "Intellektualisierung / intelleller Besitz", sondern Erweiterung des Bewusstseins und Erforschung der Realität, ihrer sichtbaren und unsichtbaren Geschichten, meine Kunst ist eine Suche nach dem "Leben im Kern des Lebens", nach dem, was Alain Damasio als "le vif" bezeichnet. Obwohl Nostalgie schon immer Teil meiner Arbeit war, sind meine Gemälde ohne Objekt. Wie alle Objekte sind auch sie Objekte für sich. Folglich haben sie weder Inhalt, noch Bedeutung, noch Sinn; sie sind wie Dinge, Bäume, Tiere, Menschen oder Tage, die ebenfalls weder Grund zu sein noch Ende oder Zweck haben. Während meine Arbeit manchmal die Transparenz und Leuchtkraft von Buntglas hervorruft, bleibt sie fast vollständig abstrakt. Zudem verleiht Plexiglas dem Gemälde eine schimmernde Haut, hinter der man die eigene Silhouette erkennen kann – verschieden bei jedem neuen Betrachter. Jedes Werk wirkt wie ein diskreter Spiegel: Es lebt, es verändert sich, es sieht. Das Zusammenspiel von Licht, Farbe und Textur, auch von den fehlenden Teilen, erfordert nur Empathie. Hoffentlich wird der Dialog zwischen "Details für die Nähe" – ein Detail eines Bildes ist ein völlig neues Bild – und "Distanz für das Ganze" die Betrachter dazu anregen, eigene introspektive Reisen zu beginnen.

Ich behaupte nicht, alle Antworten zu haben, und möchte dem, was erreicht werden kann, gegenüber bescheiden bleiben. Einfach gesagt finde ich Befriedigung im kontinuierlichen Prozess des Fragens und Wachsens. Jedes neue Schaffen ist eine Konfrontation mit meinen Grenzen, die mich dazu antreibt, meine Fähigkeiten zu verfeinern und weiter zu erforschen, was ich erreichen kann. Malen ist für mich eine tägliche handwerkliche Tätigkeit, eine Erforschung, ein Weg, sinnvolle Gespräche zu entfachen, eine Suche nach einer Farbe so perfekt, dass sie uns nicht mehr braucht. Das Zeitalter des Informellen hat gerade erst begonnen.

Wie Jean Bazaine sagen würde: "Die tägliche Praxis multipliziert die Leidenschaft fürs Sehen."

Über die Kohärenz in meiner Praxis

Im Panorama der zeitgenössischen Kunst, in dem Konzept und Form gleiches Gewicht haben, strebe ich danach, Werke zu schaffen, die nicht durch Größe, sondern durch Präsenz definiert werden. Meine Gemälde – schimmernde Farb- und Lichtfelder innerhalb von Plexiglas – sind die ruhigen Ergebnisse einer langen und absichtlichen Forschung. Für mich liegt der wahre Fokus weniger im endgültigen Bild als im stillen Zusammenspiel von Gedanke und Prozess, das es ihm ermöglicht, sich zu entfalten.

Diese Praxis fußt auf drei ausgerichteten Absichten.

Die erste ist ein Rückzug aus erzwungener Bedeutung. Indem ich die Werke als "ohne Objekt" beschreibe und sie "weder Inhalt, noch Bedeutung, noch Sinn" haben, hoffe ich, die Erwartung einer Erzählung sanft zu lockern. Es ist eine Einladung, dem Entschlüsseln aus dem Weg zu gehen und zu einer direkteren Art des Seins-Lassens zu finden.

Dies führt zur zweiten Absicht: Die Primarität der gelebten Erfahrung. In diesen offenen Raum stelle ich, was ich als eine "Erfahrung des Seins" halte. Das Werk wird weniger zu einem Objekt zur Interpretation als zu einem stillen Ereignis des Fühlens — geformt durch wechselndes Licht, durchscheinende Schichten und das schwache Spiegeln des Betrachters, der sich selbst gegenübersteht. Wie oft bemerkt, "lebt, es verändert sich, es sieht."

Die dritte ist der Schnittpunkt von Idee und Hand: Prozess als verkörperter Gedanke. Malen auf die Rückseite von Plexiglas, ohne visuelles Feedback zu arbeiten, ist eine physische Praxis des Loslassens. Es ist eine bewusste Freigabe der Kontrolle im Akt des Schöpfens. Ich setze Bedingungen, lasse das Ergebnis jedoch dem Werk überlassen und lasse es zu dem werden, was ich ein unabhängiges "Objekt an sich" nenne, das erst vollständig offenbart wird, wenn es abgeschlossen ist. Es ist ein stiller Parallelprozess zur fotografischen Entwicklung – ein geduldiges Warten auf das, was hier und jetzt ankommt.

Diese Absichten tragen einige sanfte Paradoxien, die die Arbeit tragen:

Zufall und Disziplin
Ich spreche von "bedeutungsvollen Koinzidenzen", aber sie sind nur innerhalb sorgfältiger Grenzen möglich. Zufall ist ein willkommener Gast, doch die Struktur wird sorgsam aufgebaut.

Kommunikation Ohne Botschaft
Ich hoffe, durch Werke zu "kommunizieren", die ich als bedeutungslos bezeichne. Vielleicht ist das Gemeinsame nicht eine Aussage, sondern ein Zustand – eine Textur von Licht, eine stille Gegenwart, eine greifbare Stille.

Nostalgie für die Gegenwart
Eine sanfte Nostalgie schwingt in der Arbeit mit, doch sie zielt merkwürdigerweise auf das Jetzt: eine Sehnsucht nach den "unverrückbaren Notwendigkeiten" von "Stille und Licht" – der Wunsch nach reiner Gegenwart, die die Arbeit selbst still bietet.

Anstrengung und Mühelose
Der Prozess erfordert stetige Aufmerksamkeit, zielt jedoch auf ein Ergebnis ab, das autonom wirkt, als ob es "aus eigenem Antrieb entstanden" wäre. Ich fühle mich zu dem hingezogen, was sich als vollkommen unvermeidlich anfühlt.
In diesem Geist habe ich das Gefühl entwickelt, dass "das Zeitalter des Informellen gerade erst begonnen hat." Meine Praxis verdankt sich dem Geist des Art Informel, wenn auch vielleicht mit weniger Schmerz und mehr Ruhe – eine Informalität, in der Zufall kein Bruch ist, sondern ein ruhiger Mitstreiter.

Im Kern geht es um die Suche nach dem "le vif" – dem lebendigen Kern. Die Arbeit neigt sich eher zur direkten Erfahrung als zur Intellektualisierung. Die oft gewählte überschaubare Größe soll Intimität fördern, kein Spektakel. Letztlich ist dies einfach der Weg eines einzelnen Künstlers. Meine Biografie, meine Prozesse und meine Reflexionen sind keine getrennten Fäden, sondern Teile einer einzigen Verfolgung. Ich habe festgestellt, dass eine Praxis, die in ruhigen Paradoxien verwurzelt ist, nicht zerbrechlich sein muss. Durch Disziplin und Klarheit können sich solche Spannungen - so glaube ich - zu einer Quelle der Resilienz entwickeln.

Anton Kaestner