Anton Kaestner - #344 - XL - " Tuscany ".

Unikat, originales Gemälde von Anton Kaestner, direkt aus dem Atelier.
#344 - "Tuscany" - Größe XL.
Große Form.

Acrylspray auf 3 mm Plexiglasplatte.
Dieses Bild ist keine Druckerei. Es handelt sich um ein Werk, das in mehreren Schichten Acryl-/Sprühfarbe gemalt wurde und dessen glänzende, fast resinartige Glossy-Optik einzigartig ist.

Bei Ihren Geboten beachten Sie bitte, dass dieses sehr großformatige Werk gerahmt geliefert wird mit einem Nielsen-Rahmen nach Wahl, sofort einsatzbereit zum Aufhängen. Der Wert des Rahmens allein beträgt 170 € inkl. MwSt.

Abmessungen: Inch 39,4 × 39,4 × 0,12 / 100 × 100 × 0,3 cm ohne Rahmen.
Dieses Gemälde wird mit einem Aluminiumrahmen der deutschen Marke Nielsen geliefert, Ausführung Eiche (Inch 0,23 × 1,38 / 0,6 × 3,5 cm), oder alternativ einem anderen Rahmen derselben Linie nach Wahl des Erwerbers.

Das Werk ist auf der Rückseite signiert.
Dazu gehört ein Echtheitszertifikat.
Der Versand ist durch eine Versicherung abgedeckt.

Anton Kaestner ist ein Schweizer Maler, Bildhauer und Autor mit Wohnsitz in Paris. Seine Werke werden überall in Europa, in der Schweiz und in Dubai ausgestellt. Weitere Informationen und Auswahlmöglichkeiten finden Sie unter www.antonkaestner.com.

Nächste Einzelausstellung – Genf, 18.–28. Juni 2026.

"Biografie

In Genf geboren, wuchs ich inmitten der natürlichen Schönheit und kulturellen Fülle meiner Heimat auf. Kreativität wurde in meiner Familie geschätzt, und es war mein verstorbener Großvater, ein Handwerker & Künstler, dessen Einfluss den Samen für die spätere Leidenschaft legte, die mein Leben bestimmen sollte.
Im Jahr 1993 begann ich privat zu malen, experimentierte mit unzähligen Acrylfarben in A4- und später A3-Notizbüchern. Zunächst zog mich die abstrakte Malerei und der abstrakte Expressionismus an. Im Laufe der Zeit, und obwohl ich mich als Atheisten betrachte, entwickelte ich auch eine Vorliebe für spirituelle Materialien, da sie mit meiner Erforschung menschlicher Existenz, Melancholie und der tieferen Wahrheit von Natur und Leben in Resonanz standen.
Der Weg, wirklich Künstler zu werden, war jedoch nicht sofort da.
Über drei Jahrzehnte verfolgte ich eine internationale Geschäftskarriere, die mich rund um den Globus führte – von den USA bis nach Marokko, Belgien, durch ganz Asien und Frankreich. Meine Reisen erweiterten meinen Horizont und brachten eine Vielzahl kultureller Einflüsse in mein Schaffen. Überall, wo ich hinkam, tauchte ich in die lokale Kunstszene ein und nahm die kreative Energie jedes Ortes auf.
Trotz des Schwerpunkts auf meiner Geschäftskarriere war Kunst immer Teil von mir, leise unter der Oberfläche brodelnd. Fast 30 Jahre lang wurde Malerei zu einer Form stiller Meditation für mich – ein Weg, mich von der Welt zu lösen und in mein Inneres zu schauen.
Ich habe immer große Befriedigung im Malen gefunden. Jedes neue Werk ist eine Reise, auf der ich meine Kreativität testen, neue Techniken erforschen und echte Erfahrungen miterleben kann. Durch meine Kunst hoffe ich, anderen eine aufrichtige Begegnung mit Schönheit zu bieten, ihnen die Welt aus einer anderen Perspektive zu sehen und über ihr eigenes Leben nachzudenken.
Im Jahr 2021, nach dem Rückzug aus meine Geschäftskarriere, widmete ich mich dem Malen vollständig. Ich gründete mein Atelier in Paris und widmete mich fortan ganz meiner Kunst. Gegen Ende 2023 startete ich meine öffentliche künstlerische Laufbahn, und zu meiner Überraschung gewann meine Arbeit rasch Anerkennung und fand ihren Platz in Privatsammlungen in ganz Europa, besonders in Frankreich, Portugal, Deutschland und den Niederlanden.

