Agathe Toman - CLOUD #2 13/15

Dieses Werk gehört zur « COLLECTION PARTAGÉE » des Künstlers.
Fotografie gedruckt auf hochwertigem Glanzpapier mit körnigen Strukturen. Fotografiert in Hossegor, Frankreich. Sommer 2021.
Die Fotografie wird zu Ihnen gerollt versendet, sie ist nicht eingerahmt, und es wird eine Echtheitszertifikat beigefügt, ausgefüllt und vom Künstler signiert. Auf dem Bild signiert und nummeriert, vorne und hinten. Hochwertiger Digigraphie-Druck in Pigmenttinte.
Agathe Toman ist seit 2021 bei Sotheby’s gelistet.

Biografie der Künstlerin:
Geboren 1989, französischer, österreichischer und tschechischer Herkunft, ist Agathe Toman eine französische multidisziplinäre Künstlerin, deren Talent sich von Malerei über Poesie bis hin zu Skulptur, Zeichnung und Fotografie erstreckt. Nach Studien an der renommierten École de la Chambre Syndicale de la Couture Parisienne und Jahren als Stylistin in französischen Haute-Couture-Häusern in Paris, spürte Agathe vor neun Jahren das Bedürfnis, sich ausschließlich auf ihre künstlerische Schöpfung zu konzentrieren.
Heute seit dreizehn Jahren im Département Les Landes ansässig, erweist sich Agathe als aufstrebende Figur der zeitgenössischen Kunstszene, sowohl national als auch international geschätzt.

Seit 2021 bei Sotheby’s geführt, wurden ihre Werke dreimal versteigert, was ihren rasanten Aufstieg und ihre Akzeptanz in renommierten Kunstkreisen belegt. Ihre bemerkenswerten Beiträge zu verschiedenen Ausstellungen, insbesondere zur Art Paris, brachten ihr enormen Erfolg und festigten ihre Präsenz in zahlreichen privaten Sammlungen weltweit.

Agathes Farbpalette bevorzugt tiefe Schwarztöne und Blautöne, eine diskrete, sich bewegende Chromatik. Ihre Gemälde verwenden reine Pigmente, Tinten, Ölfarben und Acrylfarben in einer überwältigenden Intensität, die darauf abzielt, Verbindungen zu verborgenen Dingen herzustellen und den Betrachter jenseits des Sichtbaren zu führen. Die Leinwand übt eine Macht aus, die dem Echo ihrer eigenen Erfahrungen Freiraum gibt.
Ihre Zeichnungen, mit dem Kugelschreiber Bic realisiert, tragen eine destabilisierende Anziehungskraft in sich.
Agathes Fotografien verwirren durch kaleidoskopische Abstraktionen, sie überwältigen uns mit stillen Empfindungen, Erinnerungen an eine perfekte Schwerelosigkeit, die unser Ausgangspunkt war.
Hunderttausende von Gedichten rhythmieren ihr Universum mit einem lyrischen Stil, der ihr Werk kennzeichnet. Ein erster Gedichtband mit dem Titel „You will have to learn to smile again“ erscheint im Winter 2024.

Jenseits ihrer künstlerischen Praxis engagiert sich Agathe auch tiefgehend in der Untersuchung der Psychoanalyse in der Transaktionsanalyse, die sie seit vier Jahren in Paris verfolgt. Diese Erkundung bereichert ihren konzeptuellen Prozess und ermöglicht es ihr, tiefe psychologische Dimensionen in ihre Kunst zu integrieren, die sich in neue Schichtungen hineinziehen.
Agathe trennt Kunst auch nicht von ihrem gesellschaftlichen Engagement. Sie konzentriert ihr Werk auf zentrale Themen wie mentale Gesundheit, Umwelt und Bildung. Diese Reflexionsachsen sind nicht nur in ihrer Kunst präsent; sie sind ein integraler Bestandteil ihrer künstlerischen Identität und ihrer Persönlichkeit.

Ihre Arbeit wurde in mehreren namhaften Publikationen anerkannt und gefeiert, darunter Forbes, L’Oeil und Elle, was ihren bemerkenswerten Einfluss im Bereich der zeitgenössischen Kunst unterstreicht.

Agathe Toman fasziniert und inspiriert weiterhin ein weltweites Publikum und bietet durch ihre Werke einen Blick in die Komplexität der menschlichen Erfahrung, so wie sie sie wahrnimmt und in Kunst verwandelt. Erfahrungen, die sie mit großer Großzügigkeit teilt.

