Anton Kaestner - #123 - M - " Lava #2 ".

Originales Einzelstück, Originalgemälde von Anton Kaestner, direkt aus dem Atelier.
#123 - M - " Lava #2 ".

Acrylicspray auf 3 mm Plexiglasplatte (UV-beständig).
Transparenzen auf orangefarbigem Print.
Dieses Bild ist kein Druck. Es handelt sich um ein originales Werk mit »Multi‑Layer«-Technik, dessen glänzende, resinenartige Oberfläche einzigartig ist.

Abmessungen: Zoll 17,3 × 12,6 × 0,12 / 44 × 32 × 0,3 cm(nicht gerahmt).

Dieses Bild wird ohne Rahmen geliefert.
Rahmen der Qualitätsmarke Nielsen aus Aluminium, Referenz 34 Schwarz Matt (Zoll 0,23 × 1,38 / 0,6 × 3,5 cm) empfohlen und bei Versand gegen Aufpreis von 90 € inklusive MwSt. erhältlich.

Das Werk ist auf der Rückseite signiert.
Ein Echtheitszertifikat gehört dazu.
Der Versand ist durch eine Versicherung gedeckt.

Anton Kaestner ist ein Schweizer Maler, Bildhauer und Autor mit Sitz in Paris. Seine Werke werden in ganz Europa, in der Schweiz und in Dubai ausgestellt. Weitere Informationen und Auswahl unter www.antonkaestner.com.

Nächste Einzelausstellung – Genf, Januar 2027.

Biografie

Geboren in Genf, Schweiz, wuchs ich in der natürlichen Schönheit und kulturellen Vielfalt meiner Heimat auf. Kreativität wurde in meiner Familie geschätzt, und es war mein verstorbener Großvater, ein Handwerker & Künstler, dessen Einfluss den Samen dafür legte, was schließlich zu meiner Lebensleidenschaft werden sollte.
1993 begann ich privat zu malen, experimentierte mit unzähligen Acrylfarben in A4- und dann A3-Notizbüchern – ich habe immer das Gefühl gehabt, dass große Bilder direkt auf einen zukommen, beherrschend und einschüchternd, während kleine Arbeiten viel mehr Liebe inspirieren können. Zuerst fühlte ich mich von der abstrakten Malerei und dem abstrakten Expressionismus angezogen.
Mit der Zeit entwickelte ich, obwohl ich mich als Atheist betrachte, auch eine Vorliebe für spirituelle Materialien, da sie mit meiner Erforschung der menschlichen Existenz und den tieferen Wahrheiten von Natur und Leben in Resonanz stehen.

Der Weg, wirklich Künstler zu werden, war jedoch nicht sofort gegeben.
Über drei Jahrzehnte verfolgte ich eine internationale Geschäftskarriere, die mich um die Welt führte – von den Vereinigten Staaten nach Marokko, Belgien, durch ganz Asien und Frankreich. Meine Reisen erweiterten meinen Horizont und setzten mich kulturellen Einflüssen verschiedenster Art aus. Wohin ich auch ging, tauchte ich in die lokale Kunstszene ein und nahm die kreative Energie jedes Ortes auf.
Trotz des Fokus auf meine Geschäftsarbeit war Kunst stets Teil von mir, leise am Rand simmernd. Fast 30 Jahre lang wurde Malerei zu einer Form stiller Meditation für mich – ein Weg, sich von der Welt zu lösen und sich auf das innere Selbst zu konzentrieren.

Ich habe stets große Befriedigung im Malen gefunden. Jedes neue Werk ist eine Reise, auf der ich meine Kreativität testen, neue Techniken erforschen und echte Erfahrungen durchleben kann. Durch meine Kunst habe ich immer gehofft, anderen eine aufrichtige Begegnung mit Schönheit zu ermöglichen, eine Gelegenheit zu sehen, die Welt aus einer anderen Perspektive zu betrachten und über das eigene Leben nachzudenken.

2023, nach dem Rückzug aus meiner Geschäftskarriere, widmete ich mich dem Malen voll und ganz. Ich gründete mein Studio in Paris und begann, mich ganz meiner Kunst zu widmen. Ende 2024 startete ich meine öffentliche künstlerische Karriere, und zu meiner Überraschung gewann meine Arbeit rasch Anerkennung und fand in Privatbesitz in ganz Europa ein Zuhause, besonders in Deutschland, Portugal, Belgien, Italien und den Niederlanden.

Ende 2025 zog ich in ein größeres Studio in einer vakanten Sakristei in Lisieux, Normandie.

