Agathe Toman - CLOUD #4 15/15

Diese Arbeit gehört zur «COLLECTION PARTAGÉE» der Künstlerin. Hochglanz-Papier, Fine Art. Kunstdruck mit Körnung. Fotografiert in Hossegor, Frankreich. Sommer 2021.

Die Fotografie wird Ihnen gerollt zugesandt, nicht eingerahmt, und es wird eine Echtheitszertifikat beigelegt, ausgefüllt und von der Künstlerin signiert. Auflage laut Nummer, handschriftlich signiert, Vorder- und Rückseite.

Agathe Toman ist seit 2021 bei Sotheby’s gelistet.

Biografie der Künstlerin:
Geboren 1989, französische, österreichische und tschechische Herkunft, Agathe Toman ist eine französische multidisziplinäre Künstlerin, deren Talent von Malerei über Poesie bis hin zu Skulptur, Zeichnung und Fotografie reicht. Nach dem Studium an der renommierten École de la Chambre Syndicale de la Couture Parisienne und Jahren als Stylistin in französischen Haute-Couture-Häusern in Paris, spürte Agathe vor 9 Jahren den Bedarf, sich ausschließlich auf ihr künstlerisches Schaffen zu konzentrieren.
Heute in den Entwicklungsregionen der Landesansiedlung seit dreizehn Jahren etabliert, präsentiert sich Agathe als aufstrebende Figur der zeitgenössischen Kunstszene, sowohl national als auch international geschätzt.

Seit 2021 bei Sotheby’s gelistet, wurden ihre Werke dreimal versteigert, was ihren raschen Aufstieg und ihre Aufnahme in die Kreise der renommierten Kunstwelt belegt. Ihre bemerkenswerten Beiträge zu diversen Messen, insbesondere Art Paris, haben ihr enormen Erfolg eingebracht und ihre Präsenz in zahlreichen Privatsammlungen weltweit gefestigt.

Ihre Farbpalette bevorzugt tiefe Schwarz- und Blautöne, eine diskrete Chromatik in Bewegung. Ihre Gemälde verwenden reine Pigmente, Tinten, Ölfarben und Acrylfarben mit überwältigender Intensität, die darauf abzielen, Verbindungen zu verborgenen Dingen wiederherzustellen und den Betrachter aus dem Sichtbaren herauszuholen. Die Leinwand übt eine Macht aus, die sich dem Echo ihrer eigenen Erfahrungen öffnet.

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Ihre Zeichnungen, mit dem Bic-Kugelschreiber erstellt, tragen eine destabilisierende Anziehungskraft in sich. Die Fotografien von Agathe verwirren durch kaleidoskopische Abstraktionen; sie überwältigen uns mit ruhigen Empfindungen, Erinnerungen an eine perfekte Schwerelosigkeit, die unserem Anfang zusteht. Hundert von Gedichten prägen ihr Universum mit einer lyrischen Ausdruckskraft, die ihr Werk kennzeichnet. Ein erster Gedichtband mit dem Titel «You will have to learn to smile again» erscheint im Winter 2024.

Über ihre künstlerische Praxis hinaus engagiert sich Agathe auch tief in der Psychoanalyse in transaktionaler Analyse, die sie seit vier Jahren in Paris verfolgt. Diese Erkundung erweitert ihren konzeptionellen Prozess und ermöglicht es ihr, sehr tiefe psychologische Dimensionen in ihre Kunst zu integrieren, die von dichten Schichten geprägt ist.

Agathe trennt ihre Kunst nicht von ihrem sozialen Engagement. Sie konzentriert sich in ihrer Arbeit auf zentrale Themen wie psychische Gesundheit, Umwelt und Bildung. Diese Denkansätze sind nicht nur in ihrer Kunst vorhanden, sondern integraler Bestandteil ihrer künstlerischen Identität und Persönlichkeit.

Ihre Arbeit wurde in mehreren renommierten Publikationen anerkannt und gefeiert, darunter Forbes, L’Œil und Elle, was ihren deutlichen Einfluss im Bereich der zeitgenössischen Kunst markiert.

Jacqui Ottoman bleibt weiterhin Publikum weltweit faszinierend und inspirierend und eröffnet durch ihre Werke ein Fenster zur Komplexität der menschlichen Erfahrung, wie sie sie wahrnimmt und in Kunst verwandelt. Erfahrungen, die sie mit großer Großzügigkeit teilt.

