Agathe Toman - Orange Sunset - XL

Dieses Werk gehört zur „COLLECTION PARTAGÉE“ des Künstlers. Künstlerischer Fotodruck auf Glanzpapier mit Körnung. Winter 2025.
Signatur unten rechts. Die Nummerierung unten links. Signiert und numeriert, auf der Rückseite datiert. In Biarritz, Frankreich, gedruckt. Ein Echtheitszertifikat, vom Künstler ausgefüllt und unterschrieben, wird dem Käufer ebenfalls ausgehändigt. Die Fotografie wird ohne Rahmen verkauft, damit sie gerollt versendet werden kann.

Biografie der Künstlerin:
Geboren 1989, französischer, österreichischer und tschechischer Herkunft, ist Agathe Toman eine französische bildende Künstlerin, deren Talent sich von Malerei über Poesie bis hin zu Skulptur, Zeichnung und Fotografie erstreckt. Nach dem Studium an der renommierten Chambre Syndicale de la Couture Parisienne und mehreren Jahren als Stylistin in französischen Hautcouture-Häuser in Paris bemerkte Agathe vor neun Jahren das Bedürfnis, sich ausschließlich auf ihre künstlerische Schöpfung zu konzentrieren. Seit dreizehn Jahren in den Landes (Nouvelle-Aquitaine) ansässig, gilt Agathe heute als aufstrebende Figur der zeitgenössischen Kunstszene, sowohl national als auch international geschätzt.

Bei Sotheby’s gelistet seit 2021, wurden ihre Werke dreimal versteigert, was ihren schnellen Aufstieg und ihre Akzeptanz in den Kernkreisen der renommierten Kunstwelt bezeugt. Ihre bemerkenswerten Beiträge zu verschiedenen Galerierund Kunstmessen, insbesondere zur Art Paris, haben ihr enormen Erfolg eingebracht und ihre Präsenz in zahlreichen privaten Sammlungen weltweit gefestigt.

Agathes Palette bevorzugt tiefe Nuancen von Schwarz und Blau, einen diskreten, in Bewegung befindlichen Chromatik. Ihre Gemälde verwenden reine Pigmente, Tinten, Ölfarben und Acrylfarben in einer überwältigenden Intensität, die darauf abzielt, Verbindungen zu verborgenen Dingen wiederherzustellen und den Betrachter aus dem Sichtbaren zu führen. Die Leinwand übt eine Kraft aus, die ihren eigenen Erfahrungen Resonanz verleiht.

Ihre Zeichnungen, mit dem Bic-Kugelschreiber ausgeführt, tragen eine destabilisierende Anziehungskraft in sich. Die Fotografien von Agathe verwirren durch kaleidoskopartige Abstraktionen, sie überwältigen uns mit ruhigen Empfindungen, Erinnerungen an eine perfekte Schwerelosigkeit, die unser Ursprung war.
Hunderte von Gedichten rhythmisieren ihr Universum mit einem lyrischen Charakter, der ihr Werk prägt. Ein erster Gedichtband mit dem Titel „You will have to learn to smile again“ erscheint im Winter 2024.

Über ihre künstlerische Praxis hinaus engagiert sich Agathe auch stark in der Psychoanalyse in der Transaktionsanalyse, die sie seit vier Jahren in Paris verfolgt. Diese Erforschung bereichert ihren konzeptionellen Prozess und ermöglicht es ihr, sehr tiefgreifende psychologische Dimensionen in ihre Kunst zu integrieren, die von neuen Texturen geprägt ist.

Agathe trennt Kunst nicht von ihrem gesellschaftlichen Engagement. Sie konzentriert ihr Werk auf zentrale Themen wie mentale Gesundheit, Umwelt und Bildung. Diese Reflexionsachsen sind nicht nur in ihrer Kunst präsent; sie sind integraler Bestandteil ihrer künstlerischen Identität und Persönlichkeit.

Ihr Werk wurde in mehreren renommierten Publikationen gefeiert, darunter Forbes, L’Œil und Elle, was ihren bemerkenswerten Einfluss im Bereich der zeitgenössischen Kunst markiert.

Agathe Toman fasziniert und inspiriert weiterhin ein globales Publikum und bietet durch ihre Werke ein Fenster zur Komplexität der menschlichen Erfahrung, so wie sie sie wahrnimmt und in Kunst verwandelt. Erfahrungen, die sie mit großer Großzügigkeit teilt.

