Anton Kaestner - #443 - S - " Harsh Nature 1/9 ".

#443 - S - "Harsh Nature 1/9".
Unikat, originales Werk von Anton Kaestner, direkt aus dem Pariser Atelier.

Acrylspray auf 3 mm Glasplatte.
Dieses Gemälde ist keine Reproduktion. Es handelt sich um ein originales, mehrfach deckend gemaltes Werk mit Acrylfarben und/oder Sprühfarben, dessen glänzende Oberfläche "glossy", nahe an der Anwendung eines Harzes, einzigartig ist.
Es gehört zu einer Serie von 9 Gemälden (1/9 bis 9/9) zu einem Gesamtpreis von 1800 € 9 gerahmte Gemälde). Bitte kontaktieren Sie uns, wenn Sie es wünschen, nach dem Kauf des ersten Gemäldes.

Maße: 12,6 x 9,1 x 0,12 Zoll / 32 x 23 x 0,3 cm ohne Rahmen.
Dieses Gemälde wird ohne Rahmen geliefert.
Rahmen von hochwertiger deutscher Marke Nielsen aus Aluminium, Referenz 34 (Inch 0,23 x 1,38 / 0,6 x 3,5 cm) empfohlen und bei Versand gegen Aufpreis von 70€ verfügbar.

Das Werk ist signiert auf der Rückseite.
Ein Echtheitszertifikat begleitet es.
Der Versand ist durch eine Versicherung abgesichert.

Anton Kaestner ist ein Schweizer Maler, Bildhauer und Autor mit Sitz in Paris. Seine Werke werden in ganz Europa, der Schweiz und Dubai ausgestellt. Weitere Informationen und Auswahlmöglichkeiten unter www.antonkaestner.com.

Nächste eigene Ausstellung – Genf Januar 2027.

"Biografie

Geboren in Genf, Schweiz, wuchs ich inmitten der natürlichen Schönheit und kulturellen Reichhaltigkeit meiner Heimat auf. Kreativität wurde in meiner Familie geschätzt, und es war mein verstorbener Großvater, ein Handwerker & Künstler, dessen Einfluss den Samen dafür legte, was später zu meiner Lebensleidenschaft werden sollte.
1993 begann ich privat zu malen, experimentierte mit unzähligen Acrylfarben in A4- und später A3-Notizbüchern. Zunächst zog es mich zur nicht-figurativen Malerei und zum abstrakten Expressionismus. Im Laufe der Zeit, und obwohl ich mich als Atheist betrachte, entwickelte ich auch eine Zuneigung zu spirituellen Materialien, da sie mit meiner Erforschung der menschlichen Existenz, Melancholie und den tieferen Wahrheiten von Natur und Leben in Resonanz standen.
Der Weg, wirklich Künstler zu werden, war jedoch nicht sofort gegeben.
Über drei Jahrzehnte verfolgte ich eine internationale Geschäftskarriere, die mich um die Welt führte, von den Vereinigten Staaten bis nach Marokko, Belgien, durch ganz Asien und Frankreich. Meine Reisen erweiterten meinen Horizont und führten mich einer Vielzahl kultureller Einflüsse zu. Wohin ich auch ging, tauchte ich in die lokale Kunstszene ein und nahm die kreative Energie jedes Ortes auf.
Trotz des Schwerpunkts auf meiner Geschäftskarriere war Kunst immer ein Teil von mir, der still unter der Oberfläche köchelte. Fast 30 Jahre lang wurde Malerei zu einer Form geheimer Meditation für mich – ein Weg, aus der Welt auszubrechen und zu meinem inneren Selbst zu finden.
Ich habe immer große Befriedigung im Malen gefunden. Jedes neue Werk ist eine Reise, auf der ich meine Kreativität testen, neue Techniken erforschen und echte Erfahrungen erleben kann. Durch meine Kunst habe ich stets gehofft, anderen eine aufrichtige Begegnung mit Schönheit zu ermöglichen, die Möglichkeit zu geben, die Welt aus einer anderen Perspektive zu sehen und über das eigene Leben nachzudenken.
2021, nach dem Rücktritt aus meiner Geschäftskarriere, habe ich mich dem Malen voll und ganz verschrieben. Ich habe mein Atelier in Paris eingerichtet und mich ganz meiner Kunst gewidmet. Bis Ende 2023 habe ich meine öffentliche künstlerische Laufbahn gestartet, und zu meiner Überraschung fand meine Arbeit schnell Anerkennung und ihren Platz in privaten Sammlungen in ganz Europa, vor allem in Frankreich, Portugal, Deutschland und den Niederlanden.

