Agathe Toman - CLOUD #7 3/15

Dieses Werk gehört zur „GETEILTEN COLLECTION“ des Künstlers.

Fotografie, gedruckt auf Fine-Art-Glanzpapier mit viel Struktur. Fotografiert in Rom, Italien. Frühling 2026. Hochwertiger Pigment–Fine-Art-Druck auf Glanzpapier.

Die Fotografie wird Ihnen gerollt zugesandt, nicht gerahmt, und es wird ein Echtheitszertifikat beigefügt, vom Künstler ausgefüllt und signiert. Das Werk ist nummeriert, handsigniert, vorne und hinten.

Agathe Toman ist seit 2021 bei Sotheby’s gelistet.

Biografie der Künstlerin:
Geboren 1989, französischer, österreichischer und tschechischer Abstammung, ist Agathe Toman eine französische multidisziplinäre Künstlerin, deren Talent sich von Malerei über Poesie bis hin zu Skulptur, Zeichnung und Fotografie erstreckt. Nach dem Studium an der renommierten École de la Chambre Syndicale de la Couture Parisienne und mehreren Jahren als Stylistin in französischen Modeshäusern in Paris spürte Agathe vor neun Jahren den Bedarf, sich ausschließlich ihrer künstlerischen Schöpfung zu widmen.
Heute in den Landes (Les Landes) seit dreizehn Jahren ansässig, etabliert sich Agathe als aufstrebende Figur der zeitgenössischen Kunstszene, sowohl national als auch international geschätzt.

Sie ist seit 2021 bei Sotheby’s gelistet; ihre Werke wurden dreimal versteigert, was ihren raschen Aufstieg und die Aufnahme in angesehene Kunstkreise belegt. Ihre bemerkenswerten Beiträge zu diversen Salons, insbesondere zur Art Paris, haben ihr großen Erfolg gebracht und dazu beigetragen, dass ihre Arbeiten in zahlreiche private Sammlungen weltweit Einzug gehalten haben.

Agathes Palette bevorzugt tiefe Schwarz- und Blautöne, einen diskreten, sich bewegenden Chromatik. Ihre Gemälde verwenden reine Pigmente, Tinte, Ölfarben und Acrylfarben in einer überwältigenden Intensität, die darauf abzielt, Verbindungen zu verborgenen Dingen neu zu knüpfen und den Zuschauer aus dem Sichtbaren zu führen. Die Leinwand übt eine Kraft aus, die Echo ihrer eigenen Erfahrungen annimmt.

Ihre Zeichnungen, mit dem Kugelschreiber Bic gefertigt, tragen eine verstörende Anziehungskraft in sich.
Agathes Fotografien verwirren durch kaléidoskopische Abstraktionen; sie überwältigen uns mit stillen Empfindungen, Erinnerungen an eine perfekte Schwerelosigkeit, die dem Ursprung entspringt.
Hunderte von Gedichten rhythmisieren ihr Universum mit einem lyrischen Charakter ihrer Arbeit. Ihr erster Gedichtband mit dem Titel „You will have to learn to smile again“ erscheint im Winter 2024.

Über ihre künstlerische Praxis hinaus ist Agathe auch tief in die Studie der Psychoanalyse in der analytischen Transaktionsanalyse involviert, die sie seit vier Jahren in Paris verfolgt. Diese Erkundung bereichert ihren konzeptionellen Prozess und ermöglicht es ihr, sehr tiefgreifende psychologische Dimensionen in ihre Kunst zu integrieren, die sich in neue Schichten nackt.

Agathe trennt Kunst nicht von ihrem sozialen Engagement. Ihre Arbeit konzentriert sich auf zentrale Themen wie mentale Gesundheit, Umwelt und Bildung. Diese Reflexionsachsen sind nicht nur in ihrer Kunst präsent; sie sind integraler Bestandteil ihrer künstlerischen Identität und Persönlichkeit.

Ihre Arbeit wurde in mehreren angesehene Publikationen gewürdigt, darunter Forbes, L’Oeil und Elle, was ihren bedeutenden Einfluss im Bereich der zeitgenössischen Kunst markiert.

Agathe Toman fasziniert und inspiriert weiterhin ein globales Publikum und bietet durch ihre Werke ein Fenster in die Komplexität menschlicher Erfahrungen, so wie sie sie wahrnimmt und in Kunst verwandelt. Erfahrungen, die sie mit großer Großzügigkeit teilt.