"MEINE VISION:
Meine Arbeit erforscht die tiefen Verbindungen zwischen Psyche und Körper, spinnt Dialoge zwischen Geist und Materie. Ich frage nach ihren Funktionsweisen in ihrer Umgebung, den Verbindungen, die sie herstellen, und den Vibrationsformen, die sichtbar oder unsichtbar entstehen.
Ich erkunde Themen wie Identität, Erinnerung, menschliche Natur und das Verhältnis zwischen Individuum und Umwelt. Meine Werke tragen eine emotionale Tiefe und eine gewisse Spannung in sich, die den Betrachter zu einer introspektiven Reflexion einlädt und einen Pfad zum Unbewussten öffnet.

Ich verankere diesen Willen in der materiellen Beschaffenheit meiner Werke: entschieden abstrakt, in Monochromen, nuanciert, dort, wo Dunkelheit mit Klarheit koexistiert, das Blau am Kontakt mit dem Schwarz knistert oder allein erleuchtet. Wir befinden uns in der Abwesenheit/Domäne des Lichts.
Meine Gemälde, Installationen, Zeichnungen und Fotografien sind jeweils eine absolute Schöpfung, frei von Nachahmung, rufen pur emotion hervor und lösen das Erwachen des Unsichtbaren aus; meine Werke werden zu Spiegeln dieser inneren, nicht offenlegten Aspekte.

Eine sorgfältige Verquickung von meinen Händen mit Pigmenten, Kohlestiften, dem Kugelschreiber und Malmitteln, durch Ablagerung von Materie auf Papier oder Leinwand. Meine Ausführungstechniken wiederholen sich niemals, ein unkontrolliertes Ergebnis. Eine zunehmende Einzigartigkeit.
So arbeite ich daran, die Bewegung der Materie festzuhalten, die Dichte des Lichts zu dosieren und mich selbst hineinzubringen, um ein Erwachen eines Selbst zu bewirken.

Es gibt immer etwas, von dem man zuvor nichts ahnte. Etwas Unerwartetes. Dieses unaussprechlich intensive Innerlichkeitsmoment, subtil angeregt, das uns gefesselt und überwältigt. Wasser, Gravitation, Rinde – diese Allgegenwärtigkeiten metamorphostieren den Beobachter durch ihre Kraft. Der Auftritt einer eindeutig einzigartigen Spur, eine lyirische Abstraktion, meine Werke sind Selbstporträts, Porträts von Teilen von mir.
Ich sage, meine Kreationen seien „Materialisierungen psychischer Zustände“, menschliche Landschaften, Fäden meiner Seele, die andere dazu einladen, sich darin zu verlieren.
Ihr Wert liegt nicht im Ästhetischen, sondern in den Schwingungen, die meine Werke beim Betrachter erzeugen. Es sind zwei Empfindungen, die sich treffen und nicht mehr zwei getrennte Identitäten. Es ist ein lebender Prozess. Das Werk transzendiert das unmittelbare. Ich betrachte sie als aktive Wesen, die neue Verbindungen zwischen Uns und uns schaffen.

Der Betrachter wird seinerseits zum Schöpfer, bringt das Werk durch eine Alchemie psychischer Resonanzen zum Leben.

Ich fahre fort, einen Weg zu einer neuen Sicht auf das eigene Sein, auf die Welt und auf die anderen zu gehen.

Wenn der Betrachter sich nun einlädt, entstehen psychische Resonanzen, die in einer einzigen Symphonie kongruent sind und sich vereinbaren. Ein Dialog beginnt sich einzurichten, ein Rhythmus wird fühlbar. Eine Anamorphose der eigenen Seele zeichnet sich ab, eine unerfassbare Spiegelung. Es ist eine poetische Erfahrung.
Eine intensive und kraftvolle Gegenwart. Eine anspruchsvolle Erfahrung.

Ich möchte, dass meine Werke den menschlichen Geist schärfen, die Seelen schärfen und dass Emotionen darin Resonanz finden, dass Worte darin widerhallen.
Wichtig ist, was das Werk in uns bewegt, und das Ergebnis dieses Treffens.

„Psychisches Leiden hängt mit allem zusammen, was dem Prozess der subjektiven Symbolisierung entgeht. Wir leiden unter dem, was psychisch blockiert ist oder auf eine psychische Eintragung wartet. Der Mensch leidet nicht nur wegen Ereignissen oder bestimmter Gedanken, sondern auch, weil manche Prozesse in ihm keinen Spiegel, kein Echo, kein Gehör, kein Aufnahmevermögen gefunden haben und daher im Umherirrten bleiben.“ René Roussillon - Handbuch der Psychologie und Psychopathologie der Allgemeinmedizin, Seite 146.