Oliver Plehn - Caballero XL

Das Bild Caballero wurde 2026 mit Kohle und Gouache auf einer Leinwand von 100 cm x 81 cm geschaffen. Unter dem schwarzen Signiersticker unten rechts. Es wird mit Echtheitszertifikat, in einwandfreiem Zustand geliefert. Das Werk wird eingerollt in einem Fass zu verschicken.

In Caballero XL fängt Oliver Plehn einen Moment roher, visionärer Widerstandes ein: Der Krieger liegt zu Boden, gibt aber nicht auf. Auf Knien oder gebreitet, fasst er das Schwert fest und hält den Schild hoch – seine Rüstung, behandelt mit markanten Kohlestiftstrichen und lebhaften Gouache-Tönen in tiefen Blau- und ätherischen Grautönen, vermittelt das Gewicht des Gefechts und zugleich einen unbeugsamen Willen. Die Figur ist nicht besiegt; sie befindet sich am Rand, schützt sich mit allem, was ihr noch bleibt, und verkörpert jene Dualität aus physischer Fragilität und unbeugsamer Geistesstärke.
Diese Arbeit gehört zur Serie „Spiegel des Seins: Porträts von Fragilität und Stärke“, in der, wie Kurator Antonio Sánchez (1819 Art Gallery) anmerkt, die Stücke „zwischen wörtlicher Darstellung und Abstraktion“ pendeln, um zu einer tiefen Reflexion darüber anzuregen, was es bedeutet, in Zeiten emotionaler und sozialer Tumulte Mensch zu sein. Plehn, beeinflusst von den deutschen Expressionisten und mit einer Laufbahn, die Ausstellungen in der Yale Graduate School of Art, dem Madrid-Barajas Flughafen, der Friedenskirche und Präsenz in Artsy, Flecha.es und der 1819 Art Gallery umfasst, malt „aus der Fragilität heraus, aus jenem liminalen Raum, in dem Schmerz und Schönheit koexistieren“.
Ein jüngeres (2026) Großformatwerk mit technischer Meisterschaft in Kohle und Gouache, ideal für Sammler, die zeitgenössische figurative Kunst voller psychologischer Symbolik suchen: nicht einen unbesiegbaren Helden, sondern jemanden, der auch am Boden weiterkämpft. Ein mächtiger Spiegel unserer eigenen Widerstandsfähigkeit, wenn alles verloren scheint.

Ein unikales Stück mit großer visuelle Wirkung, direkt vom Schöpfer!

SPIEGE DES SEINS: PORTRAITS VON FRAGILITÄT UND STÄRKE
Von Antonio Sánchez. Direktor und Kurator der 1819 Art Gallery
Die Kollektion, die uns vorliegt, ist eine emotionale Zusammenstellung von Werken, die die Tiefe der menschlichen Verfassung durch Porträts und Figuren mit Symbolismus erforschen. Diese Stücke verweben sich zu einer visuellen Erzählung, die eine subtile, oft düstere Farbpalette entfaltet und introspektive, kontemplative Stimmungen evoziert. Die technische Meisterschaft offenbart nicht nur die Beherrschung des Mediums, sondern auch eine intensive emotionale Verbindung zwischen dem Künstler und seinen Subjekten, von denen jedes eine stille, aber spürbare Geschichte trägt.
Die Texturen und Techniken variieren von sanftem Verwischen bis hin zu aggressiv markierten Linien, was die Vielfalt menschlicher Emotionen und die Komplexität unserer Erfahrungen widerspiegelt. Die Strokes, ob fest oder zitternd, in Verbindung mit Licht und Schatten, schaffen eine Atmosphäre, die über das Visuelle hinausgeht und die Seele des Betrachters berührt.
Das Werk schwankt zwischen literaler Repräsentation und Abstraktion, sodass der Geist des Betrachters die Lücken ergänzen kann und eine vertiefte Teilnahme angeregt wird. Der gezielte Einsatz discordanter oder unerwarteter Elemente, wie ein Messer, das durch das Gesicht einer Figur geht, fordert unsere Wahrnehmung heraus und regt eine introspektive Reflexion darüber an, was es bedeutet, in Zeiten emotionaler und sozialer Turbulenzen menschlich zu sein.
Die Sammlung insgesamt dient als Spiegel der Fragilität und Stärke des menschlichen Geistes. Jedes Stück bleibt in seiner Ausdrucksweise einzigartig, trägt zu einem größeren Dialog über Widerstand und Verwundbarkeit bei. Die Wahl der Sujets, von menschlichen Figuren bis hin zu Darstellungen von Tieren, jedes mit tiefer Emotionalität, verstärkt diesen Dialog und deutet eine Universalität unserer emotionalen Erfahrungen an.
Dieses Ensemble von Werken ist mehr als nur eine Demonstration technischer Fähigkeiten; es ist ein Zeugnis der Kraft der Kunst, zu bewegen, zu verbinden und zu hinterfragen. Die Kollektion fängt nicht nur die ästhetische Schönheit ihrer Subjekte ein, sondern fungiert auch als Katalysator für persönliche und kollektive Erkundung tiefer und oft widersprüchlicher Emotionen. Dadurch laden diese Werke die Betrachter ein, sich dem Unbekannten in sich selbst und in der Welt um sie herum zu stellen und bieten Raum für Erkenntnis und Katharsis.

