Gianfranco Zenerato - ICON

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208 WERKE VERKAUFT - 100% Positiv - 78 Bewertungen

www.zenerato.com

Unikat 100% HANDGEFÄBT
(Gemälde mit leuchtenden Farben auf edlem schwarzen Samt)

• Aktiv seit 1990, mit über 600 Teilnahmen an nationalen und internationalen Kunstveranstaltungen.
• Anerkannt für die hohe Qualität der Werke, mit über 500 Auszeichnungen.
• In öffentlichen und privaten Sammlungen in Italien, Europa, Amerika und Asien vertreten.
• Hat neben Meistern wie Antonio Nunziante, Athos Faccincani, Alfonso Borghi, Giuseppe Menozzi, Giampaolo Talani, Saturno Buttò usw. ausgestellt.
• Von führenden italienischen Kritikern rezensiert.

Internationales Archivierungszertifikat - Echtheitszertifikat - Ordner mit dem beruflichen Werdegang des Künstlers
Unikat gemalt zu 100% von Hand - Gesamtmaße inkl. Rahmen 36x42x5 cm - Acrylfarben und lumineszierende Farben auf edler schwarzer Samt
– das Gemälde leuchtet im Dunkeln - 2025
Bereit zum Aufhängen - Prächtiger handwerklich gefertigter Holzrahmen
(Modern Icons Series)

ICON ist mehr als ein Kunstwerk: ein visuelles Archetyp, eine zeitgenössische Reliquie, die die Maus – ein alltägliches Objekt – in ein heiliges Symbol, ein Totem unserer Zeit, verwandelt.
Tief im schwarzen Samt verschmelzen Acryl- und lumineszierende Farben zu elektrisierenden Impulsen, Signale zwischen Geist und Maschine.
Jede Geste ist Spannung zwischen Instinkt und Kontrolle, zwischen Chaos und Form, zwischen Mensch und Digital.
Das Werk beschreibt nicht, es evoziert. Es stellt nicht dar, es übermittelt. Hier wird Materie zu Sprache, und das Objekt transfiguriert sich in eine Ikone.
Der Kauf von ICON bedeutet, mit einem magnetischen, lebendigen Symbol in Kontakt zu treten.
Es ist ein Werk, das nicht betrachtet, sondern erlebt wird. Es gehört dir nicht, du gehörst ihm.
Wer es wählt, vollzieht eine radikale Geste: Man ergreift ein Fragment der Gegenwart und macht daraus eine lebendige Erinnerung.
ICON schaut dich an. Es ruft dich. Es empfängt dich.

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GIANFRANCO ZENERATO (Professioneller Künstler - Italien)

Aktiv seit 1990 hat er eine künstlerische Laufbahn eingeschlagen, die ihn an über 600 Kunstveranstaltungen teilnehmen ließ, nationaler und internationaler Anerkennung für die Qualität seiner Werke. Mit über 500 Auszeichnungen bereichern seine Kreationen bedeutende öffentliche und private Sammlungen in Italien, Europa, Amerika und Asien. Er hat neben Meistern wie Antonio Nunziante, Athos Faccincani, Alfonso Borghi, Giuseppe Menozzi, Giampaolo Talani, Saturno Buttò usw. ausgestellt...

Derzeit arbeitet er mit dem bekannten Kunstkritiker Prof. Giammarco Puntelli zusammen.

Einige der unzähligen Kritiken namhafter Kunstexperten:

Gianfranco Zenerato gehört jener Strömung der siebziger Jahre an, rigide Boten gegenüber der westlichen Gesellschaft. Während der Mailänder Antonio Recalcati und der Römer Franco Mulas soziale Wut ausdrückten, bringt Zenerato eine quälende Warnung, in der das Scheitern des Menschen auch der Vorläufer einer laizistischen Erlösung sein kann. Es handelt sich um eine vielschichtige Symbolik, einen Maler der modernen Schule, der Talent besitzt, Forschung und Experiment zu vereinen. (Paolo Levi)

Man erkennt in diesem emblematischen Bild eine Art Einladung zur Meditation über die Schönheit einer Stilleben-Natur, einer Blume und einer jungen Frau. Die Klassik dieser stillen Bilder unterbricht die schwebende Atmosphäre einer grauen Welt, der zeitgenössischen, die uns vom Traum ablenkt. (Paolo Levi)

In dieser beunruhigenden wie expliziten visuellen Botschaft bezeugt der Dialog zwischen farblicher Reduktion und Harmonie der Formen eine expressive Spannung und die Meisterschaft eines weisen Künstlers. Interessant und neuartig ist die Vermischung von Blumen, Früchten und zeitgenössischen technologischen Gegenständen. (Stefania Bison)

