Agathe Toman - CLOUD #2 14/15

Dieses Werk gehört zur „COLLECTION PARTAGÉE“ des Künstlers.
Fotografie auf hochwertigem glänzendem Fine-Art-Papier mit Körnung gedruckt. Fotografiert in Hossegor, Frankreich. Sommer 2021.
Die Fotografie wird Ihnen eingerollt zugesandt, nicht gerahmt, und es wird ein Echtheitszertifikat beigelegt, ausgefüllt und vom Künstler signiert. Auflage nummeriert, handsigniert, Vorder- und Rückseite. Digigraphie-Fine-Art-Pigmentdruck von höchster Qualität.
Agathe Toman ist seit 2021 bei Sotheby’s gelistet.

Biografie der Künstlerin:
Geboren 1989, französischer, österreichischer und tschechischer Herkunft, ist Agathe Toman eine französische bildende Künstlerin, deren Talent sich von Malerei über Poesie, Skulptur, Zeichnung bis zur Fotografie erstreckt. Nach Studien an der renommierten Schule der Chambre Syndicale de la Couture Parisienne und Jahren als Stylistin bei französischen Haute-Couture-Häusern in Paris, spürte Agathe vor neun Jahren den Bedarf, sich ausschließlich ihrer künstlerischen Schöpfung zu widmen.
Seit dreizehn Jahren in den Landes (Les Landes) ansässig, hat sich Agathe als aufstrebende Figur der zeitgenössischen Kunstszene etabliert, national wie international geschätzt.

Seit 2021 bei Sotheby’s gelistet, wurden ihre Arbeiten dreimal versteigert, was ihren schnellen Aufstieg und ihre Akzeptanz in den Kreisen der prestigeträchtigen Kunstwelt bezeugt. Ihre bemerkenswerten Beiträge zu verschiedenen Ausstellungen, insbesondere der Art Paris, brachten ihr großen Erfolg und festigten ihre Präsenz in zahlreichen Privatsammlungen weltweit.

Agathes Farbpalette bevorzugt tiefe Schwarz- und Blautöne, eine dezente Chromatik in Bewegung. Ihre Gemälde verwenden reine Pigmente, Tinten, Ölfarben und Acrylfarben von überwältigender Intensität, die darauf abzielen, Verbindungen zu Verborgtem wiederherzustellen und den Betrachter aus dem Sichtbaren herauszuführen. Die Leinwand übt eine Kraft aus, die sich den eigenen Erfahrungen widerspiegelt.
Ihre Zeichnungen, mit dem Bic-Kugelschreiber gefertigt, tragen eine destabilisierende Anziehungskraft in sich.
Agathes Fotografien verwirren durch kaleidoskopische Abstraktionen; sie überwältigen uns mit ruhigen Empfindungen, einer Reminiszenz an eine perfekte Schwerelosigkeit, die zu unserem Ursprung gehörte.
Hunderte von Gedichten prägen ihr Universum mit einem lyrischen Ton, der ihr Werk kennzeichnet. Ein erster Gedichtband mit dem Titel „You will have to learn to smile again“ erscheint im Winter 2024.

Jenseits ihrer künstlerischen Praxis ist Agathe auch tief in das Studium der Psychoanalyse in analytischer Transaktionsanalyse eingebunden, das sie seit vier Jahren in Paris verfolgt. Diese Erforschung bereichert ihren konzeptuellen Prozess und ermöglicht es ihr, sehr tiefe psychologische Dimensionen in ihre Kunst zu integrieren, die von dichten Schichten durchzogen ist.
Agathe trennt Kunst nicht von ihrem gesellschaftlichen Engagement. Sie konzentriert sich in ihrer Arbeit auf zentrale Themen wie mentale Gesundheit, Umwelt und Bildung. Diese Denkansätze sind nicht nur in ihrer Kunst präsent; sie sind integraler Bestandteil ihrer künstlerischen Identität und Persönlichkeit.

Ihre Arbeit wurde in zahlreichen renommierten Publikationen gewürdigt und gefeiert, darunter Forbes, L’Oeil und Elle, und markiert ihren bemerkenswerten Einfluss im Bereich der zeitgenössischen Kunst.

Agathe Toman fasziniert und inspiriert weiterhin ein globales Publikum und bietet durch ihre Werke einen Blick in die Komplexität der menschlichen Erfahrung, so wie sie sie wahrnimmt und in Kunst verwandelt. Erfahrungen, die sie mit großer Großzügigkeit teilt.

