Anton Kaestner - #344 - XL - " Tuscany ".

Unikat, originales Gemälde von Anton Kaestner, direkt aus dem Atelier.
#344 - " Tuscany " - Größe XL.
Großformat.

Sprühacrylfarbe auf 3 mm Plexiglasplatte.
Dieses Bild ist keine Druckerei. Es ist ein Werk, das in mehreren Farbschichten und/oder Sprühapplikationen gemalt wurde, dessen glänzende, eher resinartige Oberfläche dem Glasursystem gleicht und einzigartig ist.

Beim Bieten beachten Sie bitte, dass dieses sehr großformatige Werk gerahmt geliefert wird, mit einem Nielsen-Rahmen Ihrer Wahl, bereit zum Aufhängen. Wert des Rahmens allein 170€ inkl. MwSt.

Maße: Zoll 39,4 x 39,4 x 0,12 / 100 x 100 x 0,3 cm ohne Rahmen.
Dieses Gemälde wird mit einem Aluminiumrahmen der deutschen Marke Nielsen geliefert, Holzoptik Eiche (Zoll 0,23 x 1,38 / 0,6 x 3,5 cm), oder einem anderen Rahmen derselben Serie nach Wahl des Käufers.

Das Werk ist auf der Rückseite signiert.
Ein Echtheitszertifikat begleitet es.
Die Lieferung ist durch eine Versicherung gedeckt.

Anton Kaestner ist ein Schweizer Maler, Bildhauer und Autor mit Wohnsitz in Paris. Seine Werke werden europaweit, in der Schweiz und in Dubai ausgestellt. Weitere Informationen und Auswahlmöglichkeiten unter www.antonkaestner.com.

Nächste Einzelausstellung – Genf 18.–28. Juni 2026.

"Biografie

Geboren in Genf, Schweiz, wuchs ich umgeben von der natürlichen Schönheit und kulturellen Vielfalt meiner Heimat auf. Kreativität wurde in meiner Familie geschätzt, und es war mein verstorbener Großvater, ein Handwerker & Künstler, dessen Einfluss den Samen für das legte, was schließlich zur Leidenschaft meines Lebens werden sollte.
1993 begann ich privat zu malen, experimentierte mit unzähligen Acrylfarben in A4- und später A3-Notizbüchern. Zunächst zog mich die nicht-figurative Malerei und der abstrakte Expressionismus an. Mit der Zeit, und obwohl ich mich als Atheist betrachte, entwickelte ich auch eine Zuneigung zu spirituellen Materialien, da sie mit meiner Erforschung menschlicher Existenz, Melancholie und den tieferen Wahrheiten von Natur und Leben in Resonanz standen.
Der Weg, wirklich Künstler zu werden, war jedoch nicht sofort klar.
Über drei Jahrzehnte hinweg verfolgte ich eine internationale Geschäftsreise, die mich um den Globus führte – von den Vereinigten Staaten über Marokko, Belgien, Asien bis Frankreich. Meine Reisen erweiterten meinen Horizont und brachten eine breite Palette kultureller Einflüsse mit sich. Wo immer ich war, tauchte ich in die lokale Kunstszene ein und suchte die kreative Energie jedes Ortes.
Trotz des Schwerpunkts meiner Geschäftskarriere war Kunst immer Teil von mir, still köchelnd unter der Oberfläche. Fast 30 Jahre lang wurde Malerei zu einer Form stiller Meditation für mich – ein Weg, der Welt zu entfliehen und mich auf mein inneres Selbst zu konzentrieren.
Ich habe stets große Befriedigung im Malen gefunden. Jedes neue Werk ist eine Reise, in der ich meine Kreativität testen, neue Techniken erkunden und echte Erfahrungen durchleben kann. Durch meine Kunst hoffe ich, anderen eine aufrichtige Begegnung mit Schönheit zu bieten, die Möglichkeit, die Welt aus einer anderen Perspektive zu sehen und über das eigene Leben nachzudenken.
Im Jahr 2021, nach dem Rücktritt aus meiner Geschäftskarriere, widmete ich mich dem Malen vollständig. Ich gründete mein Studio in Paris und wandte mich vollständig meiner Kunst zu. Ende 2023 begann ich meine öffentliche künstlerische Laufbahn, und zu meiner Überraschung gewann meine Arbeit rasch Anerkennung und fand Platz in privaten Sammlungen in ganz Europa, insbesondere in Frankreich, Portugal, Deutschland und den Niederlanden.

