Agathe Toman - CLOUD #2 15/15

Dieses Werk gehört zur „COLLECTION PARTAGÉE“ derKünstlerin.
Fotografie auf Fine-Art-Glanzpapier gedruckt, mit körniger Textur. Fotografiert in Hossegor, Frankreich. Sommer 2021.
Die Fotografie wird Ihnen gerollt zugesandt, sie ist nicht eingerahmt, und es wird eine Echtheitszertifikat beigefügt, ausgefüllt und von der Künstlerin signiert. Auf dem Vor- und Rückseite signiertes, nummeriertes Werk. Hochwertiger Pigment-Digigraphie-Druck.
Agathe Toman ist seit 2021 bei Sotheby’s geführt.

Biografie der Künstlerin:
Geboren 1989, französisch-österreichisch-tschechischer Herkunft, ist Agathe Toman eine französische multidisziplinäre Künstlerin, deren Talent sich von Malerei über Poesie bis hin zu Skulptur, Zeichnung und Fotografie erstreckt. Nach Studien an der renommierten Schule der Chambre Syndicale de la Couture Parisienne und Jahren als Designerin in Pariser Haute-Couture-Häusern wurde vor neun Jahren deutlich, dass sie sich ausschließlich auf ihre künstlerische Schöpfung konzentrieren möchte.
Heute in den Landes (Les Landes) seit dreizehn Jahren ansässig, etabliert sich Agathe als aufstrebende Figur der zeitgenössischen Kunstszene, sowohl national als auch international geschätzt.

Seit 2021 bei Sotheby’s gelistet, wurden ihre Werke dreimal versteigert, was ihren schnellen Aufstieg und ihre Anerkennung in prestigeträchtigen Kunstkreisen belegt. Ihre bemerkenswerten Beiträge zu verschiedenen Ausstellungen, insbesondere der Art Paris, haben ihr großen Erfolg beschert und ihre Präsenz in zahlreichen privaten Sammlungen weltweit gefestigt.

Agathes Palette bevorzugt tiefe Schwarz- und Blautöne, eine dezente, sich bewegende Chromatik. Ihre Gemälde verwenden reine Pigmente, Tinten, Ölfarben und Acrylfarben von überwältigender Intensität, die dazu neigen, Verbindungen zu verborgenen Dingen zu knüpfen und den Betrachter aus dem Sichtbaren zu führen. Die Leinwand übt eine Kraft aus, die sich an den eigenen Erfahrungen reflektiert.
Ihre Zeichnungen, mit dem Bic-Kugelschreiber realisiert, tragen eine destabilisierende Anziehungskraft in sich.
Agathes Fotografien verwirren durch kaléidoskopische Abstraktionen, sie überwältigen uns mit stillen Empfindungen, an die sich eine vollkommen schwebende Schwerelosigkeit erinnert, die unseren Anfang markierte.
Ihre Hunderten von Gedichten rhythmisieren ihr Universum mit einem lyrischen Charakter, der ihr Werk kennzeichnet. Einer ersten Sammlung mit dem Titel „You will have to learn to smile again“ erscheint im Winter 2024.

Über ihr künstlerisches Schaffen hinaus ist Agathe auch tief in die Psychoanalyse in der transaktionalen Analyse vertieft, die sie seit vier Jahren in Paris verfolgt. Diese Erforschung bereichert ihren konzeptionellen Prozess und ermöglicht es ihr, äußerst tiefgreifende psychologische Dimensionen in ihre Kunst zu integrieren, die von dichten Schichten geprägt ist.
Agathe trennt ihre Kunst nicht von ihrem gesellschaftlichen Engagement. Sie konzentriert sich in ihrer Arbeit auf zentrale Themen wie psychische Gesundheit, Umwelt und Bildung. Diese Reflexionsachsen sind nicht nur im Kunstwerk vorhanden; sie sind integraler Bestandteil ihrer künstlerischen Identität und Persönlichkeit.

Ihr Werk wurde in mehreren renommierten Publikationen gewürdigt, darunter Forbes, L’Œil und Elle, was ihren bedeutenden Einfluss im Bereich der zeitgenössischen Kunst unterstreicht.

Agathe Toman fasziniert und inspiriert weiterhin ein weltweites Publikum und bietet durch ihre Werke ein Fenster zur Komplexität menschlicher Erfahrungen, so wie sie sie wahrnimmt und in Kunst verwandelt. Erfahrungen, die sie mit großer Großzügigkeit teilt.