Biografie des Künstlers – Oliver Plehn
Das Werk des deutschen Malers und Zeichners Oliver Plehn ist geprägt von expressiven Darstellungen des menschlichen und tierischen Körpers. Gesichter und Körper bilden das Zentrum seines künstlerischen Universums: kraftvoll, sensibel und psychologisch tiefgründig. Seit seiner Kindheit beeinflussten ihn die Bilder der deutschen Expressionisten, deren spontane Emotion und formale Freiheit auch heute noch Referenz in seiner künstlerischen Sprache sind.
Bereits in jungen Jahren entschied Plehn, Künstler zu werden und seine kreative Unabhängigkeit zu wahren. Neben dem Studium von Malerei und Zeichnung an Kunstschulen absolvierte er naturwissenschaftliche Studien, was ihm eine berufliche Unabhängigkeit und künstlerische Freiheit ermöglichte. Zu Beginn der 1990er Jahre führte ihn ein Stipendium im Bereich der Quantenmechanik nach Madrid.
Oliver Plehn lebt mit seiner Frau und zwei Töchtern im Madrider Viertel Carabanchel Alto.

Künstlererklärung
Meine Arbeit entspringt dem Impuls, die menschliche Existenz in ihrem innersten, widersprüchlichen Kern zu verstehen. Im Laufe meiner Laufbahn habe ich das Porträt als Medium erforscht, um nicht nur das Sichtbare, sondern auch das Verborgene sichtbar zu machen: unterdrückte Emotionen, Narben der Seele, Gesten stiller Widerstandskraft. Ich male aus der Fragilität heraus, aus jenem liminalen Raum, in dem Schmerz und Schönheit koexistieren, ohne Erlaubnis.
Mich interessiert nicht das Einfangen perfekter Gesichter, sondern Präsenz, jene, die von dem spricht, was unausgesprochen bleibt. Mich reizen Stille, Blicke, die Geschichten tragen, Körper, die mit dem Gelebten vibrieren. Jedes Werk ist für mich ein Versuch, einen Dialog mit dem Unbekannten zu führen, jenem inneren Raum, vor dem wir oft zu fliehen versuchen.
Mein Ziel als Künstler ist es, Bilder zu schaffen, die nicht nur betrachtet werden, sondern den Betrachter hinterfragen. Ich möchte, dass sie wie Spiegel wirken, in denen man etwas von sich selbst findet, auch in Unruhe oder Unbehagen. Ich arbeite figürlich, ja, suche darin jedoch die Öffnung zum Geheimnis, zur Frage, zur Emotion, die keine Worte findet.
Ich fühle, dass Kunst die Macht hat zu heilen, zu offenbaren und zu begleiten. In diesem Sinne ist meine Praxis auch eine Form der Fürsorge: für mich selbst und für alle, die sich diesen Bildern mit offenem Herzen nähern.
Ausstellungen
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Online-Präsenz auf Artsy
• Online-Präsenz auf Flecha.es
• Online-Präsenz auf 1819 Art Gallery
• „Aqua versus Terra“, 1.–30. September 2025, Madrid
• „Madrid Oculto“, 1. Juni bis 15. Juli 2025, Madrid
• „The Gods of Muay Thai and a Strange One“, 1. Dezember 2022 – 6. Januar 2023, Madrid
• Ausstellung an der Yale Graduate School of Art, März 2021
• Eine Einzelausstellung am Madrider Flughafen Madrid-Barajas „Faces of the World“, 30. Dezember 2019 – 7. Februar 2020
• Einzelausstellung „The Passion of the Christ“ in der deutschen Friedenskirche, Calle Serrano 6, Madrid
• Ausstellung auf der United Artist Fair 2019 in der Casa de Cantabria, Madrid, Februar 2019
• Mal-Ausstellungen in der Calle Serrano, Madrid, Dezember 2018 – Februar 2019
• Einzelausstellung von Gemälden in Madrid, Spanien, November 2018
• Ausstellung von Gemälden in Madrid, Spanien, Calle Serrano, November 2016 – Januar 2017