Künstlerischer Lebenslauf

Meine erste Einzelausstellung, "Échos", die Ende 2024 in Paris stattfand, zeigte einen einzigartigen Ansatz zur Kunst, abseits traditioneller Maltechniken: Ich male mit Acrylfarben, metallischen Pigmenten und Sprays auf der Rückseite von recyceltem extrudiertem Plexiglas, einer leichten, glatten, glänzenden und manchmal zerbrechlichen Oberfläche.
Dieser Prozess hindert mich daran, das Werk während der Entwicklung zu sehen. Ich habe kein visuelles Feedback oder Kontrolle während des Prozesses – etwas, das ich begrüße. Ich lasse “zufällige Experimente” – alles geht, um die Vernunft zu entzünden! – den Ausgang, die Schichten und Spiegelungen, die ich erschaffe, zu leiten und Raum für Offenbarung und Entdeckung zu lassen, wenn das Stück schließlich ausgestellt wird. Dieser Ansatz, der an den Offenbarungs-/Fixierungsprozess der Fotografie erinnert, ist herausfordernd und befreiend. Die Werte der Komposition werden durch Schichten und Transparenzen bereichert und verleihen jedem Werk eine „asketische“ Qualität: Ich freue mich, wenn ich unverrückbare Notwendigkeiten erkenne, d. h. das, was wir wahrscheinlich entdecken, wenn wir still und im Licht verweilen.
Ich halte meinen Ansatz bewusst einfach. Weder „Emotion“ noch „theoretische Konzeption“, sondern Erfahrung des Seins. Weder „schneller Konsum“ noch „Intellektualisierung / intellektueller Besitz“, sondern Erweiterung des Bewusstseins und Erforschung der Realität, ihrer sichtbaren und unsichtbaren Geschichten, meine Kunst ist eine Suche nach dem „Leben im Herzen des Lebens“, dem « vif », wie der französische SF-Meister Alain Damasio es ausdrücken würde.
Während meine Arbeit manchmal die Transparenz und Leuchtkraft von Buntglas an sich erinnert, bleibt sie doch weitgehend abstrakt. Zudem verleiht Plexiglas dem Gemälde eine schimmernde Haut, hinter der man die eigene Silhouette erspähen kann, jedem neuen Betrachter gegenüber verschieden. Jedes Werk wirkt wie ein diskreter Spiegel: Es lebt, es verändert sich, es sieht.
Das Zusammenspiel von Licht, Farbe und Textur, auch der fehlenden Teile, erfordert nur Empathie. Hoffentlich wird das Spiel zwischen Details im Nahbereich und Distanz zum Ganzen die Betrachter dazu anregen, eigene introspektive Reisen zu unternehmen.
Ich behaupte nicht, alle Antworten zu haben, und möchte dem, was erreichbar ist, gegenüber bescheiden bleiben. Einfach gesagt finde ich Befriedigung im fortlaufenden Prozess des Fragens und des Wachsens. Jedes neue Werk ist eine Auseinandersetzung mit meinen Grenzen, die mich dazu zwingt, meine Fähigkeiten zu verfeinern und weiter zu erforschen, was ich erreichen kann. Malerei ist für mich eine tägliche Handwerkskunst, eine Erkundung, eine Möglichkeit, bedeutungsvolle Gespräche anzustoßen.

Wie Jean Bazaine sagen würde: "Die tägliche Praxis vervielfacht die Leidenschaft zu sehen."

Anton Kaestner