Agathe Toman - CLOUD #4 14/15

Dieses Werk gehört zur „COLLECTION PARTAGÉE“ des Künstlers. Fine-Art-Papier glacé.
Kunstfotografie mit körnigem Struktur. Fotografiert in Hossegor, Frankreich. Sommers 2021.
Die Fotografie wird ungerollt versendet, ungerahmt, und es wird eine Authentizitätsbescheinigung beigefügt, die vom Künstler ausgefüllt und signiert ist. Werk nummeriert, handsigniert, Vorder- und Rückseite.
Agathe Toman ist seit 2021 Sotheby’s geführt.

Biografie der Künstlerin:
Geboren 1989, französischer, österreichischer und tschechischer Herkunft, ist Agathe Toman eine französische multidisziplinäre Künstlerin, deren Talent sich von Malerei über Poesie bis hin zu Skulptur, Zeichnung und Fotografie erstreckt. Nach dem Studium an der renommierten Schule der Chambre Syndicale de la Couture Parisienne und mehrjähriger Tätigkeit als Stylistin in französischen Haute-Couture-Häusern in Paris spürte Agathe vor 9 Jahren den Drang, sich ausschließlich auf ihre künstlerische Schöpfung zu konzentrieren.
Heute in den Landes seit dreizehn Jahren ansässig, etabliert sich Agathe als aufstrebende Figur der zeitgenössischen Kunstszene, sowohl national als auch international geschätzt.

Seit 2021 bei Sotheby’s gelistet, wurden ihre Werke dreimal versteigert, was ihren rasanten Aufstieg und ihre Akzeptanz in renommierten Kunstkreisen bezeugt. Ihre bemerkenswerten Beiträge zu verschiedenen Galerien, insbesondere zu Art Paris, haben ihr enormen Erfolg eingebracht und ihre Präsenz in zahlreichen privaten Sammlungen weltweit konsolidiert.

Agathes Palette begünstigt tiefschwarze und blaue Nuancen, eine dezente Bewegung in der Farbsprache. Ihre Gemälde verwenden reine Pigmente, Tinten, Ölfarben und Acrylfarben von überwältigender Intensität, die darauf abzielen, Verbindungen zu verborgenen Dingen neu zu knüpfen und den Betrachter jenseits des Sichtbaren zu führen. Die Leinwand übt eine Macht aus, die Echo auf ihre eigenen Erfahrungen gewährt.

Ihre Zeichnungen, mit dem Bic-Kugelschreiber geschaffen, tragen eine destabilisierende Anziehungskraft in sich.
Agathes Fotografien verwirren durch kaleidoskopische Abstraktionen; sie überwältigen uns mit stillen Empfindungen, Erinnerungen an eine perfekte Schwerelosigkeit, die unserem Anfang entspringt.
Hunderte von Gedichten rhythmisieren ihr Universum mit einem lyrischen Ton, der ihr Werk kennzeichnet. Ein erster Band mit dem Titel „You will have to learn to smile again“ erscheint im Winter 2024.

Über ihr künstlerisches Schaffen hinaus engagiert sich Agathe auch tiefgehend in der Psychoanalyse in der analytischen Kommunikation, die sie seit vier Jahren in Paris verfolgt. Diese Erkundung bereichert ihren konzeptuellen Prozess und ermöglicht es ihr, sehr tiefe psychologische Dimensionen in ihre Kunst zu integrieren, die sich mit neuen Schichtlagen erfüllt.

Agathe trennt Kunst nicht von ihrem sozialen Engagement. Sie richtet ihr Werk auf zentrale Themen wie mentale Gesundheit, Umwelt und Bildung aus. Diese Denkachsen sind nicht nur in ihrer Kunst vorhanden; sie bilden einen integralen Bestandteil ihrer künstlerischen Identität und Persönlichkeit.

Ihre Arbeit wurde in mehreren renommierten Publikationen anerkannt und gefeiert, darunter Forbes, L’Oeil und Elle, was ihren bedeutsamen Einfluss im Bereich der zeitgenössischen Kunst markiert.

Jacqui Ottoman bleibt weiterhin faszinierend und inspiriert ein globales Publikum und bietet durch ihre Werke einen Blick auf die Komplexität menschlicher Erfahrungen, so wie sie sie wahrnimmt und in Kunst verwandelt. Erfahrungen, die sie mit großer Großzügigkeit teilt.

