Anton Kaestner - #21 - XL - " Dans l'Incertitude ".

Unikat, Originalgemälde von Anton Kaestner, direkt aus dem Atelier.
#21 - XL - " In der Ungewissheit ".

Sprüh-Acryl auf 3 mm Plexiglas-Platte.
Transparenzen auf Druck.
Dieses Gemälde ist keine Druckreproduktion. Es handelt sich um ein originales Werk in Mehrfachschicht-Technik mit einer brillanten, glänzenden Erscheinung, die an den Auftrag eines Harzes heranreicht; das Ergebnis ist einzigartig. Die Details dieses Bildes erschließen sich im Laufe der Zeit.

Maße: Inch 34,0 × 24,2 × 0,12 / 86 × 61,5 × 0,3 cm ohne Rahmen.

Dieses Gemälde wird ohne Rahmen geliefert.
Rahmen von niederländischer Qualität der Marke Nielsen aus Aluminium, Referenz 34 Natura 514 Eiche (Inch 0,23 × 1,38 / 0,6 × 3,5 cm) empfohlen und bei Versand gegen Aufpreis von 140€ inkl. MwSt. erhältlich.

Das Werk ist auf der Rückseite signiert.
Ein Echtheitszertifikat begleitet es.
Der Versand ist durch eine Versicherung abgedeckt.

Anton Kaestner ist ein Schweizer Maler, Bildhauer und Autor mit Sitz in Paris. Seine Arbeiten werden in ganz Europa, in der Schweiz und in Dubai ausgestellt. Weitere Informationen und Auswahl unter www.antonkaestner.com.

Nächste Einzelausstellung – Genf, 18. bis 28. Juni 26.

Biografie

Geboren in Genf, Schweiz, wuchs ich in einer Umgebung auf, die von natürlicher Schönheit und kultureller Vielfalt meines Heimatlandes geprägt war. Kreativität hatte in meiner Familie einen hohen Stellenwert, und es war mein verstorbener Großvater, ein Handwerker und Künstler, dessen Einfluss den Samen für das legte, was später zu meiner Lebenspassion werden sollte.
1993 begann ich privat zu malen, experimentierte mit unzähligen Acrylfarben in A4- und später A3-Notizbüchern – ich habe immer das Gefühl gehabt, dass große Bilder direkt auf einen zukommen, dominierend und einschüchternd, während kleine Werke viel mehr Liebe inspirieren können. Zunächst zog mich nicht-figurative Malerei und abstrakter Expressionismus an.
Mit der Zeit, und obwohl ich mich als Atheist betrachte, entwickelte ich auch eine Zuneigung zu spirituellen Materialien, die mit meiner Erforschung der menschlichen Existenz und den tieferen Wahrheiten von Natur und Leben in Resonanz standen.

Der Weg, wirklich Künstler zu werden, war jedoch nicht sofort klar.
Über drei Jahrzehnte verfolgte ich eine internationale Geschäfts­laufbahn, die mich rund um die Welt führte – von den Vereinigten Staaten über Marokko, Belgien, durch Asien bis Frankreich. Meine Reisen erweiterten meinen Horizont und brachten eine Vielzahl kultureller Einflüsse mit sich. Wohin ich auch ging, vertiefte ich mich in die lokale Kunstszene und nahm die kreative Energie jedes Ortes auf.
Trotz des Schwerpunkts auf meiner Geschäftskarriere war Kunst stets Teil von mir, leise unter der Oberfläche köchelnd. Fast drei Jahrzehnte lang wurde Malerei zu einer Form stillen Meditierens – eine Möglichkeit, die Welt hinter sich zu lassen und sich auf mein inneres Selbst zu konzentrieren.

Ich habe immer große Befriedigung im Malen gefunden. Jedes neue Werk ist eine Reise, auf der ich meine Kreativität testen, neue Techniken erforschen und echte Erfahrungen durchleben kann. Durch meine Kunst hoffe ich, anderen eine ehrliche Begegnung mit Schönheit zu ermöglichen, eine Möglichkeit, die Welt aus einer anderen Perspektive zu sehen und über das eigene Leben nachzudenken.

Im Jahr 2023, nach dem Rückzug aus meine Geschäftskarriere, widmete ich mich ganz dem Malen. Ich eröffnete mein Atelier in Paris und begann, mich vollständig meiner Kunst zu widmen. Ende 2024 startete ich meine öffentliche künstlerische Karriere, und zu meiner Überraschung gewann meine Arbeit rasch Anerkennung und fand in Privatkollektionen in ganz Europa heim, insbesondere in Deutschland, Portugal, Belgien, Italien und den Niederlanden.

