André Ramseyer (1914-2007) - Zonder titel

Dieses abstrakte Skulpturenwerk des renommierten Schweizer Künstlers André Ramseyer (1914-2007) wurde um 1970 direkt vom Künstler erworben und ist charakteristisch für seinen Stil, der stark von der geometrischen Abstraktion Henry Moores beeinflusst war. Sein Werk dieser Periode konzentriert sich auf das Zusammenspiel von „voll und leer“, wobei das kreisrunde Loch in der Skulptur ein klassisches Element seiner Formsprache ist. Obwohl viele seiner bekanntesten Arbeiten in Bronze gegossen wurden, arbeitete er auch mit Steinarten wie Marmor und-Alabaster. Dieses spezielle Stück scheint aus einer polierten Marmorsorte zu sein. Die Skulptur ist nummeriert 1/1 und trägt sein charakteristisches Monogramm. Die Abmessungen betragen 28 cm Länge, 18 cm Höhe und 12 cm Tiefe. Die letzten drei Fotos zeigen ähnliche Arbeiten aus derselben Periode.

Herkunft
Atelier des Künstlers
Familie van Vliet, Eindhoven (1971)

Wichtig !!
Die schwarze massige Basis wird aufgrund des Gewichts (>25 kg) NICHT mitgeliefert, es sei denn, die Skulptur wird abgeholt.

André Ramseyer
Für André Ramseyer war Bildhauen eine wahre Berufung: „Ich konnte nichts anderes. Ich gehorchte einer inneren Berufung.“ Eine Berufung, die er zu beantworten versuchte, nicht ohne Schmerz: „Man strebt nach einem Ziel, das immer weiter entfernt zu liegen scheint, je näher man kommt. Der Künstler verfehlt immer das, was er zu erreichen wünschte. Es ist eine Quelle des Leidens und zugleich eine Quelle der Inspiration“, sagte er im Alter von 90 Jahren gegenüber Dominique Bosshard (in der Neuchâtel Express, 31. Januar 2004).

Nachdem er bei Léon Perrin (1886-1978) in La Chaux-de-Fonds studiert hatte und Unterricht an den Vrije Academies von Montmartre und Montparnasse in Paris genommen hatte, behandelte André Ramseyer den menschlichen Körper in einem Stil, der seine Bewunderung für Meister wie Rodin (1840-1917) und Maillol (1861-1944) widerspiegelte. Das letzte figurative Werk des Bildhauers ist Die Badende, die über den Swimmingpool auf der zentralen Terrasse des formalen Gartens vor dem Hôtel DuPeyrou in Neuchâtel blickt. Dies war ein wichtiger Meilenstein in seiner Karriere: erstens, weil es sein erster großer offizieller Auftrag war, und zweitens, weil das Werk Kontroversen hervorrief. André Ramseyer musste es gegen eine Gruppe Gegenspieler verteidigen, die an traditioneller Kunst festhielten. Es dauerte fünf Jahre, bis das Werk enthüllt wurde, obwohl das ursprüngliche Projekt des Bildhauers bereits aus dem Jahr 1948 stammte.

Nach der Zeit im Atelier von Ossip Zadkine (1890-1967) bewegte sich André Ramseyer allmählich in Richtung Abstraktion. Die Figuren der Paare, die er bildhauerte, erhielten vereinfacht, verfeinert geformte Formen, mit leeren Räumen zwischen ihren Körpern. Er erläuterte seine Entwicklung folgendermaßen:

„Es war 1948, nach Die Badende im Hôtel DuPeyrou, als ich mich von der figurativen Kunst entfernte. Nach einem Jahr in Paris arbeitete ich mit dem Bildhauer Ossip Zadkine zusammen. Unter seinem Einfluss entwickelte ich mich langsam zu einer Form von Freiheit, nach der ich mich so sehr sehnte.“ Zadkine bleibt eine figurative Bildhauer, doch er nimmt Freiheiten mit dem menschlichen Körper, Freiheiten, die ich übernommen habe, wie in Trost, einer Skulptur, die heute auf dem zentralen Platz in Biel/Bienne steht; es bleibt der männliche und der weibliche Körper, aber mit großer Freiheit behandelt.“¹

Als Ramseyer sich der Abstraktion zuwandte, wurde diese Kunstform von der breiten Öffentlichkeit und sogar vielen Künstlern, wie Charles L’Eplattenier (1874–1946), Léon Perrin (1886–1978) und Paulo Röthlisberger (1892–1990), sehr streng beurteilt. Ramseyer erzählt, dass letzterer während eines Aufenthalts in Paris der Versuchung erlag, nicht-figurativ zu malen, es aber aufgegeben habe. „Vor einer Skulptur von Marino Marini stand, sagte er mir sogar: ‚Das ist nichts für uns.‘“ Was Léon Perrin betrifft, so urteilte er heute über die Arbeiten seines ehemaligen Schülers als „kindisch, fast verderblich!“²

Ramseyers befreundete Maler, wie Georges Froidevaux und Claude Loewer, die sich ebenfalls der abstrakten Kunst zugewandt hatten, stießen auf dieselbe Unverständnis: Das Publikum in Neuchâtel sah einfach nicht hin. Die Region Neuchâtel und Jura jedoch trat ab den Fünfzigerjahren spektakulär in die Ära der modernen Kunst ein; der Bildhauer André Ramseyer war einer der Ersten, der sich traute, die figurative Kunst zu verlassen, und verlieh seinen Erkundungen der Kreisform eine persönliche Dimension, auch wenn seine Arbeiten Echo von Jean Arp oder Henry Moore zeigten (den er 1950 im Kunstmuseum Bern entdeckte).

