Anton Kaestner - #123 - M - " Lava #2 ".

Unikat, originales Gemälde von Anton Kaestner, direkt aus dem Atelier.
#123 - M - " Lava #2 ".

Sprühacryls auf 3mm Plexiglasplatte (UV-beständig).
Transparenzen auf orangefarbenem Druck.
Dieses Gemälde ist keine Reproduktion. Es handelt sich um ein originelles Werk in Mehrschichttechnik mit einem brillanten, glänzenden Finish, das einer Harzauflage nahekommt und einzigartig ist.

Maße: 17,3 x 12,6 x 0,12 Zoll / 44 x 32 x 0,3 cm ohne Rahmen.

Dieses Gemälde wird ohne Rahmen geliefert.
Rahmen von hoher Qualität der deutschen Marke Nielsen aus Aluminium, Referenz 34 Schwarz Matt (Zoll 0,23 x 1,38 / 0,6 x 3,5 cm) empfohlen und bei Versand gegen Aufpreis von 90€ inkl. MwSt. erhältlich.

Das Werk ist auf der Rückseite signiert.
Eine Echtheitszertifikat gehört dazu.
Der Versand ist durch eine Versicherung gedeckt.

Anton Kaestner ist ein Schweizer Maler, Bildhauer und Autor mit Sitz in Paris. Seine Werke werden in ganz Europa, in der Schweiz und in Dubai ausgestellt. Mehr Informationen und Auswahl unter www.antonkaestner.com.

Nächste Solo-Ausstellung – Genf, Januar 2027.

Biografie

Geboren in Genf, Schweiz, wuchs ich in der natürlichen Schönheit und kulturellen Vielfalt meiner Heimat auf. Kreativität wurde in meiner Familie geschätzt, und es war mein verstorbener Großvater, ein Handwerker und Künstler, dessen Einfluss den Samen dafür legte, was schließlich zu meiner Lebensleidenschaft werden sollte.
1993 begann ich privat zu malen, experimentierte mit unzähligen Acrylfarben in A4- und dann A3-Notizheften – ich habe immer das Gefühl gehabt, dass große Bilder direkt auf dich zukommen, beherrschend und einschüchternd, während kleine Werke viel mehr Zuneigung inspirieren können. Zunächst zog es mich zur nichtfigurativen Malerei und zum abstrakten Expressionismus.
Mit der Zeit, und obwohl ich mich als Atheist betrachte, entwickelte ich auch eine Vorliebe für spirituelle Materialien, da sie mit meiner Erkundung der menschlichen Existenz und den tieferen Wahrheiten von Natur und Leben in Resonanz standen.

Der Weg, wirklich Künstler zu werden, war jedoch nicht sofort gegeben.
Über drei Jahrzehnte verfolgte ich eine internationale Geschäftskarriere, die mich rund um die Welt führte – von den Vereinigten Staaten bis Marokko, Belgien, durch ganz Asien und Frankreich. Meine Reisen erweiterten meinen Horizont und führten zu einer Vielzahl kultureller Einflüsse. Wohin auch immer ich ging, tauchte ich in die lokale Kunstszene ein und nahm die kreative Energie jedes Ortes auf.
Trotz des Schwerpunkts auf meiner Geschäftskarriere blieb Kunst immer Teil von mir, still vor sich hin brodelnd. Fast dreißig Jahre wurde Malerei zu einer Form stiller Meditation für mich – ein Weg, mich von der Welt zu lösen und zu meinem inneren Selbst zu finden.

Ich habe immer große Zufriedenheit im Malen gefunden. Jedes neue Werk ist eine Reise, bei der ich meine Kreativität testen, neue Techniken erforschen und echte Erfahrungen durchleben kann. Durch meine Kunst hoffe ich, anderen eine aufrichtige Begegnung mit Schönheit zu bieten, die Möglichkeit, die Welt aus einer anderen Perspektive zu sehen und über das eigene Leben nachzudenken.

Im Jahr 2023, nach dem Rücktritt aus meiner Geschäftskarriere, widmete ich mich vollständig dem Malen. Ich gründete mein Studio in Paris und widmete mich fortan ganz meiner Kunst. Bis Ende 2024 startete ich meine öffentliche künstlerische Laufbahn, und zu meiner Überraschung gewann meine Arbeit rasch Anerkennung und fand in privaten Sammlungen in ganz Europa Heimat – besonders in Deutschland, Portugal, Belgien, Italien und den Niederlanden.

Ende 2025 zog ich in ein größeres Studio in einer leeren Sakristei in Lisieux, Normandie.

