Anton Kaestner - #446 - S - " Harsh Nature 4/9 ".

#446 - S - "Harsh Nature 4/9".
Original object, œuvre originale d'Anton Kaestner, direkt aus dem Pariser Atelier.

Acrylspray auf 3 mm Glasplatte.
Dieses Gemälde ist keine Druckreproduktion. Es handelt sich um ein originales Werk, das in mehreren Farbschichten und/oder Sprays gemalt wurde, dessen glänzende, „glossy“-Oberfläche – ähnlich wie der Auftrag von Resin – einzigartig ist.
Es gehört zu einer Serie von 9 Gemälden (1/9 bis 9/9), von denen 7 noch erhältlich sind, zu einem Gesamtpreis von 1500 € (7 gerahmte Gemälde). Bitte fragen Sie nach, falls Sie es wünschen, nach dem Kauf des ersten Gemäldes.

Abmessungen: Zoll 12,6 × 9,1 × 0,12 / 32 × 23 × 0,3 cm ohne Rahmen.
Dieses Gemälde wird ohne Rahmen geliefert.
Rahmen von hochwertiger deutscher Marke Nielsen aus Aluminium, Referenz 34 (Zoll 0,23 × 1,38 / 0,6 × 3,5 cm) empfohlen und bei Versand gegen Aufpreis von 70€ erhältlich.

Das Werk ist auf der Rückseite signiert.
Ein Echtheitszertifikat begleitet es.
Der Versand ist durch eine Versicherung abgesichert.

Anton Kaestner ist ein Schweizer Maler, Bildhauer und Autor mit Sitz in Paris. Seine Werke werden in ganz Europa, in der Schweiz und in Dubai ausgestellt. Weitere Informationen und Auswahl unter www.antonkaestner.com.

Nächste persönliche Ausstellung – Genf, Januar 2027.

"Biografie

Geboren in Genf, Schweiz, wuchs ich in der natürlichen Schönheit und kulturellen Vielfalt meiner Heimat auf. Kreativität wurde in meiner Familie geschätzt, und es war mein verstorbener Großvater, ein Handwerker & Künstler, dessen Einfluss den Samen für das legte, was schließlich zur Lebensaufgabe werden sollte.
Im Jahr 1993 begann ich privat zu malen, experimentierte mit unzähligen Acrylfarben in A4- und dann A3-Notizbüchern. Zuerst zog es mich zur nichtfigurativen Malerei und zum abstrakten Expressionismus. Im Laufe der Zeit entwickelte ich, obwohl ich mich als Atheist betrachte, auch eine Vorliebe für spirituelle Materialien, da sie mit meiner Erforschung menschlicher Existenz, Melancholie und der tieferen Wahrheit von Natur und Leben in Resonanz stehen.
Der Weg, tatsächlich Künstler zu werden, war jedoch nicht sofort gegeben.
Über drei Jahrzehnte verfolgte ich eine internationale Geschäftslaufbahn, die mich rund um den Globus führte – von den Vereinigten Staaten bis nach Marokko, Belgien, durch ganz Asien und Frankreich. Meine Reisen erweiterten meinen Blickwinkel und führten zu einer Vielzahl kultureller Einflüsse. Wo immer ich war, vertiefte ich mich in die lokale Kunstszene und nahm die kreative Energie jedes Ortes auf.
Trotz des Fokus auf meine Geschäftskarriere war die Kunst immer Teil von mir, leise unter der Oberfläche köchelnd. Fast dreißig Jahre lang wurde Malen zu einer Form stiller Meditation – eine Möglichkeit, mich von der Welt zu lösen und mich auf mein inneres Selbst zu konzentrieren.
Ich habe immer immense Zufriedenheit im Malen gefunden. Jedes neue Werk ist eine Reise, auf der ich meine Kreativität testen, neue Techniken erkunden und echte Erfahrungen durchleben kann. Durch meine Kunst hoffe ich, anderen eine aufrichtige Begegnung mit Schönheit zu ermöglichen, die Welt aus einer anderen Perspektive zu sehen und über das eigene Leben nachzudenken.
Im Jahr 2021, nach dem Rücktritt aus meiner Geschäftskarriere, widmete ich mich dem Malen vollständig. Ich gründete mein Atelier in Paris und widmete mich fortan ganz meiner Kunst. Ende 2023 wurde meine öffentliche künstlerische Karriere eröffnet, und zu meiner Überraschung erlangte meine Arbeit rasch Anerkennung und fand ihren Platz in Private Collections in ganz Europa, besonders in Frankreich, Portugal, Deutschland und den Niederlanden.

