Anton Kaestner - #440 - S - " Blue Fire ".

#440 - S - "Blue Fire".

Ein Einzelstück, originales Werk von Anton Kaestner, direkt aus dem Pariser Atelier.

Schlierenbasierte Acrylspray auf 3 mm Plexiglasplatte.
Dieses Gemälde ist keine Druckreproduktion. Es handelt sich um ein originales, mehrschichtig bemaltes Werk aus Farbe und/oder Spray, dessen glanzgebende, wetterbeständige Erscheinung, der Eindruck einer Versiegelung ähnelt und einzigartig ist.

Maße: Zoll 9,1 × 8,7 × 0,12 / 23,1 × 22,1 × 0,3 cm ohne Rahmen.
Dieses Gemälde wird ohne Rahmen geliefert.
Rahmen von der deutschen Qualitätsmarke Nielsen aus Aluminium, Referenz 34 (Zoll 0,23 × 1,38 / 0,6 × 3,5 cm) empfohlen und bei Versand gegen Aufpreis von 70 € verfügbar.

Das Werk ist auf der Rückseite signiert.
Ein Echtheitszertifikat begleitet es.
Der Versand ist durch eine Versicherung gedeckt.

Anton Kaestner ist ein Schweizer Maler, Bildhauer und Autor mit Wohnsitz in Paris. Seine Werke werden in ganz Europa, in der Schweiz und in Dubai ausgestellt. Weitere Informationen und Auswahl unter www.antonkaestner.com.

Nächste Einzelausstellung – Genf, Januar 2027.

"Biografie

In Genf, Schweiz geboren, wuchs ich in einer Umgebung auf, die von der natürlichen Schönheit und kulturellen Vielfalt meines Heimatlandes geprägt war. Kreativität hatte in meiner Familie einen hohen Stellenwert, und es war mein verstorbener Großvater, ein Handwerker und Künstler, dessen Einfluss den Grundstein dafür legte, was schließlich zu meiner Lebensleidenschaft werden sollte.
1993 begann ich privat zu malen, experimentierte mit unzähligen Acrylfarben in A4- und später A3-Notizbüchern. Zunächst zog mich die nicht-figurative Malerei und der abstrakte Expressionismus an. Im Laufe der Zeit, und auch wenn ich mich als Atheisten sehe, entwickelte ich eine Vorliebe für spirituelle Materialien, da sie mit meiner Erforschung der menschlichen Existenz, der Melancholie und der tieferen Wahrheiten von Natur und Leben resonierten.
Der Weg, wirklich Künstler zu werden, war jedoch nicht unmittelbar.
Über drei Jahrzehnte hinweg verfolgte ich eine internationale Geschäftslaufbahn, die mich rund um die Welt führte – von den Vereinigten Staaten über Marokko, Belgien, Asien bis Frankreich. Meine Reisen erweiterten meinen Horizont und brachten mir eine Vielzahl kultureller Einflüsse näher. Überall, wo ich hinkam, tauchte ich in die lokalen Kunstszenen ein und nahm die kreative Energie jedes Ortes auf.
Trotz des Schwerpunkts auf meiner Geschäftskarriere war Kunst immer Teil von mir, still vor sich hinsimmernd. Fast 30 Jahre lang wurde Malerei zu einer Form stiller Meditation – ein Weg, der Welt zu entfliehen und sich meinem inneren Selbst zuzuwenden.
Ich habe immer große Befriedigung im Malen gefunden. Jedes neue Werk ist eine Reise, auf der ich meine Kreativität testen, neue Techniken erforschen und echte Erfahrungen durchleben kann. Durch meine Kunst hoffe ich, anderen eine aufrichtige Begegnung mit Schönheit zu ermöglichen, ihnen die Welt aus einer anderen Perspektive sehen zu lassen und über ihr eigenes Leben nachzudenken.
Im Jahr 2021, nach dem Rücktritt aus meiner Geschäftskarriere, widmete ich mich vollständig der Malerei. Ich gründete mein Studio in Paris und begann, mich ganz meiner Kunst zu widmen. Bis Ende 2023 startete ich meine öffentliche künstlerische Laufbahn, und zu meiner Überraschung gewann meine Arbeit rasch Anerkennung und fand ihren Platz in Privatsammlungen in ganz Europa, besonders in Frankreich, Portugal, Deutschland und den Niederlanden.

