Tijs Dragtsma (1992) - Bowie Dissolving Into Berlin

Eine Hälfte des Gesichts steigt aus der Dunkelheit empor. Die andere Hälfte zieht sich bereits zurück, abgerissen zu einer Mauer aus Fragmenten, Trümmern, Drähten, zerrissenem Gebilde, den Knochen einer geteilten Stadt. Das ist Bowie in Berlin, die Jahre, in denen er herkam, um zu verschwinden, und sich stattdessen selbst fand.

Das verbliebene Auge blickt dich durchdringend an. Es ist der einzige Fixpunkt in einem Porträt, das sich weigert, stillzuhalten. Um dieses Auge herum zerbricht der Mann in Architektur, als ob Identität selbst etwas wäre, das gebaut wird, und etwas, das sich genauso gut Stein um Stein wieder lösen könnte.

Keine Malerei. Keine Drucktechnik. Keine Tinte. Das Gesicht und die Ruine drumherum sind in die Oberfläche des Acrylglases eingeritzt; kontrollierte Oberflächenschäden stehen für Pigment. Das Bild wird nicht auf die Oberfläche aufgetragen, es wird aus ihr herausgeschnitten, im Moment präsent, in dem man hinsieht, und unverändert von dem Raum um es herum.

Licht schafft dieses Bild nicht. Es schärft es. Unter einer direkten Lichtquelle fangen die Kratzer an zu kreuzen und der Kontrast vertieft sich, das Trümmerfeld gewinnt an Gewicht und Schatten, das Auge behauptet seinen Stand. Bewegt man sich um es herum, liest es sich aus jedem Blickwinkel anders, das Gesicht bleibt unversehrt, nur neu gerahmt.

Aus der Distanz liest es sich als ein einziges monumentales Porträt, halb Mann, halb Wrack. Nah betrachtet löst es sich in ein Feld unzähliger einzelner Kratzer auf, eine Oberfläche, die auseinandergenommen wurde, um eine Person wieder zusammenzufügen.

Bowie Dissolving Into Berlin setzt die Serie Art with Scratch von Tijs Dragtsma fort, in der Bilder durch kontrollierte Oberflächenbeschädigung statt durch Pigment oder Druck entstehen. Dieses Werk ist einzigartig.

"Er kam in eine geteilte Stadt, um den Teil von sich zu finden, der noch ganz war."

Über Art with Scratch

Art with Scratch ist eine Werkreihe, in der das Bild nicht gezeichnet, sondern freigegeben wird. In tielem Schwarz eingeritzt, Zeile für Zeile, entsteht jedes Werk durch unzählige präzise Kratzer, die das Licht einfangen und Form aus der Dunkelheit herausbringen.

Aus der Ferne wirkt das Bild fast fotografisch. Kraftvoll, erkennbar und voller Präsenz. Doch aus der Nähe zerfällt das Werk in ein dichtes Feld einzelner Markierungen. Fein, zerbrechlich und fast schwerkraftlos. Was fest schien, entlarvt sich als zartes Netz aus Linien, jede eine bewusste Geste, jede essentiell für das Ganze.

Licht schafft das Bild nicht. Es schärft es. Die schwarze Oberfläche absorbiert, während die eingeritzten Linien reflektieren. Wenn Licht über die Oberfläche wandert, atmet das Bild. Aus einem Blickwinkel steht die Figur klar und definiert da. Aus einem anderen mildert sie sich und kehrt in die Dunkelheit zurück, aus der sie kam, ohne jemals zu verschwinden. Unter konzentriertem Spotlight vertieft sich der Kontrast und das Bild nimmt eine skulpturale, fast leuchtende Qualität an.

Was dieses Medium so fesselnd macht, ist seine stille Spannung. Der Ritzeakt ist direkt und unumkehrbar. Jede Linie ist eine Entscheidung, die nicht rückgängig gemacht werden kann. Doch das Ergebnis ist nicht hart. Es ist intim, atmosphärisch und lebendig in Bewegung. Härte wird zu Weichheit. Zerstörung wird zu Schöpfung. Abwesenheit wird Präsenz.

In Werken wie diesem Porträt ist die Figur nie vollständig fixiert. Durch das Wechselspiel von Linie, Licht und Schatten verschiebt sich das Bild mit Perspektive und Atmosphäre. In bestimmten Momenten scheint das Subjekt aus dem Schwarzen hervorzutreten. In anderen sinkt es wieder in die Stille zurück. In jenem Bewegungsraum, zwischen Schärfe und Ruhe, lebt das Werk auf.

Wie alle Materialien, die von der Zeit berührt werden, trägt die Oberfläche ihr eigenes stilles Leben. Jede Kratzer hält einen Moment, einen Atemzug, eine Geste. Gemeinsam formen sie nicht nur ein Bild, sondern eine Präsenz, die sich mit jeder Veränderung des Lichts weiter enthüllt.

Über den Künstler

Mein Name ist Tijs Dragtsma, Gründer von TD Fine Art Studio.

Als Künstler treibt mich der ständige Wunsch an, neue visuelle Sprachen zu erkunden. Ich betrachte Kunst nicht als festen Stil, sondern als sich entwickelndes Entdeckungsfeld, in dem Material, Struktur, Licht und Gefühl zusammenkommen.

Meine Arbeit beginnt oft mit einer einfachen Frage. Wie kann Material in einer neuen Weise sprechen. Wie kann Härte Intimität werden. Wie kann Präzision Emotion schaffen. Diese Suche liegt im Herzen dessen, was ich kreiere.

Innerhalb von TD Fine Art Studio wird jede Werkreihe als eigene Welt mit eigener Logik, Atmosphäre und visuelle Identität angegangen. Einige Werke entstehen durch Rhythmus, Wiederholung und Struktur. Andere tauchen durch Abwesenheit, Schatten, Reflexion oder Spannungen auf. Was sie verbindet, ist das gemeinsame Engagement für Originalität, Klarheit und emotionale Gegenwart.

Ich bin fasziniert von Kontrast. Zwischen Stärke und Zerbrechlichkeit. Zwischen Kontrolle und Gefühl. Zwischen dem Sichtbaren und dem, was offen für Interpretationen bleibt. Mein Ziel ist nicht einfach, ein Bild zu schaffen, sondern ein Werk, das Aufmerksamkeit fesselt, zur Reflexion einlädt und sich mit der Zeit weiter enthüllt.

TD Fine Art Studio ist der Raum, in dem diese Erkundungen zusammenkommen. Es ist nicht nur ein Studio, sondern ein sich entwickelndes künstlerisches Universum, geformt durch Neugier, Präzision und den Anspruch, Arbeiten zu schaffen, die sich unverwechselbar, beabsichtigt und lebendig anfühlen.