Agathe Toman - CLOUD #8 2/15

Dieses Werk gehört zur „COLLECTION PARTAGÉE“ des Künstlers.
Fotografie, gedruckt auf hochwertigem Glanzpapier mit Körnung. Fotografiert in Seignosse – Étang Blanc, Frankreich. Frühling 2026

Das Foto wird ungerollt versendet, eingerahmt ist es nicht, und dem Bild wird ein Echtheitszertifikat beigefügt, vom Künstler vollständig ausgefüllt und signiert. Das Werk ist nummeriert, handsigniert, vorne und hinten. High-Quality Pigment-Digigraphie der feinsten Kunstfertigkeit.

Agathe Toman ist seit 2021 bei Sotheby’s gelistet.

Biografie der Künstlerin:
Geboren 1989, französischer, österreichischer und tschechischer Abstammung, ist Agathe Toman eine französische, multidisziplinäre Künstlerin, deren Talent von Malerei über Poesie bis hin zu Skulptur, Zeichnung und Fotografie reicht. Nach Studien an der renommierten Schule der Chambre Syndicale de la Couture Parisienne und Jahren als Stylistin in französischen Modehäusern in Paris vor neun Jahren spürte Agathe den Bedarf, sich ausschließlich ihrer künstlerischen Schöpfung zu widmen.
Seit dreizehn Jahren in den Landes (Nouvelle-Aquitaine) ansässig, etabliert sie sich als aufstrebende Persönlichkeit der zeitgenössischen Kunstszene, geschätzt sowohl national als auch international.

Bei Sotheby’s seit 2021 gelistet, wurden ihre Werke dreimal versteigert, was ihren rasanten Aufstieg und die Anerkennung in renommierten Kunstkreisen bezeugt. Ihre bemerkenswerten Beiträge zu verschiedenen Galerien, insbesondere zu Art Paris, brachten ihr enormen Erfolg und festigten ihre Präsenz in zahlreichen privaten Sammlungen weltweit.

Durch Agathes Palette dominieren tiefe Nuancen von Schwarz und Blau, eine dezente, in Bewegung befindliche Chromatik. Ihre Gemälde verwenden reine Pigmente, Tinten, Ölfarben und Acrylfarben in überwältigender Intensität, die darauf abzielen, verborgene Dinge wieder greifbar zu machen und den Betrachter über das Sichtbare hinaus zu führen. Die Leinwand übt eine Macht aus, die sich ihren eigenen Erfahrungen widerspiegelt.

Ihre Zeichnungen, mit dem Kugelschreiber Bic angefertigt, tragen eine destabilisierende Anziehungskraft in sich.
Agathes Fotografien bezaubern durch kaleidoskopische Abstraktionen; sie überfluten uns mit ruhigen Empfindungen, einer Reminiszenz an perfekte Schwerelosigkeit, die am Anfang stand.
Hunderte Gedichte begleiten ihr Universum und verleihen ihrem Werk lyrische Tiefe. Eine erste Sammlung mit dem Titel „You will have to learn to smile again“ erscheint im Winter 2024.

Über ihre künstlerische Praxis hinaus ist Agathe auch tief in das Studium der Psychoanalyse in der Transaktionalen Analyse vertieft, das sie seit vier Jahren in Paris betreibt. Diese Erforschung bereichert ihren konzeptionellen Prozess und ermöglicht es ihr, sehr tiefe psychologische Dimensionen in ihre Kunst zu integrieren, die von dicken Schichten geprägt ist.

Agathe trennt Kunst nicht von ihrem gesellschaftlichen Engagement. Sie konzentriert sich in ihrer Arbeit auf zentrale Themen wie mentale Gesundheit, Umwelt und Bildung. Diese Reflexionsachsen sind nicht nur in ihrer Kunst präsent; sie sind ein integraler Bestandteil ihrer künstlerischen Identität und Persönlichkeit.

Ihre Arbeit wurde in mehreren namhaften Publikationen anerkannt und gefeiert, darunter Forbes, L'Oeil und Elle, was ihren bemerkenswerten Einfluss im Bereich der zeitgenössischen Kunst markiert.

Agathe Toman fasziniert und inspiriert weiterhin ein weltweites Publikum und bietet durch ihre Werke einen Blick auf die Komplexität der menschlichen Erfahrung, so wie sie sie wahrnimmt und in Kunst verwandelt. Erfahrungen, die sie mit großer Großzügigkeit teilt.