"MEINE VISION:
Mein Werk erforscht die tiefen Verbindungen zwischen Psyche und Körper, indem es Dialoge zwischen Geist und Materie webt. Ich frage nach ihren Funktionsweisen in ihrer Umgebung, den Verbindungen, die sie herstellen, und den Vibrationsformen, die entstehen, sichtbar oder unsichtbar.
Ich erkunde Themen wie Identität, Erinnerung, menschliche Natur und das Verhältnis des Einzelnen zu seiner Umgebung. Meine Werke tragen eine emotionale Tiefe und eine bestimmte Spannung in sich, die den Betrachter zu einer introspektiven Reflexion einlädt und einen Durchgang ins Unbewusste öffnet.

Ich verankere diesen Willen in der Materialität meiner Werke: entschieden abstrakt, in Monochromen, nuanciert, dort, wo Dunkelheit mit Klarheit koexistiert, das Blau am Kontakt mit Schwarz knistert oder sich von selbst erhellt. Wir befinden uns in der Abwesenheit/B Präsenz des Lichts.
Meine Gemälde, Installationen, Zeichnungen und Fotografien sind jeweils eine absolute Schöpfung, frei von jeglicher Nachahmung, sie wecken reine Emotionen, lösen das Erwachen des Unsichtbaren aus; meine Werke werden so zu Spiegeln dieser inneren Aspekte, die nicht offengelegt werden.

Eine sorgfältige Verbindung zwischen meinen Händen und den Pigmenten, Kohlestiften, dem Kugelschreiber und den Farben, durch Ablagerung von Materie auf Papier oder Leinwand. Meine Ausführungstechniken wiederholen sich nie, ein unkontrolliertes Ergebnis. Eine zunehmende Singularität.
So arbeite ich daran, die Bewegung der Materie festzuhalten, die Dichte des Lichts zu erfassen und ihr etwas von mir einzuhauchen, zur Erwachung eines Ichs.

Es gibt immer etwas, das man nicht vermutet hat. Etwas Unerwartetes. Jene unaussprechliche Intensität, so stark verdichtet, fein angeregt, die uns gefesselt und überwältigt. Wasser, Gravitation, Rinde, diese Allgegenwärtigkeiten metamorphosieren den Beobachter durch ihre Kraft. Das Hervortreten eines eindeutig einzigartigen Abdrucks, eine lyrische Abstraktion, meine Werke sind Selbstporträts, Porträts von Teilen meines Selbst.
Ich sage, dass meine Schöpfungen „Materalisierungen psychischer Zustände“ seien, menschliche Landschaften, Fäden meiner Seele, die andere in sich hineinwachsen lassen.
Ihr Wert liegt nicht in der Ästhetik, sondern in den Schwingungen, die meine Werke beim Betrachter erzeugen. Es sind zwei Empfindungen, die sich treffen und nicht mehr zwei getrennte Individualitäten. Es ist ein lebendiger Prozess. Das Werk transzendiert das Momentane. Ich betrachte sie als aktive Wesen, die neue Verbindungen zwischen uns herstellen.

Der Betrachter wird seinerseits zum Schöpfer, Leben dem Werk gebend in einer Alchemie psychischer Resonanzen.

Ich beginne einen Weg zu einer neuen Sicht auf das eigene Sein, auf die Welt und auf andere.

Wenn der Betrachter sich jetzt einladen lässt, stimmen psychische Schwingungen überein und setzen sich zu einer einzigen Symphonie, ein Dialog beginnt sich einzurichten, ein Rhythmus spürbar wird. Eine Anamorphose seiner Seele zeichnet sich ab, ein fassbar-reflektierendes Spiegelbild. Es ist eine poetische Erfahrung.
Eine intensive und kraftvolle Gegenwart. Eine anspruchsvolle Erfahrung.

Ich möchte, dass meine Werke den menschlichen Geist schärfen, die Seelen schärfen und dass Emotionen darin einen Widerhall finden, dass Worte darin widerhallen.
Wichtig ist, was das Werk in uns mobilisiert und das Ergebnis dieses Treffens.

„Psychischer Schmerz hängt mit allem zusammen, was dem Prozess der subjektiven Symbolisierung entgeht. Wir leiden an dem, was psychisch blockiert ist oder darauf wartet, psychisch registriert zu werden. Der Mensch leidet nicht nur wegen der Ereignisse oder bestimmter Gedanken, sondern auch, weil bestimmte Prozesse in ihm keinen Spiegel, kein Echo, keine Zuhören, kein Aufnahme finden und daher im Irrgarten bleiben.“ René Roussillon - Manuel de psychologie et de psychopathologie de clinique générale, Seite 146.