Künstlerischer Lebenslauf

Meine erste Einzelausstellung, „Échos“, Ende 2024 in Paris, präsentierte einen eigenständigen Zugang zur Kunst, jenseits traditioneller Maltechniken: Ich male mit Acrylfarben, metallischen Pigmenten und Sprays auf der Rückseite recyceltem, extrudiertem Plexiglas (Perpex) – einer leichten, glatten, glänzenden und manchmal empfindlichen Oberfläche. Dieser Prozess verhindert, dass ich das Werk während der Entstehung sehe. Ich habe kein visuelles Feedback oder Kontrolle während des Prozesses – etwas, das ich begrüße. Ich lasse »Zufallsexperimente« – alles, was geht – zu, um das Ergebnis, die Schichten & Spiegelungen, die ich erzeuge, zu steuern, und lasse Raum für Offenbarung und Entdeckung, wenn das Stück schließlich ausgestellt wird. Aber um es klar zu sagen: In meinen Bildern trifft Zufall nie die Entscheidungen; höchstens stellt er Fragen; sinnvolle „Zufälle“ sind nur mit viel Disziplin möglich. Dieser Ansatz, der an den Offenbarungs-/Fixierungsprozess der Fotografie erinnert, ist herausfordernd und befreiend. Die Werte der Komposition werden durch Schichten und Transparenzen bereichert, geben jedem Werk jedoch eine ästhetische, asketische Qualität: Ich freue mich, wenn ich „unersetzliche Notwendigkeiten“ erkenne, d.h. das, was wir wahrscheinlich entdecken, wenn wir in Ruhe und im Licht verweilen.

Ich halte meinen Ansatz bewusst einfach. Weder „Emotion“ noch „theoretische Konzeption“, sondern die Erfahrung des Seins. Weder „rascher Konsum“ noch „Intellektualisierung/ intellekter Besitz“, sondern Erweiterung des Bewusstseins und Erforschung der Realität, ihrer sichtbaren und unsichtbaren Geschichten; meine Kunst ist eine Suche nach dem „Leben im Herzen des Lebens“, dessen, was Alain Damasio „le vif“ nennt. Obwohl Nostalgie immer Teil meiner Arbeit war, sind meine Gemälde ohne Objekt. Wie alle Objekte sind sie Objekte für sich. Sie haben weder Inhalt, noch Sinn, noch Zweck; sie sind wie Dinge, Bäume, Tiere, Menschen oder Tage, die ebenfalls weder Grund zu sein haben, noch ein Ende, noch einen Zweck. Während meine Arbeit manchmal die Transparenz und Luminosität von Buntglas heraufbeschwört, bleibt sie doch fast vollständig abstrakt. Darüber hinaus verleiht Plexiglas dem Gemälde eine schimmernde Haut, hinter der man die eigene Silhouette erahnen kann, die sich bei jedem neuen Betrachter unterscheidet. Jedes Werk wirkt wie ein diskreter Spiegel: Es lebt, es verändert sich, es sieht. Das Zusammenspiel von Licht, Farbe und Textur sowie der fehlenden Teile erfordert lediglich Einfühlungsvermögen. Hoffentlich wird der Dialog zwischen „Details für das Nahsehen“ – ein Detail eines Bildes ist ein ganz neues Bild – und „Distanz zum Ganzen“ die Betrachter zu eigenen introspektiven Reisen anregen.

Ich behaupte nicht, alle Antworten zu haben, und möchte dem, was erreicht werden kann, gegenüber bescheiden bleiben. Einfach gesagt finde ich Befriedigung im fortlaufenden Prozess des Fragens und Wachsens. Jede neue Kreation ist eine Auseinandersetzung mit meinen Grenzen, die mich dazu antreibt, meine Fähigkeiten zu verfeinern und weiter zu erforschen, was ich erreichen kann. Malerei bedeutet für mich tägliches Handwerk, Erforschung, Weg zu bedeutungsvollen Gesprächen, Suche nach einer Farbe, die so perfekt ist, dass sie uns nicht braucht. Das Zeitalter des Informellen hat gerade erst begonnen.

Wie Jean Bazaine sagen würde: Die tägliche Praxis vervielfacht die Leidenschaft fürs Sehen.

Über die Kohärenz meiner Praxis

Im Landschaftsbild der zeitgenössischen Kunst, in dem Konzept und Form gleichwertiges Gewicht haben, strebe ich danach, Werke zu schaffen, die nicht durch Dominanz, sondern durch Präsenz definiert sind. Meine Gemälde – schimmernde Farb- und Lichtfelder im Plexiglas – sind stille Ergebnisse einer langen und bedachten Untersuchung. Für mich liegt der wahre Fokus weniger im Endbild als in dem stillen Wechselspiel von Gedanke und Prozess, das es ermöglicht, hervorzukommen.

