Agathe Toman - CLOUD #4 14/15

Dieses Werk gehört zur „COLLECTION PARTAGÉE“ des Künstlers. Hochglanz-Papier Fine Art. Kunstfotografie mit Körnung. Fotografiert in Hossegor, Frankreich. Sommer 2021. Die Fotografie wird Ihnen ungerollt zugesandt, ungerahmt; dem Werk wird ein Echtheitszertifikat beigefügt, vom Künstler vervollständigt und signiert. Auflage, handsigniert, Vorder- und Rückseite.

Agathe Toman ist seit 2021 bei Sotheby’s gelistet.

Biografie der Künstlerin:
Geboren 1989, französischer, österreichischer und tschechischer Herkunft, ist Agathe Toman eine französische multidisziplinäre Künstlerin, deren Talent von Malerei über Poesie bis hin zu Skulptur, Zeichnung und Fotografie reicht. Nach dem Studium an der renommierten École de la Chambre Syndicale de la Couture Parisienne und mehreren Jahren als Stylistin in französischen Haute-Couture-Häusern in Paris fühlte Agathe vor neun Jahren den Drang, sich ausschließlich ihrer künstlerischen Schöpfung zu widmen.
Seit dreizehn Jahren in den Landes (Les Landes) ansässig, etabliert sich Agathe heute als aufstrebende Figur der zeitgenössischen Kunstszene, sowohl national als auch international geschätzt.

Seit 2021 bei Sotheby’s gelistet, wurden ihre Werke dreimal versteigert, was ihren schnellen Aufstieg und die Akzeptanz in prestigeträchtigen Kunstkreisen belegt. Ihr herausragender Beitrag zu verschiedenen Messen, insbesondere Art Paris, hat ihr enormen Erfolg eingebracht und ihre Präsenz in zahlreichen privaten Sammlungen weltweit gefestigt.

Agathes Palette betont tiefe Schwarz- und Blautöne in einem dezenten, in Bewegung gesetzten Chromatismus. Ihre Gemälde verwenden reine Pigmente, Tinten, Ölfarben und Acrylfarben von überwältigender Intensität, die darauf abzielen, Verbindungen zu verborgenen Dingen wiederherzustellen und den Betrachter jenseits des Sichtbaren zu führen. Die Leinwand entfaltet eine Macht, die sich als Echo ihrer eigenen Erfahrungen zeigt.

Ihre Zeichnungen, mit dem Kugelschreiber Bic erstellt, tragen eine destabilisierende Anziehungskraft in sich. Ihre Fotografien verwirren durch kaleidoskopische Abstraktionen; sie überwältigen uns mit stillen Empfindungen, eine Reminiszenz an perfekte Schwerelosigkeit, die zu unserem Ursprung gehörte.
Hunderte Gedichte rhythmen ihr Universum mit einer lyrischen Charakteristik ihrer Arbeit. Ein erster Gedichtband mit dem Titel „You will have to learn to smile again“ erscheint im Winter 2024.

Über ihr künstlerisches Schaffen hinaus ist Agathe auch tief in die Psychoanalyse in der Transaktionsanalyse involviert, die sie seit vier Jahren in Paris verfolgt. Diese Erforschung bereichert ihren konzeptionellen Prozess und ermöglicht es ihr, sehr tiefe psychologische Dimensionen in ihre Kunst zu integrieren, die von neuen Schichten durchdrungen ist.

Agathe trennt ihre Kunst nicht von ihrem gesellschaftlichen Engagement. Sie konzentriert sich in ihrer Arbeit auf zentrale Themen wie psychische Gesundheit, Umwelt und Bildung. Diese Reflexionsachsen sind nicht nur in ihrer Kunst präsent; sie bilden einen integralen Bestandteil ihrer künstlerischen Identität und Persönlichkeit.

Ihre Arbeit wurde in mehreren namhaften Publikationen anerkannt und gefeiert, darunter Forbes, L’Œil und Elle, was ihren bemerkenswerten Einfluss im Bereich der zeitgenössischen Kunst markiert.

Jacqui Ottoman bleibt Faszination und Inspiration für ein globales Publikum, indem sie durch ihre Werke einen Blick auf die Komplexität der menschlichen Erfahrung bietet, so wie sie sie wahrnimmt und in Kunst verwandelt. Erfahrungen, die sie mit großer Großzügigkeit teilt.