Diese formalen Erkundungen wurden immer innovativer, mit dem Risiko, die Empfindlichkeiten des Neuenburger Publikums, das der abstrakten Kunst noch weitgehend gegenüberstand, zu verletzen. So schrieb die Courrier de Genève im Jahr 1960, nach der Enthüllung einer Skulptur an der Fassade des Winterthur Versicherungsgebäudes in Neuchâtel:

„Für diejenigen, die interessiert sind – und wir glauben, dass es viele davon gibt – möchten wir darauf hinweisen, dass das bronzene Motiv an der Fassade des Gebäudes, geschaffen von der Bildhauer Ramseyer, den Titel Envol trägt.“ (Flucht), was gut zu wissen ist.“³ Der Bildhauer wollte das Werk erneut in die Architektur integrieren. André Ramseyer erläuterte dies in der Feuille d’Avis de Neuchâtel:

„Für dieses ausgesprochen moderne Gebäude war es das Ziel, ein einfaches Motiv zu wählen, das für die Außenluft geeignet, aus der Ferne sichtbar und auch für Autofahrer, selbst für diejenigen, die schnell vorbeifuhren.“ Ich wählte ein Spiel von Rundungen, das im Kontrast die Vertikalen und Horizontalen des Gebäudes betonte. Es war notwendig, einen steigenden Rhythmus zu schaffen, dem großen Aufwärtsdrang der Fassade und der langen rechteckigen Wand zu folgen, die verziert werden musste. Ich möchte betonen, dass dieses Werk – das ich Flucht genannt habe – nichts Darstellendes ist. Es ist ein skulpturales Element, in dem man nur ein Spiel von Formen und Rhythmen sehen muss. Die zeitgenössische Architektur verlangt nach zeitgenössischer Bildhaukunst.“⁴

André Ramseyer schuf unzählige monumentale Werke und ging einen dynamischen Dialog mit der Architektur ein. Er war immer darauf bedacht, sich in den Geist des Ortes zu integrieren, mit Raum, Licht und den Materialien dieser Standorte zu spielen. Laut Olivier Bauermeister erzeugen Ramseyers Skulpturen „nach und nach den Raum, den sie brauchen, in einer ununterbrochenen Bewegung von Anfang und Ende.“5

André Ramseyer fand einen originellen Weg, indem er Variationen der Kreisform vervielfältigte. Für ihn war „die Kugel die schönste aller Linien...“ Er legte auch großen Wert auf die „Magie der Leere“, die die Form bewohnt und durchdringt. Die gegensätzlichen Extreme des Materiellen und des Immateriellen kommen so zusammen. Der Künstler sagte gerne, dass seine Werke sich im Raum entfalten, genauso wie der Raum sie durchdringt. Er wollte, dass sie „von innen strahlen“. In seiner 1979 erschienenen Monografie über den Künstler schreibt Marcel Joray: „Formen, geboren aus dem Kreis, Sinnbild des Himmels, und aus Schnitten geboren aus dem Quadrat, Sinnbild der Erde, vervielfachen sich. Der Kreis wird zur zentralen Form aller Skulpturen Ramseyers, der danach strebt, das Zeichen zu erreichen, die Vergänglichkeit der Materie.“ Die Bildhauer wiederholt diesen Punkt (in L'Express, 31. Januar 2004): „In einem Kunstwerk gibt es Materie, Raum, Licht, alle Fähigkeiten, die man hineinlegen kann. Aber es muss eine zusätzliche, wesentliche Dimension geben, die ich spirituell nennen würde. Das Kunstwerk sendet seine eigenen Vibrationen aus.“

Die Serie Cantata oder Gates of Day (1988-1990) nimmt einen einzigartigen Platz in seinem Œuvre ein. André Ramseyer ging mehrfach an die Granitplatten, die sein Nachbar, ein Steinmetz, in seiner Werkstatt gelagert hatte. Eines Tages verspürte er den Drang, architektonische Formen aus diesen Platten zu hauen und subtile Gravuren hinzuzufügen, als Hommage an das Material selbst. Dieser Ansatz verunsicherte viele, und selbst der Künstler hatte damit zu kämpfen.

André Ramseyer hat mehrfach über seine Arbeit gesprochen, in Interviews und Vorträgen. Er schrieb auch die Texte für den zweiten Teil der Monografie, die 1994 von Éditions du Griffon veröffentlicht wurde.