Gianfranco Zenerato entwickelt narrationen von Zeichen, die schrittweise die unendlichen Möglichkeiten eines fruchtbaren Imaginaire offenbaren, organisiert gemäß geordneter Sequenzen seiner geistigen Arbeiten. Seine fantasievollen Konstruktionen könnten den kritischen Urteilskampf verwirren, ihn zu einem Surrealisten zu erklären. Das ist nicht korrekt, denn er bietet kein absurdes, unwirkliches Imaginaire, sondern malt eine uns vertraute Realität, jedoch mit einem kommunikativen und hoch symbolischen Zweck. (Sandro Serradifalco)

Dieses Gemälde von Gianfranco Zenerato ist technisch gut strukturiert, fein und reichhaltig gegliedert und schlägt die Realität vor, erschaffen vom Geist eines Visionärs. Seine Werke tragen eine starke scenografische Komponente, und wer diese Botschaften erforscht, bleibt zu entschlüsseln, welche Bedeutung der Autor ihnen gegeben hat. Er spielt mit Symbolen und Andeutungen und hat Spaß daran, die Interpretationskoordinaten einer Geschichte zu verwischen, die sich als Irrealität verkleidet. (S. Russo)

Mit Gianfranco Zenerato haben wir eine exzellente Idee, transformiert mit großer Fähigkeit in eine Darstellung von Erwartung, in der Moderne auf eine Zeit trifft, die es nicht mehr gibt, um uns die Wiederbegegnung mit Gefühlen zu ermöglichen... (Giammarco Puntelli)

Der Autor setzt auf Überlagerung und Schnittflächen der Gattungen, auf eine insinuierende und metaphorische Forschung, die in den Subjekten und Farben scharf ist. Mit einem verblüffenden Erleuchtungsmoment vereint er Vergangenheit (Stilleben), Gegenwart (das weibliche Bild) und Zukunft (Symbolismus, kryptische Schrift ...) so, dass das Werk zu einem künstlerischen, aber auch literarischen und meta-narrativen Paradigma wird. Der Maler strebt danach, ein neues visuelles Universum zu entdecken, die Grenzen der traditionellen Ikonografie zu erforschen, um zu zeigen, wie die Malerei heute – trotz all des Lärms – noch eine originelle Disziplin ist. Die Kreativität des Künstlers bestätigt dann – dank auch der grellen Farbspiele – wie der Ansatz des Genres in der Malerei des 21. Jahrhunderts noch eine Berechtigung hat.

