André Ramseyer (1914-2007) - Zonder titel

Dieses abstrakte Skulpturenwerk des renommierten SchweizerKünstlers André Ramseyer (1914-2007) wurde um das Jahr 1970 direkt vom Künstler erworben und ist charakteristisch für seinen Stil, der stark von der geometrischen Abstraktion Henry Moores geprägt war. Sein Werk aus dieser Periode konzentriert sich auf die Interaktion zwischen „Volumen und Leere“, wobei das kreisförmige Loch in der Skulptur ein klassisches Element seiner Formensprache ist. Obwohl viele seiner bekanntesten Arbeiten in Bronze gegossen sind, arbeitete er auch mit Materialien wie Marmo‑ oder Alabastersteinen. Dieses spezielle Stück scheint aus poliertem Marmormaterial gefertigt zu sein. Die Skulptur ist nummeriert 1/1 und trägt sein charakteristisches Monogramm. Die Abmessungen betragen 28 cm Länge, 18 cm Höhe und 12 cm Tiefe. Die letzten drei Bilder zeigen ähnliche Arbeiten aus dem gleichen Zeitraum.

Herkunft
Atelier des Künstlers
Familie Van Vliet, Eindhoven (1971)

Wichtig !!
Die schwarze, massige Basis wird wegen des Gewichts (>25 kg) NICHT mitgeliefert, es sei denn, die Figur wird abgeholt.

André Ramseyer
Für André Ramseyer war Bildhauerei eine wahre Berufung: „Ich konnte nichts anderes. Ich gehorchte einer inneren Berufung.“ Eine Berufung, die er nicht ohne Schmerz zu beantworten versuchte: „Du strebst nach einem Ziel, das immer weiter entfernt zu liegen scheint, je näher du kommst. Der Künstler verpasst immer, was er erreichen möchte. Es ist eine Quelle des Leidens und zugleich eine Quelle der Inspiration“, sagte er im Alter von 90 Jahren im Gespräch mit Dominique Bosshard (im Neuenburger Express, 31. Januar 2004).

Nachdem er bei Léon Perrin (1886-1978) in La Chaux-de-Fonds studiert hatte und Unterricht an den Freien Akademien von Montmartre und Montparnasse in Paris nahm, behandelte André Ramseyer den menschlichen Körper in einem Stil, der seine Bewunderung für Meister wie Rodin (1840-1917) und Maillol (1861-1944) widerspiegelte. Das letzte figürliche Werk des Bildhauers ist Die Badende, die über das Schwimmbad in der Mitte des formalen Gartens vor dem Hôtel DuPeyrou in Neuchâtel blickt. Das war ein bedeutender Meilenstein in seiner Karriere: Zum einen, weil es sein erster großer offizieller Auftrag war, und zum anderen, weil das Werk Kontroversen hervorrief. André Ramseyer musste es gegen eine Gruppe Gegener verteidigen, die an traditioneller Kunst festhielten. Es dauerte fünf Jahre, bis das Werk enthüllt wurde, obwohl das ursprüngliche Projekt des Bildhauers bereits 1948 datierte.

Nach seiner Zeit im Atelier von Ossip Zadkine (1890-1967) wandte sich André Ramseyer allmählich der Abstraktion zu. Die Figuren der Pärchen, die er bildhauerte, erhielten vereinfachte, verfeinerte Formen, mit Leerräumen zwischen ihren Körpern. Seine Entwicklung beschreibt er so:

„Es war 1948, nach Die Badende im Hôtel DuPeyrou, als ich mich von der figürlichen Kunst entfernte. Nachdem ich ein Jahr in Paris verbracht hatte, arbeitete ich mit dem Bildhauer Ossip Zadkine zusammen. Unter seinem Einfluss entwickelte ich mich langsam zu einer Form von Freiheit, die ich so sehr begehrt hatte.“ Zadkine blieb ein figürlicher Bildhauer, aber er nahm sich Freiheiten mit dem menschlichen Körper, Freiheiten, die ich übernommen habe, wie in Trost, einer Skulptur, die heute auf dem zentralen Platz in Biel/Bienne steht; Es bleibt der männliche und der weibliche Körper, aber mit großer Freiheit behandelt.“¹

Als Ramseyer sich der Abstraktion zuwandte, wurde diese Kunstform von der breiten Öffentlichkeit und sogar von vielen Künstlern, wie Charles L’Eplattenier (1874–1946), Léon Perrin (1886–1978) und Paulo Röthlisberger (1892–1990), sehr streng beurteilt. Ramseyer erzählt, dass Letzterer während eines Aufenthalts in Paris versucht war, abstrakt zu malen, es aber sein ließ. „Vor einer Skulptur von Marino Marini stand er mir gegenüber und sagte sogar: ‚Das ist nichts für uns.‘“ Was Léon Perrin betrifft, bewertete er das Werk seines ehemaligen Schülers nun als „kindisch, fast verderblich!“²

Ramseyers befreundete Maler, wie Georges Froidevaux und Claude Loewer, die sich ebenfalls der Abstraktion zugewandt hatten, stießen auf dasselbe Unverständnis: Das Publikum in Neuchâtel schaute schlicht nicht hin. Der Rhythmus war nicht zu halten. Dennoch machte die Region Neuchâtel und Jura ab den Fünfzigern einen spektakulären Einzug in die Moderne Kunstwelt; der Bildhauer André Ramseyer war einer der Ersten, der sich vom figürlichen Kunstverständnis trennte und gab seinen Erkundungen der Kreisscheibe eine persönliche Dimension, auch wenn seine Arbeiten Echo von Jean Arp oder Henry Moore zeigen (den er 1950 im Kunstmuseum Bern entdeckte).