"MEINE VISION:
Meine Arbeit erforscht die tiefen Verbindungen zwischen Psyche und Körper, webt Dialoge zwischen Geist und Materie. Ich hinterfrage ihre Funktionsweisen in ihrer Umwelt, die Verbindungen, die sie herstellen, und die Vibrationen, sowohl wahrnehmbare als auch unaussprechliche, die daraus entstehen.
Ich erkunde Themen wie Identität, Gedächtnis, menschliche Natur und die Beziehung zwischen Individuum und Umwelt. Meine Werke tragen eine emotionale Tiefe und eine gewisse Spannung in sich, die den Betrachter zu einer introspektiven Reflexion einlädt und einen Pfad zum Unbewussten öffnet.

Ich verankere diesen Willen in der Materialität meiner Werke: entschieden abstrakt, in Monochromen, nuanciert, dort, wo Dunkelheit mit Klarheit koexists, das Blau am Kontakt mit dem Schwarz knistert oder sich allein erleuchtet. Wir befinden uns in der Abwesenheit/Anwesenheit von Licht.
Meine Gemälde, Installationen, Zeichnungen und Fotografien sind jeweils eine absolute Schöpfung, frei von jeglicher Nachahmung, sie wecken pure Emotionen, lösen das Erwachen des Unsichtbaren aus; meine Werke werden so zu Spiegeln dieser verborgenen inneren Aspekte.

Eine sorgfältige Abstimmung zwischen meinen Händen und Pigmenten, Kohle, dem Kugelschreiber und den Malmitteln, durch Ablagerung von Materie auf Papier oder Leinwand. Meine Ausführungstechniken wiederholen sich niemals, ein unkontrolliertes Ergebnis. Eine zunehmende Singularität.
So arbeite ich daran, die Bewegung der Materie und die Dichte des Lichts festzuhalten, ihnen etwas von mir einzugeben, um ein Ich zu wecken.

Es gibt immer etwas, das man nicht geahnt hat. Etwas Unerwartetes. Dieses unaussprechliche, intensiv zusammengedrückte, subtil angeregte Etwas, das uns gefesselt und überwältigt. Wasser, Gravitation, Rinde, diese Allgegenwärtigkeiten metamorphosen den Beobachter durch ihre Kraft. Das Auftauchen einer eindeutig einzigartigen Spur, eine lyrische Abstraktion, sind meine Werke Selbstporträts, Porträts von Teilen von mir.
Ich sage, meine Kreationen seien „Materizialisierungen psychischer Zustände“, menschliche Landschaften, Fäden meiner Seele, die andere dazu einladen, darin zu versinken.
Ihr Wert liegt nicht in der Ästhetik, er liegt in den Vibrationen, die meine Werke beim Betrachter erzeugen. Es sind zwei Sinneswahrnehmungen, die sich treffen, und nicht mehr zwei getrennte Identitäten. Es ist ein lebendiger Prozess. Das Werk transzendiert das Momentane. Ich betrachte sie als aktive Wesen, die neue Verbindungen zwischen Uns, in uns, schaffen.

Der Betrachter wird zum Schöpfer und erweckt das Werk in einer Alchemie psychischer Resonanzen zum Leben.

Ich verpflichte mich zu einem Weg zu einer neuen Vision des eigenen Seins, sich selbst, der Welt und den Anderen.

Wenn der Betrachter nun eingeladen wird, entstehen psychische Resonanzen, die übereinstimmen und sich in einer einzigen Symphonie vereinen, ein Dialog beginnt sich einzustellen, ein Rhythmus spürbar wird. Eine Anamorphose der eigenen Seele zeichnet sich ab, ein unaussprechliches Spiegelbild. Es ist eine poetische Erfahrung.
Eine intensive und kraftvolle Gegenwart. Eine anspruchsvolle Erfahrung.

Ich möchte, dass meine Werke den menschlichen Geist schärfen, die Seelen schärfen und dass Emotionen darin einen Widerhall finden, dass Worte darin mitschwingen.
Wichtig ist das, was das Werk in uns mobilisiert, und das Ergebnis dieses Treffens.

„Psychische Leiden hängen mit allem zusammen, was den Prozess der Subjektivierung-Symbolisierung entgleiten lässt. Wir leiden an dem, was psychisch blockiert ist, oder darauf wartet, psychisch registriert zu werden. Der Mensch leidet nicht nur wegen Ereignissen oder bestimmten Gedanken, sondern weil manche Prozesse in ihm keinen Spiegel, kein Echo, kein Gehör und kein Gefäß gefunden haben und so umherirren.“ René Roussillon - Manual de psychologie et de psychopathologie de clinique générale, Seite 146.

#exclusivephoto