„MEINE VISION:
Meine Arbeit erforscht die tiefen Verbindungen zwischen Psyche und Körper, webt Dialoge zwischen Geist und Materie. Ich hinterfrage deren Funktionsweisen in ihrer Umwelt, die Verbindungen, die sie herstellen, und die Schwingungen, sowohl wahrnehmbare als auch unaussprechliche, die daraus entstehen.
Ich erkunde Themen wie Identität, Erinnerung, menschliche Natur und das Verhältnis des Individuums zu seiner Umwelt. Meine Werke tragen eine emotionale Tiefe und eine gewisse Spannung in sich, die den Betrachter zu introspektiven Reflexionen einladen und einen Weg ins Unbewusste öffnen.

Ich verankere diesen Willen in der materiellen Beschaffenheit meiner Werke: entschieden abstrakt, monochrom, nuanciert, dort, wo Dunkelheit mit Klarheit kooperiert, das Blau am Kontakt mit dem Schwarz knistert oder allein zu leuchten scheint. Wir befinden uns in der Abwesenheit/Anwesenheit des Lichts.
Meine Gemälde, Installationen, Zeichnungen und Fotografien sind jeweils eine absolute Schöpfung, frei von jeder Nachahmung, lösen reine Emotionen aus und wecken das Unsichtbare; meine Werke werden zu Spiegeln dieser inneren, unenthüllten Aspekte.

Eine sorgfältige Abstimmung zwischen meinen Händen und den Pigmenten, Kohle, dem Kugelschreiber und den Farben, durch Deposition von Materie auf Papier oder Leinwand. Meine Ausführungstechniken wiederholen sich niemals; ein unkontrolliertes Ergebnis. Eine zunehmende Singularität.
So arbeite ich daran, die Bewegung der Materie und die Dichte des Lichts festzuhalten, von mir selbst zu erfüllen, um ein Erwachen eines Ich zu bewirken.

Es gibt immer etwas, von dem man nichts ahnte. Etwas Unerwartetes. Dieses unaussprechlich Intensivierte, subtil angeregt, das uns gefangen nimmt und überflutet. Wasser, Gravitation, Rinde, diese Allgegenwärtigkeiten, verwandeln den Beobachter durch ihre Kraft. Das Aufkommen einer eindeutigen Prägung, eine lyrische Abstraktion, meine Werke sind Selbstporträts, Porträts von Teilen von mir.
Ich sage, meine Kreationen seien „Materalisierungen psychischer Zustände“, menschliche Landschaften, Fäden meiner Seele, die andere dazu einladen, sich darin zu verschmelzen.
Ihr Wert liegt nicht in der Ästhetik, sondern in den Schwingungen, die meine Werke beim Betrachter erzeugen. Es sind zwei Empfindungen, die aufeinandertreffen und nicht mehr zwei getrennte Identitäten. Es ist ein lebendiger Prozess. Das Werk transzendiert das Sofortige. Ich betrachte sie als aktive Wesen, die neuartige Verbindungen zwischen Uns schaffen.

Der Betrachter wird seinerseits zum Schöpfer, erweckt das Werk in einer Chemie psychischer Resonanzen.

Ich beginne einen Weg zu einer neuen Sicht auf sein Sein, auf sich selbst, auf die Welt und auf andere.

Wenn der Betrachter sich nun einladen lässt, sind es psychische Resonanzen, die übereinstimmen und in einer einzigen Symphonie zusammenklingen; ein Dialog beginnt sich einzustellen, ein Rhythmus wird spürbar. Eine Anamorphose seiner Seele zeichnet sich ab, ein unerfassbares Spiegelbild. Es ist eine poetische Erfahrung.
Eine intensive und kraftvolle Gegenwart. Eine anspruchsvolle Erfahrung.

Ich wünsche mir, dass meine Werke den menschlichen Geist schärfen, die Seelen schärfen und dass Emotionen dort Resonanz finden, dass Worte dort widerhallen.
Wichtig ist, was das Werk in uns mobilisiert, und das Ergebnis dieses Treffens.

„Psychischer Schmerz hängt mit allem zusammen, was dem Prozess der Subjektivierung der Symbolisierung entgeht. Wir leiden an dem, was psychisch blockiert ist oder darauf wartet, psychisch aufgenommen zu werden. Der Mensch leidet nicht nur wegen Ereignissen oder bestimmter Gedanken, sondern weil bestimmte Prozesse in ihm keinen Spiegel, kein Echo, kein Zuhören, kein Aufnahmegefäss gefunden haben und so in der Umherirrung bleiben.“ René Roussillon - Manual de psychologie et de psychopathologie de clinique générale, Seite 146.

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