„MEINE VISION:
Meine Arbeit erforscht die tiefen Verbindungen zwischen Psyche und Körper, indem sie Dialoge zwischen Geist und Materie webt. Ich frage nach ihren Funktionsweisen in ihrer Umgebung, den Verbindungen, die sie eingehen, und den Vibrationsformen, die daraus entstehen – wahrnehmbar oder unaussprechlich.
Ich erkunde Themen wie Identität, Gedächtnis, die menschliche Natur und das Verhältnis des Individuums zu seiner Umwelt. Meine Werke sind von tiefer emotionaler Durchdringung und einer gewissen Spannung geprägt, die den Betrachter zu einer introspektiven Reflexion einlädt und einen Weg zum Unbewussten eröffnet.

Ich verankere diesen Willen in der Materialität meiner Werke: resolut abstrakt, monochrom, nuanciert, dort, wo Dunkelheit mit Klarheit koexists, das Blau beim Kontakt mit dem Schwarz Funken schlägt oder allein aufleuchtet. Wir befinden uns in der Abwesenheit/Anwesenheit von Licht.
Meine Gemälde, Installationen, Zeichnungen und Fotografien sind jeweils eine absolute Schöpfung, frei von Nachahmung, die reine Emotionen weckt, das Erwachen des Unsichtbaren provoziert; so werden meine Werke zu Spiegeln dieser verborgenen inneren Aspekte.

Eine sorgfältige Verbindung zwischen meinen Händen und Pigmenten, Kohlestiften, Kugelschreiber und Farben; durch das Ablegen von Materie auf Papier oder Leinwand. Meine Ausführungstechniken wiederholen sich niemals, ein Ergebnis, das nicht kontrolliert ist. Eine gesteigerte Einzigartigkeit.
So arbeite ich daran, die Bewegung der Materie festzuhalten, die Dichte des Lichts zu durchdringen und etwas von mir hineinzugeben, für die Erweckung eines Ichs.

Es gibt immer etwas, das man nicht vermutet hat. Etwas Unerwartetes. Dieses unbeschreibliche Intensität, stark angestachelt, das uns gefesselt und überwältigt. Wasser, Gravitation, Rinde – diese Allgegenwärtigkeiten metamorphosieren den Beobachter durch ihre Kraft. Das Auftauchen einer eindeutig einzigartigen Spur, eine lyrische Abstraktion; meine Werke sind Selbstporträts, Porträts von Teilen meines Selbst.
Ich sage, dass meine Schöpfungen „Materia­lisationen psychischer Zustände“ sind, menschliche Landschaften, Fäden meiner Seele, dazu einladend, dass sich andere darin auflösen.
Ihr Wert liegt nicht in der Ästhetik, sondern in den Schwingungen, die meine Werke beim Betrachter erzeugen. Es sind zwei Empfindungen, die sich treffen statt zwei getrennte Einzelheiten. Es ist ein lebendiger Prozess. Das Werk geht über das unmittelbare hinaus. Ich betrachte sie als aktive Wesen, die neue Verbindungen zwischen uns schaffen.

Der Betrachter wird seinerseits zum Schöpfer, gibt dem Werk Leben in einer Alchemie psychischer Resonanzen.

Ich begleite einen Weg zu einer neuen Sicht auf das eigene Sein, auf sich selbst, die Welt und andere.

Wenn der Betrachter sich nun einladen lässt, sind es psychische Resonanzen, die übereinstimmen und in einer einzigen Symphonie anordnen; ein Dialog beginnt sich einzurichten, ein Rhythmus spürbar wird. Eine Anamorphose der eigenen Seele zeichnet sich ab, ein ungreifbares Spiegelbild. Es ist eine poetische Erfahrung.
Eine intensive und kraftvolle Gegenwart. Eine anspruchsvolle Erfahrung.

Ich möchte, dass meine Werke den menschlichen Geist schärfen, Seelen schärfen und dass Emotionen dort ein Echo finden, dass Worte dort widerhallen.
Wichtig ist, was das Werk in uns mobilisiert, und das Ergebnis dieses Kontakts.

„Psychischer Leidensdruck hängt mit allem zusammen, was dem Prozess der Subjektivierung des Symbolisierens entzogen bleibt. Wir leiden an dem, was psychisch blockiert ist oder darauf wartet, psychisch eingeschrieben zu werden. Der Mensch leidet nicht nur wegen Ereignissen oder bestimmter Gedanken, sondern weil bestimmte Prozesse in ihm keinen Spiegel, Echo, Gehör oder Aufnahme gefunden haben und so umherirren.“ René Roussillon - Manual de psychologie et de psychopathologie de clinique générale, Seite 146.