"MEINE VISION:
Meine Arbeit erforscht die tiefen Verbindungen zwischen Psyche und Körper, webt Dialoge zwischen Geist und Materie. Ich frage nach ihren Funktionsweisen in ihrem Umfeld, den Verbindungen, die sie eingehen, und den Vibrationsformen, die sichtbar oder unsagbar entstehen.
Ich erkunde Themen wie Identität, Erinnerung, menschliche Natur und das Verhältnis des Individuums zu seiner Umwelt. Meine Werke tragen eine emotionale Tiefe und eine bestimmte Spannung in sich, die den Betrachter zu einer introspektiven Reflexion einladen und einen Weg ins Unbewusste öffnen.

Ich verankere diesen Willen in der Materialität meiner Arbeiten: entschieden abstrakt, in einfarbigem Ton, nuanciert, dort, wo Dunkelheit mit Klarheit koexists, das Blau am Kontakt mit dem Schwarz knistert oder allein aufleuchtet. Wir befinden uns im Sein/Fehlen von Licht.
Meine Gemälde, Installationen, Zeichnungen und Fotografien sind jeweils eine absolute Schöpfung, frei von Imitation, rufen reine Emotionen hervor, lösen das Erwachen des Unsichtbaren aus; meine Werke werden zu Spiegeln dieser verborgenen inneren Aspekte.

Eine sorgfältige Verbindung zwischen meinen Händen und Pigmenten, Kohlestiften, dem Kugelschreiber und den Farben, durch das Ablegen von Materie auf Papier oder Leinwand. Meine Ausführungstechniken wiederholen sich niemals, ein unkontrolliertes Ergebnis. Eine gesteigerte Einzigartigkeit.
So arbeite ich daran, die Bewegung der Materie festzuhalten, die Dichte des Lichts zu formen und ihr etwas von mir einzugeben, zum Erwachen eines Selbst.

Es gibt immer etwas, von dem man nichts ahnte. Etwas Unerwartetes. Dieses unaussprechliche, intensiv komprimierte, subtil angeregte, das uns gefesselt und überwältigt. Wasser, Gravitation, Rinde, all diese Allgegenwart transformieren den Beobachter durch ihre Kraft. Das Entstehen einer eindeutig einzigartigen Spur, eine lyrische Abstraktion, meine Werke sind Selbstporträts, Porträts von Teilen meines Selbst.
Ich sage, dass meine Kreationen «Materialisierungen psychischer Zustände» sind, menschliche Landschaften, Fäden meiner Seele, die die anderer dazu einladen, darin zu verschmelzen.
Ihr Wert liegt nicht im Ästhetischen, sondern in den Vibrationen, die meine Werke beim Betrachter erzeugen. Es sind zwei Sinneseindrücke, die einander begegnen und nicht mehr zwei getrennte Identitäten sind. Es ist ein lebendiger Prozess. Das Werk transzendiert das Momentane. Ich betrachte sie als aktive Wesen, die neue Verbindungen zwischen Uns schaffen, in uns.

Der Betrachter wird seinerseits zum Schöpfer, erweckt das Werk in einer Alchemie psychischer Resonanzen zum Leben.

Ich begreife mich auf einem Weg zu einer neuen Vision von Sein, von mir selbst, von der Welt und von den Anderen.

Wenn der Betrachter sich jetzt darauf einlässt, entfalten sich psychische Resonanzen, die in einer gemeinsamen Sinfonie übereinstimmen, ein Dialog beginnt sich einzurichten, ein Rhythmus fühlt sich an. Eine Anamorphose seiner Seele zeichnet sich ab, unaussprechliches Spiegelbild. Es ist eine poetische Erfahrung.
Eine intensive und kraftvolle Gegenwart. Eine anspruchsvolle Erfahrung.

Ich möchte, dass meine Werke den menschlichen Geist schärfen, die Seelen schärfen und dass Emotionen darin Echo finden, dass Worte darin widerhallen.
Wichtig ist, was das Werk in uns mobilisiert und das Ergebnis dieses Zusammentreffens.

« Psychische Leiden hängen mit allem zusammen, was dem Prozess der Subjektivierung der Symbolisierung entgeht. Wir leiden an dem, was psychisch blockiert ist oder darauf wartet, psychisch registriert zu werden. Der Mensch leidet nicht nur wegen Ereignissen oder bestimmten Gedanken, sondern weil bestimmte Prozesse in ihm keinen Spiegel, kein Echo, kein Gehör und kein Aufnahmegefäß gefunden haben und dadurch im Umherirren bleiben. » René Roussillon - Manual de psychologie et de psychopathologie de clinique générale, Seite 146.

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