Künstlerischer Lebenslauf

Meine erste Einzelausstellung, "Échos", Ende 2024 in Paris, zeigte einen unverwechselbaren Zugang zur Kunst, abseits traditioneller Maltechniken: Ich male mit Acryl, metallischen Pigmenten und Sprays auf der Rückseite von recyceltem extrudiertem Plexiglas – eine leichte, glatte, glänzende und manchmal fragile Oberfläche.
Dieser Prozess hindert mich daran, das Werk so zu sehen, wie es sich entwickelt. Während des Schaffens habe ich kein visuelles Feedback oder Kontrolle – etwas, das ich begrüße. Ich lasse "zufällige Experimente" – alles ist erlaubt, um die Vernunft zu überstimmen – den Verlauf, die Schichten & Spiegelungen zu lenken und Raum für Offenbarung und Entdeckung zu lassen, wenn das Stück schließlich ausgestellt wird. Dieser Ansatz, der an den Offenbarungs-/Fixierungsprozess der Fotografie erinnert, ist herausfordernd und befreiend. Die Werte der Komposition werden durch Schichten und Transparenzen bereichert, verleihen jedem Werk jedoch eine "asketische" Qualität: Ich bin zufrieden, wenn ich unverrückbare Notwendigkeiten erkenne, also das, was wir vermutlich entdecken, wenn wir in Stille und Licht innehalten.
Ich halte meinen Ansatz absichtlich einfach. Weder "Emotion" noch theoretische Konzeption, sondern das Erleben des Seins. Weder schneller Konsum noch Intellectualisierung / intellektueller Besitz, sondern Erweiterung des Bewusstseins und Erforschung der Realität, ihrer sichtbaren und unsichtbaren Geschichten. Meine Kunst ist eine Suche nach dem "Leben im Kern des Lebens", dem 'Vif', wie der französische SF-Meister Alain Damasio es ausdrücken würde.
Obwohl meine Arbeit manchmal Transparenz und Leuchtkraft von Buntglas zu imitieren scheint, bleibt sie nahezu vollständig abstrakt. Zudem verleiht Plexiglas dem Gemälde eine schimmernde Haut, hinter der man die eigene Silhouette erahnen kann, die sich mit jedem neuen Betrachter unterscheidet. Jedes Werk wirkt wie ein diskreter Spiegel: Es lebt, es verändert sich, es sieht.
Das Zusammenspiel von Licht, Farbe und Textur, auch der fehlenden Teile, erfordert nur Empathie. Hoffentlich wird das Spiel zwischen "Details für Nahblick" und "Distanz für das Ganze" die Betrachter dazu anregen, sich auf eigene introspektive Reisen zu begeben.
Ich behaupte nicht, alle Antworten zu haben, und möchte demütig bleiben, was erreicht werden kann. Einfach gesagt finde ich Befriedigung im kontinuierlichen Fragen und Wachsen. Jede neue Kreation ist eine Konfrontation mit meinen Grenzen, die mich dazu drängt, meine Fähigkeiten zu verfeinern und weiter zu erkunden, was ich erreichen kann. Malerei bedeutet für mich tägliches Handwerk, Erkundung, eine Art, sinnvolle Gespräche zu entfachen.

Wie Jean Bazaine sagen würde: "Die tägliche Praxis vervielfacht die Leidenschaft des Sehens."

Anton Kaestner