„MEINE VISION:
Meine Arbeit erforscht die tiefe Verbindung zwischen Psyche und Körper und webt Dialoge zwischen Geist und Materie. Ich hinterfrage ihre Funktionsweisen in ihrer Umwelt, die Verbindungen, die sie herstellen, und die Vibrationen, sowohl wahrnehmbar als auch unaussprechlich, die daraus entstehen.
Ich erkunde Themen wie Identität, Erinnerung, die menschliche Natur und das Verhältnis des Individuums zu seiner Umwelt. Meine Werke sind von emotionaler Tiefe und einer gewissen Spannung geprägt und laden den Betrachter zu einer introspektiven Reflexion ein und öffnen einen Weg zum Unbewussten.

Ich verankere diesen Willen in der Materialität meiner Arbeiten: entschieden abstrakt, in Monochromie, nuanciert, dort, wo Dunkelheit mit Klarheit koexistiert, das Blau am Kontakt mit dem Schwarz knistert oder sich von selbst erhellt. Wir befinden uns im Zustand von Abwesenheit/Anwesenheit des Lichts.
Meine Gemälde, Installationen, Zeichnungen und Fotografien sind jeweils eine absolute Schöpfung, frei von jeder Nachahmung, und lösen reine Emotionen aus, provozieren das Erwachen des Unsichtbaren; meine Werke werden so zu Spiegeln dieser inneren, unrevealed Facetten.

Eine sorgfältige Abstimmung zwischen meinen Händen und Pigmenten, Konturen, dem Kugelschreiber und den Farben, durch Abgabe von Materie auf Papier oder Leinwand. Meine Ausführungstechniken wiederholen sich nie, ein unkontrolliertes Ergebnis. Eine gesteigerte Einzigartigkeit.
So arbeite ich daran, die Bewegung der Materie festzuhalten, die Dichte des Lichts zu beeinflussen und von mir selbst darin zu investieren, um die Wiedererweckung eines Ichs zu begünstigen.

Es gibt immer etwas, das man nicht vermutete. Etwas Unerwartetes. Diese unaussprechliche Intensität, stark angeregt, die uns gefangen nimmt und übermannt. Wasser, Gravitation, Rinde, diese Allgegenwärtigkeiten verwandeln den Beobachter durch ihre Kraft. Das Herauswachsen einer eindeutig einzigartigen Spur, eine lyrische Abstraktion, meine Werke sind Selbstporträts, Porträts von Teilen von mir.
Ich sage, dass meine Kreationen „Materalisierungen psychischer Zustände“ sind, menschliche Landschaften, Fäden meiner Seele, die andere dazu einladen, darin zu verschmelzen.
Ihr Wert liegt nicht in der Ästhetik, sondern in den Impulsen, die meine Werke beim Betrachter erzeugen. Es sind zwei Empfindlichkeiten, die sich treffen und nicht mehr zwei getrennte Individuen sind. Es ist ein lebendiger Prozess. Das Werk transzendiert das Sichtbare. Ich betrachte sie als lebendige Wesen, die neue Verbindungen zwischen uns schaffen.

Der Betrachter wird seinerseits zum Schöpfer, schenkt dem Werk Leben in einer Alchemie psychischer Resonanzen.

Ich lade zu einem Weg zu einer neuen Vision des Seins, zu sich selbst, zur Welt und zu anderen ein.

Wenn der Betrachter sich nun einlassen lässt, sind es psychische Resonanzen, die sich decken und auf eine gleiche Symphonie abstimmen; ein Dialog beginnt sich einzurichten, ein Rhythmus wird fühlbar. Eine Anamorphose der Seele zeichnet sich ab, unaussprechliches Spiegelbild. Es ist ein poetisches Erlebnis.
Eine intensive und kraftvolle Gegenwart. Eine anspruchsvolle Erfahrung.

Ich möchte, dass meine Werke den menschlichen Geist schärfen, die Seelen schärfen und dass die Emotionen dort ein Echo finden, dass Worte dort widerhallen.
Wichtig ist, was das Werk in uns mobilisiert, und das Ergebnis dieses Treffens.

„Psychisches Leiden hängt mit allem zusammen, was dem Prozess der subjektiven Symbolisierung entgeht. Wir leiden an dem, was psychisch blockiert ist, oder auf eine psychische Eintragung wartet. Der Mensch leidet nicht nur wegen Ereignissen oder bestimmten Gedanken, sondern weil bestimmte Prozesse in ihm keinen Spiegel, kein Echo, keine Zuhörung, kein Rezipient gefunden haben und so rastlos bleiben.“ René Roussillon - Manuel de psychologie et de psychopathologie de clinique générale, Seite 146.