Diese formalen Erkundungen wurden immer innovativer, mit dem Risiko, die Empfindlichkeiten des neuchâteler Publikums, das der abstrakten Kunst noch weitgehend gegenüberstand, zu verletzen. So schrieb der Courrier de Genève im Jahr 1960, nach der Enthüllung einer Skulptur an der Fassade des Winterthur‑Gebäudes in Neuchâtel:

„Für jene, die interessiert sind – und wir glauben, dass es viele gibt – möchten wir darauf hinweisen, dass das bronzene Motiv an der Fassade des Gebäudes, geschaffen von dem Bildhauer Ramseyer, den Titel Envol trägt.“ (Flucht), was gut zu wissen ist.“³ Der Bildhauer wollte das Werk erneut in die Architektur integrieren. Ramseyer erklärte dies in der Feuille d’Avis de Neuchâtel:

„Für dieses ausgesprochen moderne Gebäude war das Ziel, ein einfaches Motiv zu wählen, das für draußen geeignet, aus der Ferne sichtbar und auch für Autofahrer, sogar für diejenigen, die schnell vorbeifuhren, war.“ Ich entschied mich für ein Spiel von Rundungen, das im Kontrast zu den Vertikalen und Horizontalen des Gebäudes stand. Es war notwendig, einen steigenden Rhythmus zu schaffen, dem großen Aufwärtsbewegung der Fassade und der langen rechteckigen Wand gerecht zu werden, die geschmückt werden musste. Ich möchte betonen, dass dieses Werk – das ich Flucht genannt habe – nichts für sich ausdrückt. Es ist ein skulpturales Element, in dem man nur ein Spiel von Formen und Rhythmen sehen muss. Die heutige Architektur verlangt nach zeitgenössischer Bildhauerkunst.“⁴

Ramseyer schuf zahllose monumentale Werke und ging eine dynamische Dialog mit der Architektur ein. Er war stets bestrebt, sich in den Geist des Ortes zu integrieren, mit Raum, Licht und den Materialien der jeweiligen Standorte spielend. Laut Olivier Bauermeister erzeugen Ramseyers Skulpturen „allmählich den Raum, den sie benötigen, in einer ununterbrochenen Bewegung von Anfang und Ende.“5

André Ramseyer fand einen originellen Weg, indem er die Kreisscheibe variierte und vervielfachte. Für ihn war „die Kugel die schönste aller Linien…“ Er legte auch einen zentralen Wert auf die „Magie der Leere“, die die Form bewohnt und durchdringt. Die gegensätzlichen Extreme des Materiellen und des Immateriellen kommen so zusammen. Der Künstler sagte gern, dass seine Werke sich im Raum entfalten, genauso wie der Raum sie durchdringt. Er wollte, dass sie „von innen heraus strahlen“. In seiner 1979 veröffentlichten Monographie über den Künstler schreibt Marcel Joray: „Formen, geboren aus dem Kreis, Symbol des Himmels, und aus Schnitten geboren aus dem Quadrat, Symbol der Erde, vervielfaltigen sich. Der Kreis wird zur zentralen Form aller Skulpturen Ramseyers, die danach streben, das Zeichen zu erreichen, die Entsakralisierung der Materie.“ Die Bildhauer wiederholt diesen Punkt (in L’Express, 31. Januar 2004): „In einem Kunstwerk gibt es Materie, Raum, Licht, alle Fähigkeiten, die man hineinlegen kann. Doch es muss eine zusätzliche, essenzielle Dimension geben, die ich spirituell nennen würde. Das Kunstwerk sendet seine eigenen Vibrationen aus.“

Die Cantata of Gates of Day (1988-1990) nimmt einen einzigartigen Platz in seinem Œuvre ein. André Ramseyer ging mehrfach an die Granitplatten, die sein Nachbar, ein Steinmetz, in seiner Werkstatt gelagert hatte. Eines Tages verspürte er den Drang, architektonische Formen aus diesen Platten zu ritzen und feine Gravuren hinzugefügt, als Hommage an das Material selbst. Dieser Ansatz verunsicherte viele, und selbst der Künstler hatte damit Mühe.

André Ramseyer hat mehrmals über sein Werk gesprochen, in Interviews und Vorträgen. Er schrieb auch die Texte für den zweiten Band der Monographie, der 1994 von Éditions du Griffon veröffentlicht wurde.