Diese Praxis fußt auf drei aufeinander abgestimmten Absichten.

Die erste ist der Rückzug aus vorgeschriebener Bedeutung. Indem ich die Werke als „ohne Objekt“ beschreibe und sie „weder Inhalt, noch Sinn, noch Bedeutung“ haben lasse, hoffe ich, die Erwartung einer narrativen Deutung sanft zu lösen. Es ist eine Einladung, sich vom Dekodieren abzuwenden und zu einer direkteren Art des Betrachtens zu kommen.

Dies führt zur zweiten Absicht: Die Primat des gelebten Erlebnisses. In diesen offenen Raum versuche ich, das zu platzieren, was ich als ein „Erleben des Seins“ betrachte. Das Werk wird weniger zu einem Objekt, das interpretiert werden muss, als zu einem stillen Ereignis, das gefühlt wird – geformt durch wechselndes Licht, durchscheinende Schichten und das schwache Spiegeln des Betrachters, der seinem eigenen Blick begegnet. Wie ich oft festhalte, „lebt es, es verändert sich, es sieht.“

Die dritte ist dort, wo Idee auf Hand trifft: Prozess als verkörperter Gedanke. Das Malen auf der Rückseite des Plexiglasses, ohne visuelles Feedback zu arbeiten, ist eine physische Praxis des Loslassens. Es ist eine bewusste Freigabe der Kontrolle im Akt des Schaffens. Ich setze Bedingungen, doch überlasse das Ergebnis dem Werk, das sich zu einem eigenständigen „Objekt für sich selbst“ entwickelt, das erst vollständig sichtbar wird, wenn es fertig ist. Es ist ein stiller Parallelprozess zur fotografischen Entwicklung – ein geduldiges Warten darauf, was hier und jetzt ankommt.

Diese Absichten halten einige sanfte Paradoxien zusammen, die die Arbeit tragen:

Chance und Disziplin
Ich spreche von sinnvollen »Koinzidenzen«, aber sie sind nur innerhalb sorgfältiger Grenzen möglich. Zufall ist ein willkommener Gast, doch die Struktur ist mit Sorgfalt aufgebaut.

Kommunikation Ohne Botschaft
Ich hoffe, durch Werke, die ich als bedeutungslos bezeichne, etwas zu „kommunizieren“. Vielleicht ist das Gemeinsame kein Statement, sondern ein Zustand – eine Textur aus Licht, eine stille Gegenwart, eine greifbare Stille.

Nostalgie für die Gegenwart
Eine sanfte Nostalgie schimmert in der Arbeit, doch sie richtet sich merkwürdigerweise auf das Jetzt: eine Sehnsucht nach den „unersetzlichen Notwendigkeiten“, gefunden in „Stille und Licht“ – der Wunsch nach reiner Gegenwart, die die Arbeit selbst still anbietet.

Anstrengung und Mühelosigkeit
Der Prozess erfordert konzentrierte Aufmerksamkeit, zielt aber auf ein Ergebnis, das autonom wirkt, als ob es aus eigenem Antrieb entstanden wäre. Ich fühle mich zu dem hingezogen, was sich als vollkommen unvermeidlich anfühlt.
In diesem Sinn habe ich das Gefühl gewonnen, dass „das Zeitalter des Informellen gerade erst begonnen hat.“ Meine Praxis verdankt sich dem Geist des Art Informel, vielleicht jedoch mit weniger Schmerz und mehr Ruhe – eine Informalität, in der Zufall kein Bruch ist, sondern ein stiller Mitspieler.

Im Kern liegt die Suche nach dem »le vif« – dem lebendigen Kern. Die Arbeit nähert sich direkter Erfahrung statt intellektueller Differenzierung. Die oft geringe Größe, die ich wähle, soll Intimität statt Spektakel fördern.
Letztlich ist dies einfach der Weg eines einzelnen Künstlers. Meine Biografie, mein Prozess und meine Reflexionen sind keine separaten Fäden, sondern Teile einer einzigen Verfolgung. Ich habe festgestellt, dass eine Praxis, die auf stillen Paradoxien beruht, nicht zerbrechlich sein muss. Durch Disziplin und Klarheit können solche Spannungen, so glaube ich, zu einer Quelle der Resilienz werden.

Anton Kaestner