Tijs Dragtsma (1992) - Venus Traced in Wild Bramble

Venus Traced in Wild Bramble nimmt das am häufigsten zitierteste Objekt der Kunstgeschichte, die zerbrochene Marmorgöttin des Louvre, und schenkt ihr eine Oberfläche durch Abwesenheit statt durch Restaurierung. Hier ist sie geformt aus einem Feld feiner Kratzer, in tiefgrünes, gefärbtes Spiegelglas gesetzt, ihr geneigter Kopf, das lockige Haar und der entblößte Torso stehen dort, wo die farbige Oberfläche entfernt statt hinzugefügt wurde.

Grün trägt die Mythos auf eigene Weise weiter. Es ist die Farbe von Lorbeer und Brennnesseln, von Dingen, die wild um verlassene Ruinen wachsen, und es verankert Venus in einer Erde, die näher am Boden liegt als am weißen Museumsmarmor, sodass die Liebesgöttin als eine Figur zurückkehrt, die noch in der Natur verwurzelt ist statt hinter Glas versiegelt zu sein.

Um sie herum hält das tiefgrüne, gefärbte Spiegelglas den Raum. Sieh dir das Werk an, und du nimmst auch die Wand hinter dir wahr, die Gestalt dessen, der in der Nähe steht, in dasselbe grüne Feld hineingezogen, das die Göttin hält. Sie wird präsentiert, aber niemals vom Raum, in dem sie hängt, abgeschlossen, und der Betrachter wird Teil der Komposition.

Das Bild ist immer da, bei jedem Licht. Eine einzelne harte Lichtquelle quer durch den Raum vertieft den Kontrast und lässt das Feld einzelner Spuren das Licht aufnehmen und festhalten, doch hier muss nichts eingeschaltet werden, um gesehen zu werden. Licht schafft diese Venus nicht. Es schärft sie.

Nah betrachtet löst sich die monumentale Gestalt in ein Feld feiner Kratzer auf, jeder davon Teil eines größeren Stroms, der durch ihr Haar, ihre Schulter und den Drapé an ihrer Hüfte läuft. Einen Schritt zurück reassemblierte sich die Göttin wieder, ganz in Umriss, wenn auch nicht in Gliedmaßen, und trägt noch immer den Bruch, der sie seit zweitausend Jahren begleitet.

Dieses Werk setzt die Serie Art on Mirror von Tijs Dragtsma fort, in der zerkratzte Bildsprache in farbiges Spiegelglas gesetzt wird und der Betrachter Teil des Werks wird. Eine visuelle Sprache, in der Beschädigung nicht Zerstörung bedeutet, sondern Struktur, und in der der Spiegel das Sehen in Teilnehmen verwandelt. Dieses Werk ist einzigartig.

"Sie war schon gebrochen, lange bevor sie gefunden wurde, und doch steht sie noch immer."

Über Art on Mirror – Green

Art on Mirror ist eine Bilderserie, in der das Bild in farbiges Spiegelglas eingraviert wird, und die Welt vor dem Werk wird zu einem Teil davon. Jede Linie ist in eine tiefgrüne, spiegelnde Acrylglasoberfläche eingeschnitten. Die Kratzer sind immer da, hell gegen die Farbe, während die Oberfläche um sie herum den Raum, das Tageslicht und die betrachtende Person weiterreflektiert.

Aus der Ferne wirkt das Bild klar und vollständig, eine blasse Figur, die in einem Feld von Grün gehalten wird. Kommt man näher, öffnet sich das Werk zu einem filigranen Netz aus einzelnen Markierungen, fein und absichtlich, jede für das Ganze wesentlich. Dahinter und zwischen ihnen tut der Spiegel, was ein Spiegel tut. Er trägt den Raum und den Betrachter in die Komposition hinein, sodass sich die Umgebung im Werk mit dem Ort, an dem es hängt, verändert, während das Bild selbst fest an Ort und Stelle bleibt.

Licht schafft das Bild nicht. Es schärft es. Das Grüngrund absorbiert und reflektiert, die gekratzten Linien fangen und halten, und unter fokussierter Beleuchtung vertieft sich der Kontrast, bis die Gestalt eine skulpturale, fast leuchtende Qualität annimmt. In sanfterem Licht tritt die Farbe nach vorne und das Werk ordnet sich in einen ruhigeren Registerfall ein, ohne jemals sein Subjekt zu verlieren.

Grün ist die Farbe des Wachstums, der Wälder und der Dinge, die immer wieder zurückkehren. Das ist der emotionale Hintergrund, gegen den jedes Werk dieser Serie gesetzt ist, und die Subjekte sind so gewählt, dass sie dazu gehören.

Art on Mirror setzt die gekratzte Bildsprache von Art with Scratch von Tijs Dragtsma auf neuem Grund fort. Wo die schwarzen Werke ihre Macht aus der Abwesenheit ziehen, ziehen diese aus der Reflexion. Der Betrachter schaut nicht mehr nur auf das Werk. Der Betrachter ist darin.

Über den Künstler

Mein Name ist Tijs Dragtsma, Gründer von TD Fine Art Studio.

Als Künstler treibt mich der ständige Wunsch an, neue visuelle Sprachen zu erforschen. Ich betrachte Kunst nicht als festen Stil, sondern als sich entwickelndes Entdeckungsfeld, in dem Material, Struktur, Licht und Emotion zusammenkommen.

Meine Arbeit beginnt oft mit einer einfachen Frage. Wie kann ein Material auf neue Weise sprechen. Wie kann Härte Intimität werden. Wie kann Präzision Emotion schaffen. Diese Suche liegt im Herzen dessen, was ich schaffe.

Innerhalb von TD Fine Art Studio wird jedes Werk als eigene Welt mit eigener Logik, Atmosphäre und visueller Identität angegangen. Einige Werke entstehen durch Rhythmus, Wiederholung und Struktur. Andere entstehen durch Abwesenheit, Schatten, Reflexion oder Spannung. Was sie verbindet, ist ein gemeinsames Engagement für Originalität, Klarheit und emotionale Präsenz.

Ich bin fasziniert von Kontrast. Zwischen Stärke und Zerbrechlichkeit. Zwischen Kontrolle und Gefühl. Zwischen dem Sichtbaren und dem, was offen für Interpretation bleibt. Mein Ziel ist nicht nur, ein Bild zu machen, sondern ein Werk zu schaffen, das Aufmerksamkeit hält, zur Reflexion einlädt und sich im Laufe der Zeit weiter offenbart.

TD Fine Art Studio ist der Raum, in dem diese Erkundungen zusammenkommen. Es ist nicht nur ein Studio, sondern ein sich entwickelndes künstlerisches Universum, geformt von Neugier, Präzision und dem Bestreben, Arbeiten zu schaffen, die sich unverwechselbar, beabsichtigt und lebendig anfühlen.