Künstlerischer Lebenslauf

Meine erste Einzelausstellung, "Échos", die Ende 2024 in Paris stattfand, zeigte einen unverwechselbaren Ansatz in der Kunst, abseits traditioneller Maltechniken: Ich male mit Acrylfarben, metallischen Pigmenten und Sprays auf der Rückseite von recyceltem extrudiertem Plexiglas (Perpex), einer leichten, glatten, glänzenden und manchmal zerbrechlichen Oberfläche. Dieser Prozess verhindert, dass ich das Werk während der Entstehung sehe. Ich habe während des Schöpfungsprozesses kein visuelles Feedback oder Kontrolle – etwas, das ich begrüße. Ich lasse „zufällige Experimente“ – alles geht, um den Verstand auszuknöpfen! – das Ergebnis, die Schichten und Spiegelungen zu lenken und Raum für Offenbarung und Entdeckung zu lassen, wenn das Stück schließlich ausgestellt wird. Aber um klar zu sein: In meinen Bildern trifft Zufall nie Entscheidungen; höchstens stellt er Fragen; sinnvolle „Zufälle“ sind nur mit viel Disziplin möglich. Dieser Ansatz, der mit dem Offenlegungs-/Fixierungsprozess der Fotografie widerhallt, ist herausfordernd und befreiend. Die Werte der Komposition werden durch Schichten und Transparenzen bereichert und geben jedem Werk eine „asketische“ Qualität: Ich freue mich, wenn ich unverrückbare Notwendigkeiten erkenne, d. h. das, was wir wahrscheinlich entdecken, wenn wir in Stille und Licht anhalten.

Ich halte meinen Ansatz bewusst einfach. Weder „Emotion“ noch „theoretische Konzeption“, sondern das Erleben des Seins. Weder „rapider Konsum“ noch „Intellektualisierung / intellekter Besitz“, sondern Erweiterung des Bewusstseins und Erforschung der Realität, ihrer sichtbaren und unsichtbaren Geschichten. Meine Kunst ist eine Suche nach dem „Leben im Herzen des Lebens“, dem, was Alain Damasio „le vif“ nennt. Obwohl Nostalgie immer Teil meiner Arbeit war, sind meine Gemälde ohne Objekt. Wie alle Objekte sind sie Objekte ihrer selbst. Folglich haben sie weder Inhalt noch Bedeutung noch Sinn; sie sind wie Dinge, Bäume, Tiere, Menschen oder Tage, die ebenfalls weder einen Grund des Seins noch ein Ende oder einen Zweck haben. Während meine Arbeit manchmal Transparenz und Leuchtkraft von Glasfenstern heraufbeschwört, bleibt sie fast vollständig abstrakt. Zudem verleiht Plexiglas dem Gemälde eine schimmernde Haut, hinter der man die eigene Silhouette sehen kann, die bei jedem neuen Betrachter anders ist. Jedes Werk wirkt wie ein dezenter Spiegel: Es lebt, es verändert sich, es sieht. Das Zusammenspiel von Licht, Farbe und Struktur, auch der fehlenden Teile, erfordert nur Empathie. Hoffentlich wird der Dialog zwischen „Details für die Nahsicht“ – ein Detail eines Bildes ist ein völlig neues Bild – und „Abstand für das Ganze“ die Zuschauer dazu ermutigen, eigene introspektive Reisen zu unternehmen.

Ich behaupte nicht, alle Antworten zu haben und bleibe demütig hinsichtlich dem, was erreicht werden kann. Einfach gesagt finde ich Zufriedenheit im kontinuierlichen Prozess des Fragens und Wachsens. Jede neue Kreation ist eine Auseinandersetzung mit meinen Grenzen, die mich dazu drängt, meine Fähigkeiten zu verfeinern und weiter zu erforschen, was ich erreichen kann. Malerei ist für mich ein tägliches Handwerk, eine Erkundung, eine Möglichkeit, sinnvolle Gespräche anzustoßen, eine Suche nach einer Farbe, die so perfekt ist, dass sie uns nicht braucht. Das Zeitalter des Informellen hat gerade erst begonnen.

Wie Jean Bazaine sagen würde: „Die tägliche Praxis vervielfacht die Leidenschaft des Sehens.“

Zur Kohärenz in meiner Praxis

Im Panorama der zeitgenössischen Kunst, in dem Konzept und Form gleich gewichtet werden, strebe ich danach, Werke zu schaffen, die nicht durch Prominenz definiert sind, sondern durch Gegenwart. Meine Gemälde – schimmernde Felder aus Farbe und Licht im Plexiglas – sind die stillen Ergebnisse einer langen und bewussten Untersuchung. Für mich liegt der wahre Fokus weniger im Endbild als im stillen Zusammenspiel von Gedanke und Prozess, das es entstehen lässt.

