Agathe Toman - CLOUD #4 14/15

Diese Arbeit gehört zur „COLLECTION PARTAGÉE“ des Künstlers. Glattes Fine-Art-Papier.
Kunstfotografie mit Körnung. Fotografiert in Hossegor, Frankreich. Sommer 2021.
Die Fotografie wird dir gerollt zugesandt, sie kommt ungerahmt, und es wird ein Echtheitszertifikat beigelegt, vom Künstler vervollständigt und signiert. Auf Leinwand nummeriert, handgeschrieben, vorne und hinten signiert.
Agathe Toman ist seit 2021 bei Sotheby’s notiert.

Biografie der Künstlerin:
Geboren 1989, französischer, österreichischer und tschechischer Herkunft, ist Agathe Toman eine französische multidisziplinäre Künstlerin, deren Talent von Malerei über Poesie bis hin zu Skulptur, Zeichnung und Fotografie reicht. Nach dem Studium an der prestigeträchtigen Schule der Chambre Syndicale de la Couture Parisienne und mehreren Jahren als Stylistin in französischen Haute-Couture-Häusern in Paris spürte Agathe vor neun Jahren das Bedürfnis, sich ausschließlich auf ihre künstlerische Schöpfung zu konzentrieren.
Heute in den Landes (Les Landes) seit dreizehn Jahren ansässig, etabliert sich Agathe als aufstrebende Figur der zeitgenössischen Kunstszene, sowohl national als auch international geschätzt.

Seit 2021 bei Sotheby’s notiert, wurden ihre Werke dreimal versteigert, was ihren raschen Aufstieg und die Aufnahme in angesehene Kunstkreise beweist. Ihre bemerkenswerten Beiträge zu verschiedenen Messen, insbesondere der Art Paris, haben ihr großen Erfolg beschert und ihre Präsenz in zahlreichen Privatsammlungen weltweit gefestigt.

Die Palette von Agathe begünstigt tiefe Schwarz- und Blautöne, eine dezente Farbdynamik in Bewegung. Ihre Gemälde verwenden reine Pigmente, Tinten, Ölfarben und Acrylfarben in einer umwerfenden Intensität, die darauf abzielt, Verbindendes mit Verborgenen wiederherzustellen und den Betrachter jenseits des Sichtbaren zu führen. Das Leinwandwerk übt eine Kraft aus, die sich auf die eigenen Erfahrungen bezieht.
Ihre Zeichnungen, mit dem Ballpoint-Bic-Stift gefertigt, tragen eine destabilisierende Anziehungskraft in sich.
Agathes Fotografien verwirren durch kaleidoskopische Abstraktionen; sie überwältigen uns mit ruhigen Gefühlen, Erinnerungen an eine perfekte Schwerelosigkeit, die unserem Anfang angehört hat.
Hunderte Gedichte rhythmisieren ihr Universum mit einem lyrischen Ton, der ihr Werk kennzeichnet. Ein erster Gedichtband mit dem Titel „You will have to learn to smile again“ erscheint im Winter 2024.

Über ihre künstlerische Praxis hinaus ist Agathe auch tief in das Studium der Psychoanalyse in der Transaktionsanalyse involviert, das sie seit vier Jahren in Paris verfolgt. Diese Forschung bereichert ihren konzeptionellen Prozess und ermöglicht es ihr, sehr tiefe psychologische Dimensionen in ihre Kunst zu integrieren, die sich von neuen Schichten durchdringen.

Agathe trennt ihre Kunst nicht von ihrem gesellschaftlichen Engagement. Sie konzentriert ihr Werk auf zentrale Themen wie mentale Gesundheit, Umwelt und Bildung. Diese Denkachsen sind nicht nur in ihrer Kunst präsent; sie sind ein integraler Bestandteil ihrer künstlerischen Identität und Persönlichkeit.

Ihre Arbeit wurde in mehreren renommierten Publikationen anerkannt und gefeiert, darunter Forbes, L’Oeil und Elle, was ihren auffälligen Einfluss im Bereich der zeitgenössischen Kunst markiert.

Jacqui Ottoman fasziniert und inspiriert weiterhin ein globales Publikum und bietet durch ihre Werke ein Fenster in die Komplexität der menschlichen Erfahrung, so wie sie sie wahrnimmt und in Kunst verwandelt. Erfahrungen, die sie mit großer Großzügigkeit teilt.