„MEINE VISION:
Meine Arbeit erforscht die tiefen Verbindungen zwischen Psyche und Körper, webt Dialoge zwischen Geist und Materie. Ich frage nach ihren Funktionsweisen in ihrer Umwelt, nach den Verbindungen, die sie herstellen, und nach den Schwingungen, sowohl fühlbaren als auch unaussprechbaren, die daraus entstehen.
Ich erkunde Themen wie Identität, Erinnerung, die menschliche Natur und das Verhältnis des Individuums zu seiner Umwelt. Meine Werke tragen eine emotionale Tiefe und eine gewisse Spannung in sich, die den Betrachter zu einer introspektiven Reflexion einladen und einen Weg zum Unbewussten öffnen.

Ich verankere diesen Willen in der Materialität meiner Werke: entschieden abstrakt, in Monochromen, nuanciert, dort, wo Dunkelheit mit Klarheit koexistiert, das Blau am Kontakt mit dem Schwarz knistert oder sich von selbst zu erleuchten beginnt. Wir befinden uns in der Abwesenheit/Anwesenheit von Licht.
Meine Gemälde, Installationen, Zeichnungen und Fotografien sind jeweils eine absolute Kreatur, frei von jeder Nachahmung, rufen reine Emotion hervor, provozieren das Erwachen des Unsichtbaren; meine Werke werden so zu Spiegeln dieser verborgenen inneren Aspekte.

Eine akkurate Verbindung zwischen meinen Händen und den Pigmenten, Kohlestiften, dem Kugelschreiber und den Farben, durch Ablagerung der Materie auf Papier oder Leinwand. Meine Ausführungstechniken wiederholen sich niemals, ein Ergebnis, das nicht kontrolliert ist. Eine erhöhte Singularität.
So arbeite ich daran, die Bewegung der Materie, die Dichte des Lichts zu fixieren und daraus einen Teil von mir zu schöpfen, um ein Selbst zu wecken.

Es gibt immer etwas, das man nicht vermutet hat. Etwas Unerwartetes. Dieses unaussprechliche, intensiv zusammengedrängte, subtil angeregte Etwas, das uns gefesselt und überwältigt. Wasser, Schwerkraft, Rinde – diese Allgegenwärtigkeiten metamorphosieren den Beobachter durch ihre Kraft. Die Entstehung eines eindeutig einzigartigen Abdrucks, eine lyrische Abstraktion; meine Werke sind Selbstporträts, Portraits von Teilen von mir.
Ich sage, meine Kreationen seien „Materalisierungen psychischer Zustände“, menschliche Landschaften, Fäden meiner Seele, in die die anderer Menschen sich hineinfügen können.
Ihr Wert liegt nicht im Ästhetischen, er liegt in den Vibrationen, die meine Werke beim Betrachter erzeugen. Es sind zwei Empfindungen, die einander begegnen und nicht mehr zwei getrennte Individualitäten. Es ist ein lebendiger Prozess. Das Werk transzendiert das unmittelbare. Ich betrachte sie als aktive Wesen, die neuartige Verbindungen zwischen Uns und uns schaffen.

Der Betrachter wird zum Schöpfer und erweckt das Werk durch eine Alchemie psychischer Resonanzen zum Leben.

Ich strebe einen Weg zu einer neuen Vision des eigenen Seins, des Selbst, der Welt und der Anderen an.

Wenn der Betrachter sich nun einladen lässt, sind es psychische Resonanzen, die harmonieren und in derselben Symphonie erklingen; ein Dialog beginnt sich einzurichten, ein Rhythmus spürbar wird. Eine Anamorphose der eigenen Seele zeichnet sich ab, ein unfassbarer Spiegel. Es ist eine poetische Erfahrung. Eine intensive und kraftvolle Gegenwart. Eine anspruchsvolle Erfahrung.

Ich möchte, dass meine Werke den menschlichen Verstand schärfen, die Seelen schärfen und dass Emotionen dort ein Echo finden, dass Worte dort nachhallen.
Was wichtig ist, ist das, was das Werk in uns mobilisiert, und das Ergebnis dieses Treffens.

„Psychischer Schmerz hängt mit allem zusammen, was dem Prozess der subjektiven Symbolisierung entgeht. Wir leiden an dem, was psychisch blockiert ist oder darauf wartet, psychisch eingetragen zu werden. Der Mensch leidet nicht nur wegen Ereignissen oder bestimmter Gedanken, sondern weil manche Prozesse in ihm keinen Spiegel, kein Echo, kein Gehör und kein Aufnahmegefäß gefunden haben und so umherirren.“ René Roussillon - Manual de psychologie et de psychopathologie de clinique générale, Seite 146.