Künstlerischer Lebenslauf

Meine erste Einzelausstellung, "Échos", die Ende 2024 in Paris stattfand, zeigte einen eigenständigen Zugang zur Kunst, fernab traditioneller Maltechniken: Ich male mit Acryl, Metallic-Pigmenten und Sprays auf der Rückseite von recyceltem extrudiertem Plexiglas – eine leichte, glatte, glänzende und manchmal fragile Oberfläche.
Dieser Prozess verhindert, dass ich das Werk während der Entstehung sehe. Ich habe während des Prozesses kein visuelles Feedback oder Kontrolle – etwas, das ich begrüße. Ich lasse „zufällige Experimente“ – alles ist erlaubt, um die Vernunft zu überlisten – die Entwicklung, die Schichten und Spiegelungen zu lenken und Raum für Offenbarung und Entdeckung zu lassen, wenn das Werk schließlich ausgestellt wird. Dieser Ansatz, der mit dem Offenbarungs-/Befestigungsprozess der Fotografie korreliert, ist sowohl herausfordernd als auch befreiend. Die Werte der Komposition werden durch Schichten und Transparenzen bereichert und verleihen jedem Werk eine „asketische“ Qualität: Ich bin glücklich, wenn ich irreduzible Notwendigkeiten erkenne, also das, was wir vermutlich entdecken, wenn wir still und im Licht stehen bleiben.
Ich halte meinen Ansatz bewusst einfach. Weder „Emotion“ noch theoretische Konzeption, sondern die Erfahrung des Seins. Weder schneller Konsum noch Intellektualisierung / intellektuelles Besitzen, sondern die Erweiterung des Bewusstseins und die Erforschung der Realität, ihrer sichtbaren und unsichtbaren Geschichten – meine Kunst ist eine Suche nach dem „Leben im Herzen des Lebens“, dem „Vif“, wie der französische SF-Meister Alain Damasio es ausdrücken würde.
Während meine Arbeiten manchmal Transparenz und Leuchtkraft von Buntglas erinnern mögen, bleiben sie nahezu vollständig abstrakt. Zudem verleiht Plexiglas dem Gemälde eine schimmernde Haut, hinter der man die Silhouette des Betrachters sehen kann – bei jedem neuen Betrachter anders. Jedes Werk wirkt wie ein dezenter Spiegel: Es lebt, es verändert sich, es sieht.
Das Spiel von Licht, Farbe und Textur, auch das Fehlen, erfordert nur Empathie. Hoffentlich wird das Wechselspiel zwischen „Details für Nahsicht“ und „Abstand für das Ganze“ die Betrachter dazu anregen, sich auf eigene introspektive Reisen zu begeben.
Ich behaupte nicht, alle Antworten zu haben, und möchte dem, was erreicht werden kann, Demut entgegenbringen. Einfach ausgedrückt finde ich Befriedigung im fortlaufenden Prozess des Fragens und Wachsens. Jede neue Kreation ist eine Auseinandersetzung mit meinen Grenzen, die mich dazu antreiben, meine Fähigkeiten zu verfeinern und weiter zu erforschen, was ich erreichen kann. Malen bedeutet mir täglich Handwerk, Erforschung, ein Weg, sinnvolle Gespräche zu führen.

Wie Jean Bazaine sagen würde: „Die tägliche Praxis vervielfacht die Leidenschaft zu sehen.“

Anton Kaestner