Die Malerei von Gianfranco Zenerato führt uns zu einer dreiteiligen Vision der Realität. Es ist eine Zeitreise, die wir mit dem Künstler antreten, der durch verschiedene Experimente im Laufe der Jahre seinen Blick in eine Gegenwart verankert hat, die in die Vergangenheit als ideale, aber jetzt verlorene Welt schaut, und in eine Zukunft voller künstlicher und künstlich wirkender Kontaminationen. Es ist eine Mahnung und Warnung, die aus den Elementen auf der Leinwand hervorgeht und seine Gesamtvision rahmt. Die „Batterie“, ein festes Element, sagt uns: Achtung, die Zeit läuft ab, und der starke Bezug zu natürlichen Elementen, die im Vordergrund von Objekten der technologischen Welt (die Maus, die CD oder der Wecker) kontaminiert sind, betont, wie wichtig es ist, die Verbindung zur Vergangenheit nicht abzubrechen – zu einer Welt, in der die Natur dominiert hat.
Das feminine Element, temporal im Jetzt platziert, repräsentiert das Archetyp der Mutter-Erde, in der Schwebe zwischen Vergangenheit und Zukunft.
Gianfranco reist wie ein Odysseus durch diese zeitliche Dimension, auf der Suche nach Kräften, die uns tragen und formen, unser Schicksal beeinflussen oder beherrschen. Demodern dem Zukunft zugewandt, geht der Mann-Künstler die Reise mit Kraft und Entschlossenheit an, doch erkennt er bald seine eigene Zerbrechlichkeit angesichts der Komplexität einer von ihm geschaffenen technologischen Welt, die ihm entgleitet, und spürt die Notwendigkeit, zu dem Ort zurückzukehren, von dem er gekommen ist. So kehrt die Zyklicität zurück, in der die Reise dieser ewige Ruf nach Leben und Tod ist. Wir müssen zum Ausgangspunkt zurückkehren, um uns selbst wiederzufinden, und die weibliche Figur wird zum Symbol jener, die uns zur Wiedergeburt verhilft.
Die Wörter "losfahren" und "gebären" enthalten beide das Konzept von Trennung und Abkoppelung, und in jeder Reise von Gianfranco Zenerato liegt dieser zeitliche Kreisverlauf – Starten und Zurückkehren. Wenn man in die Zukunft blickt, bleibt nur, den Blick in die Vergangenheit zu richten, um unsere Wurzeln nicht zu verlieren, uns nicht vom technologischen und posttechnologischen Weltentzug entmenschlichen zu lassen.
Jede Reise setzt Vernunft und Emotionen auf dieselben Ebenen, erzeugt Zweifel und Ängste, die Alltagszeit verzerrt sich und erhält unterschiedliche Bedeutungen.
In Richtung Zukunft zu gehen wird zur Herausforderung, im Blick der Frau, aber auch zur Gefahr, da es fast eine Identitätsverlust bedeutet. Beim Aufbruch muss man sich von dem „alten Selbst“ trennen, Gewohnheiten, Rollen und Gewissheiten. Aufbrechen bedeutet dennoch Freiheit, und auch wenn diese begrenzt ist, weil man dem Unbekannten begegnet, schafft sie Ordnung in der Vergangenheit. Die bewegte Perspektive wird zur Zentrifuge und zur Zentripetale, der Expansionstrend ist die Richtung, in die man geht, während der Kontraktionskern die Richtung ist, aus der man kommt; in Zeneratos Werken hat man das Gefühl einer Herkunft von einem Ort und einer Richtung zu einem anderen. Im Zentrum die weibliche Figur als Bezugspunkt: das Bewusstsein des Künstlers, das Herz des Fortgangs, mit seinen Rhythmen, Geräuschen, Zeiten, Schwierigkeiten, Entdeckungen und Emotionen.
Die zeitliche Ebene der Zukunft, die das Ankommen repräsentiert, ist in einigen Werken entmenschlicht, und die weibliche Figur ist fast zerfallen, weil der Künstler sich in dieser Platzierung selbst nicht wiedererkennt: Es ist, als ob der Verlust der Identität eine trostlose Resignation gegenüber dem Verlust der Verbindung zur Vergangenheit sei, und auch die Elemente der Stillleben werden in einigen Fällen fast fehlen und von technologischen Elementen überragt.
Es wird also entscheidend, sich vor dieser drohenden Zukunft zu schützen und Zuflucht in etwas Vertrautem und Altem zu suchen, wo auch "Illusionen real sind".
Mit Gianfranco Zenerato haben wir wirklich die Möglichkeit, durch Träume, Zeichen und Symbole zu reisen, wobei jeder sein Spiegelbild sehen wird. Mit ihm zu gehen bedeutet, diese Spiegel temporär zu verdunkeln, um ein anderes Bild von uns selbst zu entdecken. Vielleicht finden wir unsere Essenz, erkennen die Relativität von Werten und Perspektiven – die eigenen und die der anderen. Wir könnten uns verirren und wiederfinden, und dabei eine gemeinsame Natur, ein gemeinsames Schicksal, eine gemeinsame Identität erkennen. (Gaetana Foletto)

Der Künstler beginnt mit klassischem Pastenstil und einer Sprache der Vor-Abstraktion figurativ, vor dem Hintergrund seines inneren historisierenden Kosmos, bewegt er den Cursor seiner entstehenden Bewusstseinsentwicklung, bis zu den Extremsituationen der Gegenwart, indem er seine meisterhafte Technik der Energie des Traums, des Signs, des Symbols und vor allem der farblichen Klarheit – reich an Strahlkraft, an klanglicher Reinheit – unterwirft, um auch der gegenwärtigen technologischen Welt zu begegnen. Seine Moderne ist genuin psychologisch und Ausdruck der expressiven Kraft der transavanguardia zitazionista des späten 20. Jahrhunderts bis heute … mit karavaggeschen perspektivischen Überlagerungen … und moderner Psychologie post-Renaissance (Rembrandt …). Zenerato verfügt über kreative Potenziale von weitreichender historischer Tragweite, die er poetisch zu verbinden versteht, indem er die Harfe der Seele über die Koordinaten der Kunstgeschichte hinweg zu universellen Werten zusammensetzt und in einer unendlichen Evolution seiner bildlichen Vorstellungskraft per Hyperrealismus seines visionären Traums – einem offenen Fenster – zusammenführt, im Dialog mit der Gegenwart. (Prof. Alfredo Pasolino)

Sehr interessante Forschung: Die Bildnerik erzielt scenografische Effekte in einem Raum, in dem eine symbolische Frequenz schwingt, die der Traum, der Mythos oder die Alltagswirklichkeit jeweils anvertraut ist, alles harmonisch durch ein wunderbares Farenspiel verbunden.