„MEINE VISION:
Meine Arbeit erforscht die tiefen Verbindungen zwischen Psyche und Körper, indem sie Dialoge zwischen Geist und Materie webt. Ich frage nach ihren Funktionsweisen in ihrer Umgebung, den Verbindungen, die sie eingehen, und den Schwingungen, sowohl wahrnehmbaren als auch unaussprechlichen, die daraus entstehen.
Ich erkunde Themen wie Identität, Erinnerung, menschliche Natur und das Verhältnis des Individuums zu seiner Umwelt. Meine Werke tragen eine emotionale Tiefe und eine gewisse Spannung in sich, die den Betrachter zu einer introspektiven Reflexion einladen und einen Weg zum Unbewussten öffnen.

Ich verankere diesen Willen in der Materialität meiner Werke: resolut abstrakt, monochrom, nuanciert, dort, wo Dunkelheit mit Klarheit koexistiert, das Blau im Kontakt mit Schwarz knistert oder allein erleuchtet. Wir befinden uns in der Abwesenheit/Anwesenheit von Licht.
Meine Gemälde, Installationen, Zeichnungen und Fotografien sind jeweils eine absolute Schöpfung, frei von jeder Nachahmung, die reine Emotion hervorrufend, das Erwachen des Unsichtbaren provozierend; meine Werke werden so zu Spiegeln dieser inneren, nicht offenbart bleibenden Aspekte.

Eine sorgfältige Verbindung zwischen meinen Händen und den Pigmenten, Kohlestiften, dem Kugelschreiber und den Farben, indem Materie auf Papier oder Leinwand abgelegt wird. Meine Ausführungstechniken wiederholen sich nie, ein unkontrolliertes Ergebnis. Eine gesteigerte Einzigartigkeit.
So arbeite ich daran, die Bewegung der Materie festzuhalten, die Dichte des Lichts zu verdichten, und von mir darin zu durchdringen, für das Erwachen eines Selbst.

Es gibt immer etwas, von dem man nicht vermutet hat. Etwas Unerwartetes. Dieses unaussprechliche, intensiv zusammengedrückte und subtil angeregte, das uns gefesselt und überwältigt. Wasser, Gravitation, Rinde – diese Allgegenwärtigkeiten verwandeln den Beobachter durch ihre Kraft. Das Auftauchen einer eindeutig einzigartigen Spur, eine lyrische Abstraktion; meine Werke sind Selbstporträts, Porträts von Teilen von mir.
Ich sage, meine Kreationen seien „Materialisierungen psychischer Zustände“, menschliche Landschaften, Fäden meiner Seele, die andere dazu einladen, darin zu verschmelzen.
Ihr Wert liegt nicht im Ästhetischen, sondern in den Schwingungen, die meine Werke beim Betrachter erzeugen. Es sind zwei Empfindungen, die sich treffen und nicht mehr zwei getrennte Identitäten bleiben. Es ist ein lebendiger Prozess. Das Werk transzendiert das Momentane. Ich betrachte sie als aktive Wesen, die neue Verbindungen zwischen Uns schaffen.

Der Betrachter wird selbst zum Schöpfer, erweckt das Werk zum Leben in einer Alchemie psychischer Resonanzen.

Ich begleite einen Weg zu einer neuen Sicht auf das eigene Selbst, auf die Welt und andere.

Wenn der Betrachter sich nun einladen lässt, stimmen psychische Resonanzen überein und finden in einer gemeinsamen Symphonie statt; ein Dialog beginnt sich einzustellen, ein Rhythmus spürbar zu werden. Eine Anamorphose seiner Seele zeichnet sich ab, flüchtig reflektierend. Es ist eine poetische Erfahrung.
Eine intensive und kraftvolle Gegenwart. Eine anspruchsvolle Erfahrung.

Ich möchte, dass meine Werke den menschlichen Geist schärfen, die Seelen schärfen und dass die Gefühle dort Resonanz finden, dass Worte dort widerhallen.
Wichtig ist, was das Werk in uns mobilisiert, und das Ergebnis dieses Treffens.

„Psychische Leidensfähigkeit hängt mit allem zusammen, was dem Prozess der Subjektsymbolisierung entgleitet. Wir leiden an dem, was psychisch blockiert ist oder auf psychische Einschrift wartet. Der Mensch leidet nicht nur wegen Ereignissen oder bestimmter Gedanken, sondern weil bestimmte Prozesse in ihm kein Spiegelbild, kein Echo, kein Gehör und kein Aufnahmeort gefunden haben und so umherirrend bleiben.“ René Roussillon - Manual de psychologie et de psychopathologie de clinique générale, Seite 146.

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