Künstlerischer Lebenslauf

Meine erste Einzelausstellung, "Échos", die Ende 2024 in Paris stattfand, zeigte einen unverwechselbaren künstlerischen Ansatz fernab traditioneller Maltechniken: Ich male mit Acryl, metallischen Pigmenten und Sprays auf der Rückseite von recyceltem extrudiertem Plexiglas – eine leichte, glatte, glänzende und manchmal fragile Oberfläche.
Dieser Prozess verhindert, dass ich das Werk während seiner Entwicklung sehe. Ich habe kein visuelles Feedback oder Kontrolle während des Prozesses – etwas, das ich begrüße. Ich lasse “zufällige Experimente” – alles geht – zu dem Zweck, das Ergebnis, die Schichten und Spiegelungen, die ich schaffe, zu leiten und Raum für Offenbarung und Entdeckung zu lassen, wenn das Stück schließlich ausgestellt wird. Dieser Ansatz, der die Offenlegungs-/Fixierungsprozesse der Fotografie widerspiegelt, ist fordernd und befreiend. Die Werte der Komposition werden durch Schichten und Transparenzen bereichert, verleihen jedem Werk jedoch eine „asketische“ Qualität: Ich freue mich, wenn ich „unverrückbare Notwendigkeiten“ erkenne, d. h. das, was wir wahrscheinlich entdecken, wenn wir still und hell sind.
Ich halte meinen Ansatz bewusst einfach. Weder “Emotion” noch “theoretische Konzeption”, sondern das Erleben des Seins. Weder “schneller Konsum” noch “Intellektualisierung / intellektiver Besitz”, sondern Erweiterung des Bewusstseins und Erkundung der Wirklichkeit ihrer sichtbaren und unsichtbaren Geschichten; meine Kunst ist eine Suche nach dem „Leben im Herzen des Lebens“, dem „Vivant“, wie es der französische SF-Meister Alain Damasio ausdrücken würde.
Während meine Arbeit gelegentlich die Transparenz und Leuchtkraft von Buntglas annehmen mag, bleibt sie doch fast vollständig abstrakt. Zudem verleiht Plexiglas dem Gemälde eine schimmernde Haut, durch die man die eigene Silhouette sehen kann, wobei diese sich mit jedem neuen Betrachter verändert. Jedes Werk wirkt wie ein diskreter Spiegel: Es lebt, es verändert sich, es sieht.
Das Zusammenspiel von Licht, Farbe und Struktur, auch die fehlenden Teile, erfordert Empathie. Hoffentlich wird der Reiz des Spiels zwischen „Detailansicht“ und „Distanz zum Ganzen“ die Betrachter dazu ermutigen, ihre eigenen introspektiven Reisen zu beginnen.
Ich beanspruche nicht, alle Antworten zu haben, und möchte gegenüber dem, was erreicht werden kann, demütig bleiben. Einfach gesagt finde ich Befriedigung im fortlaufenden Prozess des Fragens und Wachsens. Jedes neue Werk ist eine Konfrontation mit meinen Grenzen, die mich dazu drängt, meine Fähigkeiten zu verfeinern und weiter zu erforschen, was ich erreichen kann. Malen ist für mich eine tägliche Handwerkskunst, eine Erkundung, ein Weg, sinnvolle Gespräche anzustoßen.

Wie Jean Bazaine sagen würde: "Die tägliche Praxis vervielfacht die Leidenschaft fürs Sehen."

Anton Kaestner.