Ende 2025 zog ich in ein größeres Atelier in einem leerstehenden Sakristsaal in Lisieux, Normandie.

Künstlerischer CV

Meine erste Einzelausstellung, „Échos“, die Ende 2024 in Paris stattfand, zeigte einen eigenständigen Kunstansatz abseits traditioneller Maltechniken: Ich male mit Acrylfarben, Metallic-Pigmenten und Sprays auf der Rückseite recycelten extrudierten Plexiglases (Perpex), einer leichten, glatten, glänzenden und manchmal fragilen Oberfläche. Dieser Prozess verhindert, dass ich das Werk im Entstehungsprozess sehen kann. Ich habe während des Prozesses kein visuelles Feedback oder Kontrolle – etwas, das ich begrüße. Erlaube „random experiments“ – alles ist erlaubt, um die Vernunft zu überbrücken – um das Ergebnis, die Schichten und Spiegelungseffekte zu lenken und Raum für Offenbarung und Entdeckung zu lassen, wenn das Stück schließlich ausgestellt wird. Aber klar gesagt: In meinen Bildern trifft Zufall nie die Entscheidungen; höchstens stellt Zufall Fragen; sinnvolle „Zufälle“ sind nur mit großem Maß an Disziplin möglich. Dieser Ansatz, der an den Offenbarungs-/Fixierungsprozess der Fotografie erinnert, ist herausfordernd und befreiend. Die Werte der Komposition werden durch Schichten und Transparenzen bereichert und verleihen jedem Werk eine „asketische“ Qualität: Ich freue mich, wenn ich irreduzible Notwendigkeiten erkenne, d. h. das, was wir wahrscheinlich entdecken, wenn wir still und hell werden.

Ich halte meinen Ansatz bewusst einfach. Weder „Emotion“ noch „theoretische Konzeption“, sondern das Erleben des Seins. Weder „schneller Konsum“ noch „Intellektualisierung / intellektueller Besitz“, sondern Bewusstseinserweiterung und Erforschung der Realität, ihrer sichtbaren und unsichtbaren Geschichten; meine Kunst ist eine Suche nach dem „Leben im Kern des Lebens“, das, was Alain Damasio als „le vif“ bezeichnet. Obwohl Nostalgie immer Teil meiner Arbeit war, sind meine Gemälde ohne Objekt. Wie alle Objekte sind sie Objekte an sich. Demnach haben sie weder Inhalt, noch Bedeutung, noch Sinn; sie sind wie Dinge, Bäume, Tiere, Menschen oder Tage, die ebenfalls weder Grund ihres Seins, noch Zweck noch Ziel haben. Auch wenn meine Arbeit manchmal Transparenz und Leuchtkraft von Glasmalerei evoziert, bleibt sie nahezu vollständig abstrakt. Zudem verleiht Plexiglas dem Gemälde eine schimmernde Haut, hinter der man die eigene Silhouette erahnen kann – bei jedem neuen Betrachter anders. Jedes Werk wirkt wie ein diskreter Spiegel: Es lebt, es verändert sich, es sieht. Das Zusammenspiel von Licht, Farbe und Textur, auch die fehlenden Teile, erfordert vor allem Einfühlungsvermögen. Hoffentlich wird der Dialog zwischen „Details für Nahsicht“ – ein Detail eines Bildes ist ein völlig neues Bild – und „Distanz für das Ganzes“ die Betrachter dazu anregen, eigene intime Reisen zu beginnen.

Ich behaupte nicht, alle Antworten zu haben, und möchte dem, was erreicht werden kann, gegenüber bescheiden bleiben. Einfach gesagt finde ich Befriedigung im fortlaufenden Prozess des Fragens und Wachsens. Jede neue Kreation ist eine Auseinandersetzung mit meinen Grenzen, die mich dazu drängt, meine Fähigkeiten zu verfeinern und weiter zu erforschen, was ich erreichen kann. Malerei bedeutet für mich tägliches Handwerk, Erkundung, eine Möglichkeit, bedeutungsvolle Gespräche anzustoßen, eine Suche nach einer Farbe, so perfekt, dass sie uns nicht braucht. Das Zeitalter des Informellen hat gerade erst begonnen.

Wie Jean Bazaine sagen würde: „Die tägliche Praxis vervielfacht die Leidenschaft für das Sehen.“

Über die Kohärenz in meiner Praxis

Im Panorama der zeitgenössischen Kunst, in dem Konzept und Form gleiches Gewicht haben, suche ich nach Arbeiten, die nicht durch Dominanz, sondern durch Gegenwart definiert sind. Meine Gemälde – schimmernde Farb- und Lichtfelder im Plexiglas – sind die ruhigen Ergebnisse einer langen und bewussten Untersuchung. Für mich liegt der eigentliche Fokus weniger auf dem Endbild als auf dem stillen Zusammenspiel von Gedanke und Prozess, das dessen Entstehung ermöglicht.