Künstlerischer Lebenslauf

Meine erste Einzelausstellung, "Échos", Ende 2024 in Paris, präsentierte einen unverwechselbaren Kunstansatz, abseits traditioneller Maltechniken: Ich male mit Acrylfarben, Metallpigmenten und Sprays auf der Rückseite eines recycelten extrudierten Plexiglases – eine leichte, glatte, glänzende und manchmal fragile Oberfläche.
Dieser Prozess verhindert, dass ich das Werk während der Entstehung sehe. Während des Schaffens habe ich kein visuelles Feedback oder Kontrolle – etwas, das ich willkommen heiße. Ich lasse „zufällige Experimente“ – alles geht – zu dem Ergebnis, den Schichten & Spiegelungen, die ich schaffe, führen und lasse Raum für Offenbarung und Entdeckung, wenn das Stück schließlich ausgestellt wird. Dieser Ansatz, der mit dem Offenbarungs-/Fassungsprozess der Fotografie mitschwingt, ist herausfordernd und befreiend. Die Werte der Komposition werden durch Schichten und Transparenzen bereichert und verleihen jedem Werk eine „asketische“ Qualität: Ich bin glücklich, wenn ich erkenne, welche unverrückbaren Notwendigkeiten existieren – das, was wir wahrscheinlich finden, wenn wir in Stille und Licht innehalten.
Ich halte meinen Ansatz bewusst einfach. Weder „Emotion“ noch „theoretische Konzeption“, sondern Erfahrung des Seins. Weder „schneller Konsum“ noch „Intellektualisierung / intellektueller Besitz“, sondern Erweiterung des Bewusstseins und Erforschung der Realität, ihrer sichtbaren und unsichtbaren Geschichten – meine Kunst ist eine Suche nach dem „Leben im Kern des Lebens“, dem V,i f – wie der französische SF-Meister Alain Damasio es ausdrücken würde.
Während meine Arbeit manchmal die Transparenz und Leuchtkraft von Glasmalerei heraufbeschwören mag, bleibt sie doch nahezu vollständig abstrakt. Zudem verleiht Plexiglas dem Bild eine schimmernde Haut, hinter der man die eigene Silhouette erhaschen kann – für jeden Betrachter anders. Jedes Werk wirkt wie ein dezentierter Spiegel: Es lebt, es verändert sich, es sieht.
Das Zusammenspiel von Licht, Farbe und Textur, von den fehlenden Teilen ebenso, erfordert Empathie. Hoffentlich wird der Dialog zwischen „Detail nah“ und „Distanz für das Ganze“ die Betrachter zu eigenen introspektiven Reisen anregen.
Ich behaupte nicht, alle Antworten zu haben, und möchte bezüglich dessen, was erreicht werden kann, demütig bleiben. Einfach ausgedrückt finde ich Befriedigung im fortlaufenden Prozess des Fragens und des Wachsens. Jede neue Kreation ist eine Auseinandersetzung mit meinen Grenzen, zwingt mich, meine Fähigkeiten zu verfeinern und weiter zu erforschen, was ich leisten kann. Malerei bedeutet für mich tägliche Handwerkskunst, Erkundung, eine Möglichkeit, bedeutungsvolle Gespräche anzustoßen.

Wie Jean Bazaine sagen würde: "Die tägliche Praxis vervielfacht die Leidenschaft fürs Sehen."

Anton Kaestner