Diese Praxis fußt auf drei ausgerichteten Absichten:

Die erste ist ein Rückzug aus gesetztem Sinn. Indem ich die Werke als „ohne Objekt“ beschreibe und „weder Inhalt, noch Sinn, noch Bedeutung“ festhalte, hoffe ich, die Erwartung der Narration sanft zu lösen. Es ist eine Einladung, sich vom Entschlüsseln zu lösen und zu einer direkteren Art des Sehens zu gelangen.

Dies führt zur zweiten Absicht: Die Vorrangstellung des gelebten Erlebnisses. In diesem offenen Raum versuche ich, das, was ich als „Erlebnis des Seins“ bezeichne, hineinzubringen. Das Werk wird weniger zu einem Objekt, das interpretiert wird, als zu einem stillen Ereignis, das gefühlt wird – geformt durch wechselndes Licht, durchscheinende Schichten und das schwache Spiegelbild des Betrachters, der seinen eigenen Blick trifft. Wie ich oft feststelle, „lebt, es verändert sich, es sieht.“

Der dritte Punkt ist dort, wo Idee auf Hand trifft: Prozess als verkörperter Gedanke. Malen auf der Rückseite von Plexiglas, ohne visuelles Feedback zu arbeiten, ist eine physische Praxis des Loslassens. Es ist eine bewusste Freisetzung von Kontrolle beim Schaffen. Ich setze Bedingungen, aber überlasse das Ergebnis und lasse das Gemälde zu dem werden, was ich als unabhängiges „Objekt an sich“ bezeichne – vollständig offenbart erst, wenn es fertig ist. Es ist ein stiller Parallelprozess zur fotografischen Entwicklung – ein geduldiges Warten auf das, was hier und jetzt ankommt.

Diese Absichten werden von einigen sanften Paradoxien getragen, die die Arbeit tragen:

Zufall und Disziplin
Ich spreche von sinnvollen „Zufälligkeiten“, doch sie sind nur innerhalb sorgfältiger Grenzen möglich. Zufall ist ein willkommener Gast, doch die Struktur wird mit Sorgfalt aufgebaut.

Kommunikation ohne Botschaft
Ich hoffe, etwas zu „kommunizieren“ durch Werke, die ich sinnlos nenne. Vielleicht ist geteilt nicht eine Aussage, sondern ein Zustand – eine Textur aus Licht, eine stille Gegenwart, eine greifbare Stille.

Nostalgie für die Gegenwart
Eine sanfte Nostalgie schwingt in der Arbeit mit, doch sie richtet sich sonderbar auf das Jetzt: eine Sehnsucht nach den zufindenden „unverzichtbaren Notwendigkeiten“, gefunden in „Stille und Licht“ – dem Wunsch nach reiner Gegenwart, die die Arbeit selbst still anbietet.

Anstrengung und Mühelosigkeit
Der Prozess erfordert ständige Aufmerksamkeit, zielt aber auf ein Ergebnis ab, das autonom wirkt, als sei es „aus eigenem Antrieb entstanden“. Ich fühle mich zu dem angeregt, was sich völlig unausweichlich anfühlt.
In diesem Geist habe ich das Gefühl entwickelt, dass „das Zeitalter des Informellen gerade erst begonnen hat.“ Meine Praxis ist dem Geist des Art Informel verpflichtet, wenn auch vielleicht mit weniger Qual und mehr Ruhe – eine Informalität, bei der Zufall keine Unterbrechung, sondern stille Zusammenarbeit ist.

Im Kern geht es um die Suche nach dem „le vif“ – dem lebendigen Kern. Die Arbeit neigt sich eher zur direkten Erfahrung als zur Intellektualisierung. Die oft gewählte bescheidene Maßstab soll die Intimität fördern, nicht das Spektakel.
Letztlich ist dies einfach der Weg eines einzelnen Künstlers. Meine Biografie, mein Prozess und meine Reflexionen sind keine getrennten Fäden, sondern Teile einer einzigen Suche. Ich habe festgestellt, dass eine Praxis, die auf stiller Paradoxie basiert, nicht zerbrechlich sein muss. Durch Disziplin und Klarheit können solche Spannungen, so glaube ich, eine Quelle der Resilienz werden.

Anton Kaestner