Diese Praxis ruht auf drei ausgerichteten Absichten.

Die erste ist ein Rückzug aus der Auferlegten Bedeutung. Indem ich die Werke als „ohne Objekt“ beschreibe und „weder Inhalt, noch Bedeutung, noch Sinn“ nenne, hoffe ich, die Erwartung eines narrativen Ereignisses sanft zu lockern. Es ist eine Einladung, sich vom Dekodieren abzuwenden und zu einer direkteren Art des Blickens zu gelangen.

Dies führt zur zweiten Absicht: Die Primarität der gelebten Erfahrung. In diesem offenen Raum versuche ich, eine als „Erlebnis des Seins“ zu bezeichnende Wahrnehmung zu platzieren. Das Werk wird weniger zu einem interpretierten Objekt als zu einem stillen Ereignis, das gefühlt wird – geformt durch wechselndes Licht, durchscheinende Schichten und den schwachen Spiegel des Zuschauers, der seinem eigenen Blick begegnet. Wie ich oft festhalte, „lebt das Stück, es verändert sich, es sieht.“

Der dritte Punkt ist dort, wo Idee auf Hand trifft: Prozess als verkörperter Gedanke. Malen auf der Rückseite von Plexiglas, ohne visuelles Feedback zu arbeiten, ist eine physische Praxis des Loslassens. Es ist eine bewusste Freigabe von Kontrolle im Akt des Machens. Ich setze Bedingungen, gebe aber das Ergebnis auf und lasse das Gemälde zu dem werden, was ich ein unabhängiges „Objekt für sich“ nenne, das erst vollständig offengelegt wird, wenn es abgeschlossen ist. Es ist ein stiller Parallelprozess zur fotografischen Entwicklung – ein geduldiges Warten auf das, was hier und jetzt entsteht.

Diese Absichten werden von einigen sanften Paradoxien getragen, die die Arbeit tragen:

Zufall und Disziplin
Ich spreche von „bedeutungsvollen ‚Koinzidenzen‘“, aber sie sind nur innerhalb sorgfältiger Grenzen möglich. Zufall ist ein willkommener Gast, aber die Struktur wird mit Sorgfalt aufgebaut.

Kommunikation ohne Botschaft
Ich hoffe, durch Werke, die ich als meaningless bezeichne, etwas zu kommunizieren. Vielleicht ist das, was geteilt wird, kein Statement, sondern ein Zustand – eine Textur aus Licht, eine stille Gegenwart, eine spürbare Ruhe.

Nostalgie für die Gegenwart
Eine sanfte Nostalgie schwingt in der Arbeit mit, zielt jedoch merkwürdigerweise auf das Jetzt: eine Sehnsucht nach den „unverrückbaren Notwendigkeiten“, gefunden in „Stille und Licht“ – der Wunsch nach reiner Gegenwart, die die Arbeit selbst still anbietet.

Anstrengung und Mühelosigkeit
Der Prozess erfordert beständige Aufmerksamkeit, soll aber zu einem Ergebnis führen, das autonom wirkt, als ob es „aus eigenem Antrieb entstanden“ wäre. Ich fühle mich zu dem hingezogen, was sich als vollkommen unausweichlich anfühlt.
In diesem Sinn habe ich das Gefühl gewonnen, dass das „Zeitalter des Informellen“ gerade erst begonnen hat. Meine Praxis ist dem Geist des Art Informel verpflichtet, vielleicht mit weniger Angst und mehr Ruhe – einer Informalität, in der Zufall kein Bruch, sondern ein stiller Mitarbeiter ist.

Im Kern geht es um die Suche nach dem „le vif“ – dem lebendigen Kern. Die Arbeit neigt sich eher zur direkten Erfahrung als zur Intellektualisierung. Die oft gewählte überschaubare Größe soll Intimität fördern, nicht Spektakel.
Letztlich ist dies einfach der Weg eines Künstlers. Meine Biografie, mein Prozess und meine Überlegungen sind keine separaten Fäden, sondern Teile einer einzigen Suche. Ich habe entdeckt, dass eine Praxis, die in stillem Paradoxon verwurzelt ist, nicht zerbrechlich sein muss. Durch Disziplin und Klarheit können solche Spannungen, davon bin ich überzeugt, eine Quelle der Widerstandsfähigkeit werden.

Anton Kaestner