Der Künstler der Strenge und der Modernität
Hrsg. von Francesco Cairone

Die originellsten Künstler sind nicht deshalb originell, weil sie Neues fördern, sondern weil sie das, was sie zu sagen haben, auf eine Weise ausdrücken, die es scheinen lässt, als sei es noch nie gesagt worden.
(Goethe)

Es ist notwendig, aus Goethes prägnantem Satz zu sprechen, um die reiche und innovative Malerei des Künstlers Gianfranco Zenerato zu beschreiben – und zwar, weil dieser einfache Satz eine große Wahrheit erzählt: In der Malerei ist schon viel gesagt worden, und heute muss der Künstler, der seine eigene Individualität finden will, ohne sich von Strömungen und Meistern der Vergangenheit beeinflussen zu lassen, enorme Hindernisse überwinden, denn wie Morandi sagte: „Nichts Neues unter dem Himmel“ – und daher müsste man in der Kunst gesellschaftliche, technologische und wissenschaftliche Entwicklungen berücksichtigen, um originell zu bleiben.
Es heißt, die Kunst sei für alle, doch nicht für jedermann; jeder hat das Recht, von einem Meisterwerk berührt zu werden, aber Malen und Kreieren ist ein Geschenk, das nur wenigen von Gott gegeben ist, die in der Lage sind, wahrzunehmen, was andere oft nicht einmal erkennen, und die die Emotionen, die aus kleinen Dingen, einer Geste, einer Zärtlichkeit, einem Blick entstehen, in lebendige Töne verwandeln, die die Tristesse der Welt um uns herum färben.
Unter diesen Glücklichen muss der Meister Zenerato zweifellos aufgeführt werden, ein talentierter Künstler, der Minutiösität, Strenge und Fantasie zu einem Malstil macht, der zwar an frühere Meister erinnert, aber beweist, dass der Künstler die Lehren der schönen Malerei genutzt hat, um eine Einzigartigkeit und eine sichtbare Individualität zu schaffen, die ihm einen Ausreißer im nationalen Kunstschaubild ermöglichen. Kräftige Farbkaskaden von Blumen und reifem, üppigem Obst, auf hohen Marmormauern ruhend und oft von Liebesdichtungen zweier junger Liebhaber bemalt, verweben sich mit modernen Alltagsgegenständen wie einer CD-ROM, einer Maus, einem Spachtel, die als Verbindungsglieder zwischen Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft dienen; die Szenerie, oft bei Abenddämmerung eingefangen, wenn der grüne Strahl die Sonne begrüßt und dem Mond Einlass gewährt, lässt die betonten, lebhaften Farben noch stärker hervortreten – Rot, Gelb, Grün und alle wärmeren Töne des Regenbogens.
Und der Regenbogen scheint die Karriere dieses jungen, vielversprechenden Künstlers zu überragen, als Erzähler der Kunst, der eine zunächst poetische, dann malerische Stilrichtung schafft, mit dem er das ausdrückt, was er fühlt, indem er die Unanziehungen und Negativitäten filtert, die unsere Welt mit sich trägt.
Sie haben über ihn geschrieben oder seine Werke beurteilt:

Paolo Levi, Paolo Rizzi, Giammarco Puntelli, Giorgio Grasso, Sergio Capellini, Pietro Gasperini, Francois Buisson, R. Boschi, Michele Nocera, Carlo Alberto Gobbetti, Antonella Gotti, Gianni Ingolia, Dino Pasquali, Umberto Zaccaria, Umberto Tessari, Ottorino Stefani, Giulio Gasparotti, Carlo Federico Teodoro, Carlo Rigoni, Giorgio Trevisan, Vera Meneguzzo, Claudio Radaelli, Grillo Biagio, Luca Dall'Olio, Franco Brescianini, Giovanni B. Bianchini, Mara Frignani, Aldo Tavella, Angelo Marchiori, Walter Coccetta, Paolo Baratella, Luciano Chinese, Luigi Consonni, Giuseppe Possa, Silvano Valentini, Siro Perin, Alfredo Pasolino usw...

Hat mit folgenden Galerien zusammengearbeitet:

Galleria Cd Studio d'Arte
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Galleria La Spadarina
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