„MEINE VISION:
Meine Arbeit erforscht die tiefen Verbindungen zwischen Psyche und Körper, webt Dialoge zwischen Geist und Materie. Ich hinterfrage ihre Funktionsweisen in ihrer Umwelt, die Verbindungen, die sie herstellen, und die Schwingungen, sowohl spürbare als auch unaussprechliche, die daraus entstehen.
Ich erkunde Themen wie Identität, Erinnerung, menschliche Natur und das Verhältnis des Individuums zu seiner Umwelt. Meine Werke sind von emotionaler Tiefe und einer gewissen Spannung getragen, die den Betrachter zu einer introspektiven Reflexion eingeladen und einen Weg zum Unbewussten öffnet.

Ich verankere diesen Willen in der Materialität meiner Werke: resolut abstrakt, monochrom, nuanciert, dort, wo Dunkelheit mit Klarheit koexists, das Blau am Kontakt mit dem Schwarz knistert oder sich eigenständig verhellt. Wir befinden uns im Fehlen/Bezugnahme des Lichts.
Meine Gemälde, Installationen, Zeichnungen und Fotografien sind jeweils eine absolute Schöpfung, frei von imitation, die reine Emotionen hervorruft und das Erwachen des Unsichtbaren provoziert; so werden meine Werke zu Spiegeln jener inneren Aspekte, die nicht offenbart wurden.

Eine akribische Verbindung zwischen meinen Händen und Pigmenten, Kohlestiften, dem Kugelschreiber und Farben, durch das Absetzen von Materie auf Papier oder Leinwand. Meine Ausführungstechniken wiederholen sich niemals, ein unkontrolliertes Ergebnis. Eine gesteigerte Einzigartigkeit.
So arbeite ich daran, die Bewegung der Materie zu fixieren, die Dichte des Lichts zu verdichten und ihm etwas von mir einzuhauchen, um ein Erwachen eines Ich zu bewirken.

Es gibt immer etwas, das man nicht ahnte. Etwas Unerwartetes. Diese unaussprechliche, intensiv zusammengedrängte Intensität, subtil angeregt, die uns gefesselt und überwältigt. Wasser, Gravitation, Rinde – diese Allgegenwärtigkeiten verwandeln den Beobachter durch ihre Kraft. Das Auftauchen eines eindeutig einzigartigen Abdrücks, eine lyrische Abstraktion, meine Werke sind Selbstporträts, Porträts von Teilen von mir.
Ich sage, meine Kreationen seien „Materialisierungen psychischer Zustände“, menschliche Landschaften, Fäden meiner Seele, die andere darin verschmelzen lassen.
Ihr Wert liegt nicht in der Ästhetik, sondern in den Schwingungen, die meine Werke beim Betrachter erzeugen. Es sind zwei Empfindlichkeiten, die sich treffen und nicht mehr zwei getrennte Identitäten. Es ist ein lebendiger Prozess. Das Werk transzendiert das unmittelbare. Ich betrachte sie als aktive Wesen, die neuartige Verbindungen zwischen Uns selbst schaffen.

Der Betrachter wird ebenfalls zum Schöpfer, der dem Werk durch eine Alchemie psychischer Resonanzen Leben gibt.

Ich führe zu einem Weg, hin zu einer neuen Sichtweise des eigenen Seins, sich selbst, der Welt und anderen.

Wenn der Betrachter sich nun einladen lässt, sind es psychische Resonanzen, die übereinstimmen und in einer einzigen Symphonie harmonieren, ein Dialog beginnt sich zu entwickeln, ein Rhythmus spürbar wird. Eine Anamorphose seiner Seele zeichnet sich ab, ein unfassbar widerspiegelndes Bild. Es ist eine poetische Erfahrung.
Eine intensive und kraftvolle Gegenwart. Eine anspruchsvolle Erfahrung.

Ich möchte, dass meine Werke den menschlichen Geist verfeinern, die Seelen schärfen und dass Emotionen darin einen Widerhall finden, dass Worte darin mitschwingen.
Wichtig ist, was das Werk in uns mobilisiert, und das Ergebnis dieses Treffens.

„Psychische Leiden stehen in Zusammenhang mit allem, was dem Prozess der Subjekts-Symbolisierung entgeht. Wir leiden unter dem, was psychisch blockiert ist oder darauf wartet, psychisch eingeschrieben zu werden. Der Mensch leidet nicht nur wegen Ereignissen oder bestimmter Gedanken, sondern weil bestimmte Prozesse in ihm noch kein Spiegelbild, kein Echo, kein Gehör und keinen Aufnahmeort gefunden haben und so umherirren.“ René Roussillon - Manual de psychologie et de psychopathologie de clinique générale, Seite 146.

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